tag:blogger.com,1999:blog-3003263802723803282024-03-05T14:19:19.286-08:00Les Toiles NoiresParce que les œuvres qui nous font rêver et réfléchir méritent d'être partagées. Cinéma, jeux vidéo et littérature.Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comBlogger63125tag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-6765924053502779762016-06-01T09:07:00.000-07:002017-03-01T08:03:20.167-08:00ACCUEIL<div style="text-align: center;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia4PDdhvj0w052GTCrzhi0kMby8UNZxh6dR210KyJClf0TuckARs4BMtSYplBkWoDbspIYyZKlMhIVvI97NkLB8VH7ZFjDFYINjJjcptf50Z1cZT90bJPEiTUWIITMDRrylvLg6dizUVsj/s1600/Sans+titre-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia4PDdhvj0w052GTCrzhi0kMby8UNZxh6dR210KyJClf0TuckARs4BMtSYplBkWoDbspIYyZKlMhIVvI97NkLB8VH7ZFjDFYINjJjcptf50Z1cZT90bJPEiTUWIITMDRrylvLg6dizUVsj/s320/Sans+titre-1.jpg" width="217" /></a></div>
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Bienvenue sur <strong>Les Toiles Noires</strong>.</div>
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Parce que je regrette l'aseptisation inexorable des articles dédiés aux cultures de l'imaginaire. Parce qu'une <span style="text-align: center;">œuvre, qu'elle date de ce siècle ou du précédent, qu'elle soit un succès planétaire ou un échec commercial, si tant est qu'elle arrive à nous faire rêver ou réfléchir, alors cette </span><span style="text-align: center;">œuvre-là mérite d'être partagée. Parce que l'esprit humain n'a, par définition, aucune limite, il est capable de donner vie à des univers aussi complexes que superbes. Parce que je me refuse d'écrire des pages semblables à mille autres, noyées dans un océan de conformité et privilégiant la quantité à la qualité. </span><span style="text-align: center;">Enfin, parce qu'avant tout la passion me dévore, aussi flamboyante que lorsque je m'évadais pour la première fois vers des mondes impossibles. C'est pour toutes ces raisons que germe ce nouvel espace virtuel dédié aux cultures de l'imaginaire, comme un phare destiné à tous les égarés de la toile.</span><br />
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L'Homme est une machine formidable, dont l'outil le plus incroyable, sa capacité à imaginer, peut donner naissance aux univers les plus improbables. Depuis l'aube des temps, l'humanité se raconte des histoires, que ce soit pour se transmettre un héritage essentiel, ou tout simplement pour s'évader. Et si parmi toutes ces histoires, beaucoup ne nous parviendront jamais, nous aurons cependant la chance d'en découvrir quelques unes, dont une infime poignée parviendra à se graver en nous, pour l'éternité. Ces histoires peuvent revêtir les formes les plus diverses. Quelques mots couchés sur du papier, une poignée d'images immortalisées sur la pellicule, voire une interaction directe entre l'individu et l'œuvre à travers le jeu vidéo, autant de médias qui permettent la transmission d'une œuvre entre deux personnes. Ces pages traiteront de toutes ces créations, qu'elles soient récentes ou vétustes, célèbres ou tombées dans l'oubli. Nous vous souhaitons une agréable visite, et espérons vous faire découvrir cette précieuse alchimie qui peut parfois surgir à l'improviste.</div>
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Pourquoi ce nom, <b>Les Toiles Noires</b> ? Parce que ces pages tenteront de vous guider vers des œuvres uniques, à l'instar d'une étoile accrochée sur le ciel que représente la toile. L'étoile Noire, de son côté, désigne un élément essentiel de la saga cinématographique <b>Star Wars</b> et de ce fait symbolise tout un pan de la culture de l'imaginaire. La plupart des articles contiennent des <b><span style="color: #cc0000;">spoilers</span></b>, c'est-à-dire qu'ils révèlent des éléments clés scénaristiques des œuvres traitées, attention à ne pas vous gâcher le plaisir de la découverte.<br />
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Les univers les plus étranges, les idées les plus folles et les histoires les plus marquantes germent sans cesse, partout, tout le temps. J'espère, à travers ces modestes pages, pouvoir vous guider vers des œuvres incontournables.<br />
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<span style="font-size: x-small;"><i>Ces pages sont optimisées pour le navigateur Chrome. Il se peut que le formulaire de contact ne fonctionne pas sous les autres navigateurs. Toutes les images illustratives sont la propriété intellectuelle et/ou copyright de leurs éditeurs/auteurs respectifs.</i></span></div>
Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-75959756194736894482016-06-01T09:06:00.001-07:002021-03-15T12:07:29.184-07:00INDEX<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/cloud-atlas.html">Cloud Atlas</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/godzilla-mothra-battle-for-earth.html">Godzilla & Mothra: The Battle for Earth</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2015/11/hot-fuzz.html">Hot Fuzz</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/it-follows.html">It Follows</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/john-dies-at-end.html">John Dies at the End</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/beautiful-dreamer.html">Lamu - Beautiful Dreamer</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.com/2014/05/le-nouveau-monde.html">Le Nouveau Monde</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.com/2014/05/pacific-rim.html">Pacific Rim</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2015/12/shaun-of-dead.html">Shaun of the Dead</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/the-grand-budapest-hotel.html">The Grand Budapest Hotel</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2015/08/the-wailing.html">The Wailing</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/tron-lheritage.html">Tron: L'Héritage</a><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYT1SPMRQQBhU3p-uo0K7ngj1hZoRn-6aGjE1lH7NCsAW0QVr702QHcDYqrl94Ua170HWBSxmlE3BqoLsWx4WAGA2ZrDfkWNXTnvUyfRCQh2AooijnOpbEa-AAPijhoWhopMWCRNA6Fcrr/s1600/jv.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYT1SPMRQQBhU3p-uo0K7ngj1hZoRn-6aGjE1lH7NCsAW0QVr702QHcDYqrl94Ua170HWBSxmlE3BqoLsWx4WAGA2ZrDfkWNXTnvUyfRCQh2AooijnOpbEa-AAPijhoWhopMWCRNA6Fcrr/s640/jv.jpg" width="640" /></a></div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2013/09/decouverte-dragon-quest-vii-la-quete.html">[ DÉCOUVERTE ] Dragon Quest VII : La quête des vestiges du monde</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2016/03/ace-attorney-phnix-wright-trials-and.html">Ace Attorney : Phœnix Wright - Trials and Tribulations</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/asuras-wrath.html">Asura's Wrath</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/catherine.html">Catherine</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/deus-ex-human-revolution.html">Deus Ex: Human Revolution</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/dragon-age-inquisition.html">Dragon Age: Inquisition</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2016/05/life-is-strange.html">Life is Strange</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.com/2014/05/resident-evil-6.html">Resident Evil 6</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/sola-to-robo-red-hunter.html">Sola to Robo: Red the Hunter</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/the-binding-of-isaac.html">The Binding of Isaac</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/the-walking-dead-saison-1.html">The Walking Dead - Saison 1</a><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqcvDydtABTO5HwB_zzhyphenhyphenkJusDYm40rVN6BMFo31qcoWxjatEs_0gatnpVXd5JieiVOsUt8im1EQdRYLxtUSdbDooMamfMKier8osSvEZEwvn2OzrnUayJx1WhKvqNbdjLMxEZNrE4ucQ8/s1600/mangas.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqcvDydtABTO5HwB_zzhyphenhyphenkJusDYm40rVN6BMFo31qcoWxjatEs_0gatnpVXd5JieiVOsUt8im1EQdRYLxtUSdbDooMamfMKier8osSvEZEwvn2OzrnUayJx1WhKvqNbdjLMxEZNrE4ucQ8/s640/mangas.jpg" width="640" /></a></div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2013/08/decouverte-i-am-hero-tome-1.html">[ DÉCOUVERTE ] I am a Hero - Tome 1</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2016/02/devilman.html">Devilman</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/jojos-bizarre-adventure-phantom-blood.html">JoJo's Bizarre Adventure : Saison 1 - Phantom Blood</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2016/02/jojos-bizarre-adventure-saison-2-battle.html">JoJo's Bizarre Adventure : Saison 2 - Battle Tendency</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/love-hina.html">Love Hina</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/04/remina-la-planete-de-lenfer.html">Rémina: La Planète de L'Enfer</a><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9mnWXESm1JwiHU4osPRjFUieyBNqsf5ePhh4KG3bBJpu5B-mIG1t3jtueDpWDsSdotXAg6d2XjJGT4NKlUtvmoLW8pEeE6PFsHj1ZBeRMFaWLf3wE7axuPz-DHJaXaVMriQt2JV3fzn_H/s1600/comicsbd.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9mnWXESm1JwiHU4osPRjFUieyBNqsf5ePhh4KG3bBJpu5B-mIG1t3jtueDpWDsSdotXAg6d2XjJGT4NKlUtvmoLW8pEeE6PFsHj1ZBeRMFaWLf3wE7axuPz-DHJaXaVMriQt2JV3fzn_H/s640/comicsbd.jpg" width="640" /></a></div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/ce-volume-1-limmortel-qui-reve.html">CE : Volume 1 - L'Immortel qui rêve</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2016/02/descender-tome-1-etoiles-de-metal.html">Descender : Tome 1 - Étoiles de métal</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.com/2014/05/grant-morrison-presente-batman-tome-1.html">Grant Morrison présente Batman : Tome 1 - L'Héritage Maudit</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.com.tr/2014/05/grant-morrison-presente-batman-tome-2.html">Grant Morrison présente Batman : Tome 2 - Batman R.I.P.</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/marvel-icons-spider-man-tome-1.html">Marvel ICONS : Spider-Man, Tome 1</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/marvel-now-avengers-tome-1.html">Marvel NOW! : Avengers - Tome 1</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/marvel-now-superior-spider-man-tome-1.html">Marvel NOW! : The Superior Spider-Man - Tome 1</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2012/11/monstress-tome-1-leveil.html">Monstress : Tome 1 - L'Éveil</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/saga-tome-1.html">Saga - Tome 1</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2017/11/shutter-tome-1-errance.html">Shutter : Tome 1 - Errance</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/sillage-tome-1-feu-et-cendres.html">Sillage : Tome 1 - À feu et à cendres</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/watchmen.html">Watchmen</a><br />
<span style="color: #0000ee; text-decoration: underline;"><a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2015/09/decouverte-dessinateurs-de-comics.html">[ DÉCOUVERTE ] Dessinateurs de comics</a></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-zZoWFwRjXsBLLGAAXKWWvs-pZuxRAqb3H0TlLguTqIN8Buc86zZPDRjAseWy_0iBnn3BRARUZR5NI3lQBEPLwL4853Jg96rkDi17k0rTM1NP40V8jxeZm5G-bmvE1VvYySJwPnWCF3Gz/s1600/romans.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-zZoWFwRjXsBLLGAAXKWWvs-pZuxRAqb3H0TlLguTqIN8Buc86zZPDRjAseWy_0iBnn3BRARUZR5NI3lQBEPLwL4853Jg96rkDi17k0rTM1NP40V8jxeZm5G-bmvE1VvYySJwPnWCF3Gz/s640/romans.jpg" width="640" /></a></div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/08/kafka-sur-le-rivage.html">Kafka sur le Rivage</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/niourk.html">Niourk</a><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFa5702iZ84aaAxJpZwHHsLBFGyQL0b3FZ6Ew3JNb5Nx8pBDVATNIVVTLUYw2V2K28DwXRe_ZaJkgrd-PxjNhVurrSJBl1MGIXw5xzCk813QbTREJMUQEmYUJUhdbEl5C5WMfFoWd-f182/s1600/series.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFa5702iZ84aaAxJpZwHHsLBFGyQL0b3FZ6Ew3JNb5Nx8pBDVATNIVVTLUYw2V2K28DwXRe_ZaJkgrd-PxjNhVurrSJBl1MGIXw5xzCk813QbTREJMUQEmYUJUhdbEl5C5WMfFoWd-f182/s640/series.jpg" width="640" /></a></div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/adventure-time.html">Adventure Time</a><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2hLV-FsMQEUlUTvrWjXBfneck99rDKNrVgnCnJkoFxNNl_vvdm4xYHtP9AMNPvaqwKgtIqewJClAKFCCE7OMUPFwaNyQmrZdeyf3Xhxc1Y2yJ6BwO7rsz-w9hKrLqnBDsXxS3KXkzq6ny/s1600/divers.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2hLV-FsMQEUlUTvrWjXBfneck99rDKNrVgnCnJkoFxNNl_vvdm4xYHtP9AMNPvaqwKgtIqewJClAKFCCE7OMUPFwaNyQmrZdeyf3Xhxc1Y2yJ6BwO7rsz-w9hKrLqnBDsXxS3KXkzq6ny/s640/divers.jpg" width="640" /></a></div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2015/04/bilan-2016.html">BILAN 2016</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2016/02/bilan-2015.html">BILAN 2015</a> et <a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2015/12/attentes-2016.html">ATTENTES 2016</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/p/collection.html">Collection</a><br />
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/les-incontournables.html">Les Incontournables</a><br />
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Dernier article publié dans la section [ COLLECTION ] : <a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/collection-legend-of-zelda-majoras-mask.html">Majora's Mask 3D</a></div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/p/collection.html" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="98" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRSnLTZtJAJ-bImo7LTfWO-PBbD-LPm2VqgEY67w7Y-3swZPdP7ji1NJYwk8rDJroiByth4l04sh-lW26h0aB6NW_x-3vaI1wq-64DZRl62C1x_-v7d-mzaE_UEM1L9LPaSJnk0eKbokP_/s1600/706.jpg" style="color: #0000ee;" width="640" /></a></div>
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Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-29533076989570245952016-05-17T08:27:00.000-07:002016-06-12T08:28:06.511-07:00Life is Strange<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3DFbt3gdge-wgJlTcWsOx8mazAO8Zpaibcom2V07ab4hRW0DLSJIO6z8k6E3v46-_CTFA88Uc4weasdNtEK91SKbMCnr3mJTUn0SAKtyLwT2BiqtBPO6GIbVimCiQZnR-GMfG718WMDM/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3DFbt3gdge-wgJlTcWsOx8mazAO8Zpaibcom2V07ab4hRW0DLSJIO6z8k6E3v46-_CTFA88Uc4weasdNtEK91SKbMCnr3mJTUn0SAKtyLwT2BiqtBPO6GIbVimCiQZnR-GMfG718WMDM/s640/1.jpg" width="640" /></a></div>
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<i>Développé par Dontnod Entertainment</i></div>
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<b><span style="color: red;">Cet article contient des <span style="color: red;">spoilers</span>.</span></b></div>
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C'est en juin 2013 que le public fait la rencontre de <i>Dontnod Entertainment</i>, à travers un premier projet ambitieux du nom de <b>Remember Me</b>. Ce jeu d'action-aventure brillait déjà par sa volonté de se détourner des codes narratifs exploités par les œuvres du même genre, comme le démontrait son écriture soignée au service d'un univers d'anticipation autant cohérent que ludique à arpenter. Deux ans plus tard, le studio de développement français récidive, calquant son nouveau projet sur la structure imposée par les jeux à narration de <i>Quantic Dream</i> ou de <i>Telltale Games</i>. Le résultat, c'est <b>Life is Strange</b>, un jeu rare et intelligent, sorti au format épisodique composé de cinq épisodes, puis en version physique. Audacieux, le soft l'est clairement, bien qu'il puise sa force dans son écriture et ses personnages qui, ensemble, phagocytent l'attention du joueur, lequel s'égare alors dans un univers envoûtant et mélancolique. Bien que le fantastique compromette le réel à mesure que les épisodes défilent, le jeu dresse avec aisance un polaroid de la jeunesse contemporaine prise sur le vif, sans jamais se permettre de la juger.</div>
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<b>Life is Strange</b> place le joueur aux commandes de Maxine Caulfield, jeune étudiante qui suit un cursus au sein de l'Université de Blackwell, phare culturel de la ville d'Arcadia Bay, dans l'Orégon. Passionnée par la photographie, Max, comme la surnomment ses camarades, est une jeune fille relativement banale, de nature empathique, qui va se découvrir l'étonnante faculté de pouvoir remonter dans le temps, un pouvoir qui se traduit dans le jeu par une mécanique de gameplay nécessaire pour progresser. Perturbée par une violente vision de fin du monde, Max s'apprête à vivre la semaine la plus étrange de sa vie, chaque journée correspondant à un épisode du jeu, du lundi au vendredi. Le cadre de cette aventure prend place uniquement à Arcadia Bay, que l'héroïne ne quittera que durant le dernier épisode, provisoirement, ce qui laisse le temps aux développeurs pour dépeindre un quotidien réaliste, cohérent et évolutif. Ce quotidien s'anime grâce à la présence de toute une flopée de personnages secondaires que le joueur accompagne au fil des épisodes, chacun d'entre eux étant le sujet d'une sous-intrigue qui se développe, ou pas, selon les actions de Max. Ces individus illustrent tous un pan différent de l'adolescence, de la populaire et irritante Victoria au discret Daniel, ils ont tous un caractère propre qui se dévoile si le joueur décide de les côtoyer régulièrement. La plupart de ces personnages arpentent les couloirs de l'université, un lieu qui serait une sorte de cocon pour Max et ses amis, un lieu qui symbolise clairement l'adolescence et vers lequel chaque épisode se concentre d'une manière ou d'une autre. Le jeu élimine les indicateurs moraux principaux de Max, à savoir ses parents, étant donné que la jeune fille réside à l'année dans les dortoirs de l'université : elle est seule, ses actes ne seront influencés que par le joueur. Ce dernier affrontera avec Max la fin de son enfance, tandis qu'elle se heurtera au monde adulte de plein fouet, à travers la mort, le sexe, l'ambition et les apparences. C'est manette en main que le joueur accompagnera la jeune photographe dans sa construction identitaire, influencée par différents marqueurs qui jalonnent le récit et s'incarnent à travers les personnages secondaires, comme Victoria (l'ambition), Chloé (la rébellion) ou Warren (l'amour).</div>
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Ce petit microcosme virtuel profite d'un ancrage dans la réalité pour mieux exister aux yeux du joueur, grâce à des choix cohérents de la part de l'équipe de développement, mais aussi grâce au talent des doubleurs et doubleuses qui accomplissent des miracles tout au long des épisodes et des scènes. C'est Hannah Telle qui confie sa voix à Maxine, dans un jeu tout en pudeur et retenue, qui éclate lors des scènes les plus intenses. Son intonation et ses lignes de dialogues ne dénotent pas avec la réalité, l'actrice plonge vraiment dans la peau de cette adolescente un peu paumée avec une facilité incroyable. Mais c'est Ashly Burch, la jeune femme qui prête sa voix à Chloé, qui fait vraiment des merveilles tout au long du jeu. Passant d'un registre à un autre avec une aisance folle, Ashly vole la vedette lors de plusieurs scènes, comme lors de la découverte du cadavre de Rachel, durant laquelle elle offre à la séquence une portée émotionnelle tétanisante. Ce soin apporté aux doublages se retrouve dans l'ensemble du jeu, et bien que le couple Max / Chloé soit évidemment plus mis en avant que les autres personnages, ces derniers ne dénotent pas et sonnent juste du début à la fin. Outre cette familiarité que peut ressentir le joueur face à ses personnages, tout le contexte géographique du jeu favorise davantage encore l'ancrage dans le réel évoqué un peu plus tôt. En choisissant de placer l'action dans une petite ville côtière sans attrait particulier, les développeurs proposent au joueur un environnement à la limite du banal. Les lieux explorés sont crédibles et familiers : des salles de classe, des maisons typiques, une grange, la campagne, seuls les environnements de la fin du jeu brisent cette règle, comme le prouve la présence d'un bunker sécurisé, ou toute la phase psychédélique du chapitre cinq.</div>
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Cette ambiance sereine et réconfortante s'accompagne d'une dose de mélancolie, non seulement via la période de la vie illustrée (la jeunesse, le système scolaire), mais aussi grâce à la bande son du jeu, qui exploite de nombreux morceaux de pop folk déjà existants. Parmi les artistes participants, quelques français tels que le groupe <b>Syd Matters</b>, qui diffuse déjà un univers relativement calme et mélancolique, mais aussi les plus énervés de chez <b>Mogwai</b>, représentants véloces du post-rock français qui ont déjà fait leurs preuves. <b>Amanda Palmer</b>, <b>alt-J</b> ou encore <b>Bleu </b>confient eux aussi leurs chansons à l'équipe de <i>Dontnod</i>, et permettent ainsi de donner vie au petit univers de <b>Life is Strange</b> qui peut alors s'ancrer davantage encore dans le réel. C'est Jonathan Morali qui offre une identité propre au jeu, en composant des morceaux qui surgissent ponctuellement tout au long de l'aventure, appuyant toujours plus cette atmosphère délicate qui englobe le récit, une atmosphère qui se délite tandis que les personnages basculent dans le monde adulte. Ses compositions, douces mais déchirantes, retranscrivent bien la fragilité de cet univers d'une jeunesse qui peut s'effriter à tout instant, brisée par la disparition des rêves et de l'enfance. Pourtant, le jeu n'en fait jamais trop, de longues phases silencieuses rythment l'aventure, l'émotion ne se dégage que des dialogues qui sonnent alors justes, qui ne sont pas altérés par des mélodies tire-larmes inappropriées. <b>Life is Strange</b> enchaîne les séquences avec une justesse improbable, appuyées par une mise en scène versant dans le classicisme, priorisant l'efficacité à l'éblouissement.</div>
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De nombreux documents ornent les décors, comme des flyers, des publicités et affiches, des mémos, des dossiers, des œuvres d'art et une pléthore d'autres objets dont la seule raison d'être est d'immerger le joueur toujours un peu plus dans l'univers de<b> Life is Strange</b>. Dans la même optique, les pensées de Max sont accessibles, beaucoup d'objets et d'éléments des décors peuvent être examinés par la jeune fille bien qu'ils ne concernent en rien l'intrigue principale. Mais ceci permet de s'investir dans ce microcosme peuplé d'êtres virtuels qui deviennent alors, le temps que dure le jeu, presque vivants et concrets. Examiner le décor permet aussi de réaliser des tâches annexes que le jeu gardera en mémoire, comme tout simplement arroser une plante dans la chambre de Max, ou sauver la vie d'un oiseau. Ces petits détails, toujours insignifiants par rapport au scénario, resurgissent ponctuellement dans les dialogues ou les pensées de Maxine lorsqu'elle se parle à elle-même. Enfin, il est possible de passer à côté de certaines de ces actions si le joueur ne prend pas la peine de fouiller les lieux qu'il arpente ni de faire attention aux événements qui se déroulent tout autour de lui. Ainsi, des intrigues secondaires peuvent échapper à sa vigilance, tout comme l'accomplissement d'une quête annexe articulée autour de la passion de Max : la photographie. En effet, armée de son polaroid, l'étudiante peut dégoter jusqu'à dix clichés par épisode, plus ou moins dissimulés (dix correspondant au nombre de clichés que peut prendre un appareil de ce genre, par cartouche). Pour réussir à obtenir l'intégralité des photographies, Max devra parfois utiliser son récent pouvoir, voyager dans le temps.</div>
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C'est lors du premier épisode, intitulé <b>Chrysalis</b>, que Max se découvre un don : elle peut "rembobiner" le temps pour revenir dans le passé et changer le cours des événements. Cette capacité va servir de base au gameplay et aux énigmes qui parsèment le jeu, tout en permettant au joueur d'examiner toutes les possibilités offertes par les choix à faire. Ce pouvoir de maîtrise temporelle ne sera pas expliqué, les personnages suggèrent plusieurs hypothèses telles que le destin, les conséquences d'un trou de ver ou même des raisons plus mystiques, mais aucune preuve ne sera apportée durant le récit : Max a ce pouvoir parce qu'elle devait l'avoir. Sa propension à l'utiliser va cependant altérer les règles de la réalité, le temps va se dérégler comme l'illustrent les conclusions de chaque épisode, qui dévoilent d'étranges spectacles : de nombreuses baleines qui s'échouent ensemble sur la plage, de la neige inattendue ou encore l'apparition de deux lunes dans la nuit noire. Ces apparitions contrastent avec la volonté de réalisme utilisée par les développeurs. Heureusement, cette capacité n'est pas seulement un artifice scénaristique, elle sert aussi le gameplay et la narration, étant donné que le pouvoir réserve quelques surprises au joueur. Le premier choc intervient lors du chapitre deux, <b>Out of Time</b>, durant lequel Max doit empêcher son amie Kate de se jeter du haut d'un toit. C'est à ce moment que le pouvoir de la jeune fille, qu'elle ne maîtrise pas encore, disparaît purement et simplement. Le joueur est alors confronté à l'importance de ses paroles, il ne peut plus se reposer sur le voyage dans le temps pour modifier l'issue du dialogue entre Maxine et Kate. En supprimant ce pouvoir au joueur, ce dernier se retrouve dans une position de faiblesse terrible, accentuée par l'intensité et les enjeux de la scène. De plus, pour réussir à sauver Kate autrement qu'en ayant beaucoup de chance, il faut avoir parlé avec le personnage durant les heures de jeu précédentes, mais aussi avoir fouillé sa chambre à la recherche d'objets en particulier, tout en se souvenant de certaines informations précises parmi toutes celles qui sont diffusées depuis le début de l'aventure. C'est à cet instant que le joueur réalise que tout ce qui existe au sein du jeu, tous ces objets à examiner, tous ces personnages avec lesquels discuter, tout ce microcosme finalement, a un sens en termes non seulement de narration, mais aussi de mécanique propre au jeu.</div>
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Le second choc dû à la présence de cette capacité à remonter dans le temps survient peu avant la conclusion du chapitre trois, <b>Chaos Theory</b>. Max se découvre alors un nouveau pouvoir, ou plutôt une maîtrise plus poussée de sa capacité, elle peut voyager dans le temps à partir d'une simple photographie. La jeune étudiante décide ainsi de partir dans le passé, jusqu'au funeste jour durant lequel le père de son amie Chloé est décédé dans un accident de voiture. S'ensuit une séquence éprouvante durant laquelle Maxine doit empêcher William de prendre le volant, usant et abusant de ses pouvoirs temporels. Le père recevant un appel de sa femme, Max remonte le temps et débranche le téléphone. Mais voilà que la mère, Joyce, appelle alors sur un téléphone portable rangé dans la poche du pantalon de William. Max cache alors les clés de la voiture, mais William les retrouve grâce à un avertisseur sonore. Bref, de fil en aiguille, Max parvient à changer le cours des choses, elle vainc le temps lui-même, mais lorsqu'elle revient dans le présent, la jeune étudiante découvre avec une violence rare la définition de la théorie du chaos qui donne son nom à l'épisode. La théorie du chaos pourrait se résumer grossièrement de la sorte : il est impossible de prédire à long terme les conséquences d'un acte effectué à un moment donné. Ainsi, alors qu'elle tente de rendre le monde meilleur, Max perturbe la réalité et bouleverse la vie de ses proches. Elle réalisera alors qu'elle ne peut s'amuser à jouer avec le temps telle une enfant, tandis que le récit bascule dans le un climax étalé sur deux épisodes, le glauque <b>Dark Room</b> et l'apocalyptique <b>Polaroid</b>.</div>
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Durant tout le jeu, ce dernier exploite une technique d'écriture déjà présente dans <b>The Walking Dead</b> de <i>Telltale Games</i>, à savoir le fait de ne relever que le côté négatif des actions effectuées par le joueur. Lorsque Max prend une décision, le joueur partage ses réflexions et ses doutes, tandis que tout ce que le personnage rate est ressassé par les dialogues. Par exemple, si Maxine arrose trop souvent la plante dans sa chambre (c'est-à-dire une fois par épisode), celle-ci meurt. Plus tard, si Kate se suicide, le joueur peut retourner dans la chambre de Max et examiner la plante : une remarque comme quoi Maxine est incapable de sauver ses amies, ni une simple plante de maison, se déclenche alors. Le jeu est parsemé de ce genre de remarques, dans les dialogues et les pensées de Max, mais aussi à la suite de chaque choix difficile. L'écriture du jeu suit une progression linéaire, malgré la diversité des événements, prévisibles ou pas, qui mène à un cinquième chapitre absolument dantesque, consécration de tout ce que le joueur a vécu jusqu'ici. Les choix les plus intenses émaillent cet épisode, dont une décision finale crève-cœur qui convoque la mort, soit celle de l'être aimé, soit de tous les autres. La conclusion est d'ailleurs écourtée, mais tout est dit, le voyage jusqu'à cet épilogue aura appris davantage de choses aux personnages, et au joueur, que l'épilogue lui-même. Toutes les intrigues entamées jusqu'ici, même les plus rigolotes (comme celle qui concerne Alyssa et ses petits accidents), trouvent un aboutissement plus ou moins terrible. Même le gameplay s'épanouit totalement à travers une longue phase psychédélique et paranoïaque très marquante, et des séquences d'infiltration basées sur le pouvoir de Max. Toute cette scène délirante et glauque constitue l'un des pics émotionnels du jeu, tant elle est inventive et en totale adéquation avec le scénario et la narration. Max erre dans son esprit et doit utiliser toutes ses capacités (mentales et physiques) pour s'en sortir, malgré la présence d'énigmes hallucinées réjouissantes à résoudre.</div>
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Le jeu traite de sujets durs, l'approche fantastique permise par la présence du voyage dans le temps n'est qu'un filtre qui se glisse sur une thématique réaliste, et pourtant déprimante. <b>Life is Strange</b> parle de meurtre, de viol, de la maladie, du deuil, d'une jeunesse qui s'autodétruit, le tout enrobé dans une atmosphère de cinéma indépendant et mélancolique. La fin du monde que voit Max dans ses visions peut représenter, tout simplement, le monde de l'enfance qui s'effondre sous le poids de la réalité. Une réalité qui dépeint des personnages qui se cachent derrière une apparence trompeuse, tels Victoria qui rabaisse le monde pour se faire aimer, pour exister. Comme Jefferson qui baigne dans sa folie, vit pour son art dément, ne se souciant que de ce qu'il peut accomplir avec son appareil photo. Comme la famille Prescott, rongée par l'argent, dont le père s'inquiète davantage par l'image de son fils que par sa santé. C'est ce monde, froid et perdu, que Max et Chloé doivent alors arpenter, tandis que leur enquête patauge et que leurs problèmes personnels les hantent. Les jeunes filles doivent se débrouiller seules, comme le représente très bien la scène d'enquête dans la chambre de Chloé, où Max doit rapprocher des indices entre eux pour pouvoir avancer. C'est elles deux, face au reste du monde, elles qui représentent en quelque sorte les deux derniers êtres purs à Arcadia Bay. Chaque personnage dit "pur" est d'ailleurs représenté par un animal tout au long du jeu. La défunte Rachel s'incarne parfois sous les traits d'une biche translucide que Max peut apercevoir, et qu'elle rencontre d'ailleurs à la décharge, le lieu qui, elle l'apprendra plus tard, dissimule le cadavre de la jeune fille disparue. La biche est un guide pour Max, tout au long du jeu, tandis que l'animal est parfois justement, culturellement parlant, associé à la mélancolie. Chloé serait le petit oiseau bleu que Max sauve tout au long du jeu, un animal perdu, qu'elle ressuscite une première fois, comme elle le fait pour Chloé dans les toilettes lors du premier épisode. Chloé est cet oiseau, libre, inaccessible, pour qui Max va se batte, sans jamais l'atteindre (Chloé étant amoureuse de Rachel). Max peut même, dans la conclusion, sacrifier la ville, pour Chloé, sans jamais espérer recevoir son amour en retour. Enfin, Maxine est le petit papillon qui apparaît lors des choix importants, et celui qui déclenche toute l'histoire, toujours dans les toilettes du premier chapitre. Le papillon fait bien évidemment référence à l'effet papillon, une illustration célèbre de la théorie du chaos.<br />
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Toute la partie émotionnelle du jeu confronte le joueur au deuil, une notion qu'incarne bien évidemment Chloé. Le deuil du père, forcément remplacé par quelqu'un qui ne sera jamais aussi bien (David étant d'abord présenté comme un antagoniste avant que ne se révèle sa véritable personnalité), mais aussi de l'être aimé, Rachel. Le personnage de Chloé passe par les étapes du deuil, du déni à la colère, puis à l'acceptation, comme devra le faire, et c'est plus délicat, le joueur à travers Max. Le choix final proposé juste avant l'épilogue cristallise le deuil que doit faire Max envers Chloé, une Chloé qui jamais ne l'aimera autant qu'elle n'aimait Rachel. Ce tout dernier choix, aux conséquences dantesques, quasiment apocalyptique, révèle en fait beaucoup de chose sur la psyché du joueur : est-il capable de laisser partir Chloé ? Tout le talent des développeurs réside dans le fait que cette interrogation n'est en aucun cas souligné au marqueur fluorescent par la narration ni la mise en scène, c'est un choix que le joueur faire de lui-même, pour lui.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheXfxe1QGqsqntCQ4ukK8GykiNil7u_KhGBhgkrSKk8EA-bno31MwQ225nIHCo8YUJLu7aKSO84JwWM7EXFop8XvRFjO7FY0lYExicey6_2kJ5F53-422hF396-lwBh14WJT7jgZM2nZA/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="354" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheXfxe1QGqsqntCQ4ukK8GykiNil7u_KhGBhgkrSKk8EA-bno31MwQ225nIHCo8YUJLu7aKSO84JwWM7EXFop8XvRFjO7FY0lYExicey6_2kJ5F53-422hF396-lwBh14WJT7jgZM2nZA/s640/2.jpg" width="640" /></a></div>
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En choisissant la thématique de la photographie, <b>Life is Strange</b> illustre son propos à la perfection : le jeu est un polaroid nostalgique et parfois macabre d'une jeunesse égarée. Influencé par la culture pop et geek contemporaine, de Gregg Araki à <b>Doctor Who</b>, en passant par <b>Twin Peaks</b> et <b>Scream</b>, le jeu narratif de <i>Dontnod </i>délivre un propos fort et original au sein de la bulle jeux vidéo. Porté par une direction artistique cohérente et maîtrisée, ainsi que par des personnages forts et immédiatement attachants, le jeu fait la part belle à l'immersion, en saupoudrant son scénario alambiqué de phases de gameplay marquantes et d'une infinité de détails à trouver, d'actions à expérimenter. Doté d'une pudeur et d'une modestie qui forcent au respect, <b>Life is Strange</b> brille par la maîtrise du petit univers qu'il met en scène. Autant jeu que vidéo, l'œuvre incarne surtout un tournant au sein de la courte histoire des aventures narratives, favorisant l'immersion au détriment de la grandiloquence, l'intime plutôt que le spectaculaire, et prouvant par là-même que la réussite d'une histoire quelle qu'elle soit, passe avant tout par sa construction, ses personnages et ses thématiques. Tel un vieil album en cuir rangé sur une étagère poussiéreuse, les pages de <b>Life is Strange</b> ne demandent qu'à être tournées par ceux qui préfèrent en prendre plein le cœur plutôt que plein les yeux.</div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a>Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-28195172151841341972016-03-22T08:24:00.000-07:002016-06-12T08:24:37.196-07:00Ace Attorney : Phœnix Wright - Trials and Tribulations<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidbJp0R2ac9Sdr0MEdGnKNP01LTGlP5boWHLdbQQEW46TFX1dpYiuty_7dW7fi_SMata4UFlJPVYwviCVDkvvE6-W4-cQIcxEfWSXanRkw-QwIUJ-1N7OGDUuwYU3rEGpNE_joEXz09MA/s1600/Phoenix_Wright_Ace_Attorney_Trials_and_Tribulations.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="276" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidbJp0R2ac9Sdr0MEdGnKNP01LTGlP5boWHLdbQQEW46TFX1dpYiuty_7dW7fi_SMata4UFlJPVYwviCVDkvvE6-W4-cQIcxEfWSXanRkw-QwIUJ-1N7OGDUuwYU3rEGpNE_joEXz09MA/s640/Phoenix_Wright_Ace_Attorney_Trials_and_Tribulations.jpg" width="640" /></a></div>
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<b><span style="color: red;">Cet article contient des <span style="color: red;">spoilers</span>.</span></b></div>
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Troisième épisode de la saga <b>Ace Attorney</b> (ou <b>Gyakuten Saiban</b> en japonais), <b>Trials and Tribulations</b> apporte une conclusion aux deux opus précédents. Paru sur Game Boy Advance en 2004, c'est seulement quatre ans plus tard que le public français peut découvrir le jeu, à l'occasion de son portage sur Nintendo DS, dans une version qui exploite le pavé tactile de la console. Tout comme les deux jeux qui le précèdent, cette itération place le joueur aux commandes de Phoenix Wright, un brillant avocat, à travers des phases d'enquête et de simulation de procès, lesquelles prennent la forme d'un visual novel. L'esprit de déduction du joueur est constamment sollicité, celui-ci devant sans cesse faire le lien entre les différentes preuves qu'il détient, tout en mettant à jour les contradictions et autres mensonges énoncés par les personnages qu'il interrogera. Divisé en cinq chapitres plus ou moins longs, <b>Trials and Tribulations</b> exploite la totalité de l'univers créé depuis les débuts de la saga, pour devenir rien de moins que l'épisode le plus abouti, le plus intense et le plus fascinant jamais écrit par Shu Takumi, créateur de la série.</div>
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Phoenix Wright et Maya Fey, son assistante espiègle, sont les protagonistes principaux de ce nouvel opus, deux personnages déjà confortablement installés à travers les itérations précédentes du jeu, <b>Ace Attorney</b> premier du nom et <b>Justice for All</b>. De la même manière, pléthore d'éléments déjà rencontrés par le joueur vont jouer un rôle déterminant dans cette suite, tout en apportant une profondeur non négligeable à tout ce petit univers qui devient alors de plus en plus cohérent. Aussi, les événements passés les plus importants, tels que le meurtre de Mia Fey (mentor de Phoenix et grande-sœur de Maya) ou la condamnation de Morgan Fey, servent de base à une intrigue retorse qui se développera tout au long de trois des chapitres du jeu. <b>Trials and Tribulations</b> contient en effet trois affaires criminelles toutes liées entre elles, et articulées autour d'un terrible personnage qui s'érige comme l'ennemi juré de Phoenix. La première de ces affaires sert de prologue, durant lequel Shu Takumi s'amuse à renverser la situation : située dans le passé, cette affaire place le joueur aux commandes de Mia, tandis qu'elle doit défendre un jeune Phoenix, amoureux transi, accusé de meurtre. Le même artifice sera utilisé lors de la quatrième affaire, laquelle sera suivie par la cinquième et dernière enquête, le gros morceau du jeu, une intrigue dans laquelle toutes les trames narratives présentées plus tôt trouvent un aboutissement définitif. Ces trois chapitres forment ensemble l'ultime épreuve que doit traverser Phoenix pour s'accomplir, mais les deux autres ne sont pas dénués de tout intérêt, au contraire. Placés en seconde et troisième positions dans l'ordre chronologique du jeu, ces enquêtes construisent toute une dramaturgie nécessaire au fonctionnement de la conclusion, tout en introduisant des éléments qui auront tous un rôle à jouer. En ce sens, l'écriture de cet opus frise la perfection, que ce soit en termes ludiques (chaque instant est plaisant à jouer), qu'en termes de construction narrative et thématique.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXbZqAn9fa_RTD9xtpPqV8kps2TvBy6VUzhZpPybiCZgbSgFdUCwNtnMDlaavewvSmaaEvBAYrGyuRETNOuzB2i77YL_kPcQyL8zuqsWM4JxUX3WMLV7-WwXVASdSBOiAs4TtnjfXS3F8/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXbZqAn9fa_RTD9xtpPqV8kps2TvBy6VUzhZpPybiCZgbSgFdUCwNtnMDlaavewvSmaaEvBAYrGyuRETNOuzB2i77YL_kPcQyL8zuqsWM4JxUX3WMLV7-WwXVASdSBOiAs4TtnjfXS3F8/s640/1.jpg" width="640" /></a></div>
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Ainsi, l'histoire de Phoenix débute lorsqu'il rencontre Dahlia Plantule, dont il tombe éperdument amoureux. Pour la première fois, les scénaristes impliquent vraiment émotionnellement le personnage dans l'intrigue, ce qu'ils avaient déjà tenté de faire lors de l'assassinat de Mia, dans le premier opus (durant lequel le deuil de Phoenix est relativement expédié) ou bien lors de l'enlèvement de Maya dans le second épisode. Ici, les sentiments de Phoenix prennent une importance capitale, ce qui offre au jeu sa plus grande force : l'aventure place ses personnages principaux au premier plan. En effet, toute l'intrigue tournera autour de l'amour de jeunesse de Phoenix, et explorera les branches de la famille de Maya, les Fey. Mais avant d'y arriver, deux enquêtes apparemment hors-sujet rythment les premiers pas du joueur. Après un prologue intense, le joueur fait la rencontre d'un célèbre voleur, le bien-nommé Mask DeMasque. Pour la première fois, le client de Phoenix n'est pas un meurtrier mais un voleur. Bien évidemment, les rebondissements sont légion, et le génie de Shu Takumi frappe une nouvelle fois : toute la première partie, durant laquelle le joueur va se battre pour disculper son client, ne servira qu'à accuser ce dernier de meurtre ! La seconde enquête qui ne tourne pas autour de Phoenix le bouleverse tout de même énormément, étant donné que le modus operandi de l'assassin lui rappellera sa propre expérience : manipulation amoureuse et poison.</div>
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L'amour est au centre de cet opus, sous toutes ses formes. Il pousse les personnages à faire de bonnes ou de mauvaises action, et dicte leur conduite. Dahlia manipule les hommes en feignant les aimer, Dick Tektiv tombe sous le charme de sa collègue, Mask DeMasque devient un voleur pour sa dulcinée Désirée, Pearl aime sa mère et agit selon ses désirs, Violetta est amoureuse de Tigre, etc... L'amour en tant que force qui conditionne les actes des personnages, voilà ce qui les rend humains et contribue à la réussite de cet épisode, qui adopte alors des airs de tragédie, une tragédie dont le représentant le plus évident est Godot. Godot est le procureur qui s'oppose à Phoenix dans <b>Trials and Tribulations</b>. Ancien amant de Mia Fey, Godot voue une haine sans limite à son adversaire, qu'il juge avoir été incapable de protéger sa patronne et amie, assassinée dans le premier opus, au cours d'une affaire alors essentielle dans le développement narratif. En effet, au cours de ce premier épisode, le décès de Mia représente la perte du mentor pour Phoenix, une étape nécessaire à sa construction en tant que "héros". Dans le troisième opus, Shu Takumi exploite à nouveau cet élément fondateur de la série, pour creuser une nouvelle fois les protagonistes et les confronter à une ultime épreuve. Godot est l'antithèse de Phoenix, c'est un être figé dans le passé, qui ne vit que dans l'amertume et la vengeance. Véritable figure tragique, alors qu'il reproche à Phoenix Wright les drames survenues au sein de la famille Fey (la mort de Mia et l'enfermement de Maya vers la fin du jeu), c'est lui-même qui tuera la mère de la femme qu'il a aimé plus que tout. Le fait de tuer un être qui nous est cher sans connaître son identité réelle est un outil scénaristique dramatique très utilisé dans le théâtre classique, une technique d'écriture que l'auteur exploite ici à la perfection.<br />
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Les personnages, toujours construits sur la base de clichés plus ou moins faciles, réservent bien des surprises à mesure que l'intrigue progresse. Fort de son expérience sur les jeux précédents, cet opus se plaît à briser ce que le joueur tenait pour acquis (nouveaux personnages à contrôler, tels que Mia ou Hunter, bien que ceci n'influence pas le gameplay en lui-même, événements imprévisibles comme la mort soudaine de Régis Florimet ou l'accusation de meurtre de Mask DeMasque, perte du magatama, etc...). Les surprises surgissent toujours au bon moment, les retournements de situation fonctionnent et ne paraissent pas déplacés, étant donné qu'ils sont constamment préparés à l'avance, à travers les dialogues ou les phases d'enquêtes. Le scénariste s'amuse aussi en jouant avec les apparences, ou en s'appuyant sur les faux-semblants. La manipulation est au coeur du récit, comme l'attestent plusieurs séquences telles que la fausse plaidoirie menée par Furio Tigre (se faisant passer pour Wright), ou les personnages qui cachent leur identité (tout ce qui tourne autour de DeMasque et de sa nature de voleur, les jumelles Dahlia et Iris, voire Misty se faisant passer pour une écrivaine). Bien sûr, celui qui se fait le plus manipuler est bien le joueur, notamment à cause de la construction non chronologique du récit (les enquêtes ne se suivent pas, alternant entre le présent et le passé, un concept qui sera repris et développé dans l'affaire finale de l'épisode suivant, <b>Apollo Justice</b>), ou bien à cause de toutes les fausses pistes disséminées tout au long du jeu. L'ultime outil utilisé par le scénariste pour décontenancer le joueur est le channeling. Maya est une médium très puissante, appartenant à une lignée renommée (malgré les événements contés dans <b>Ace Attorney</b> premier du nom), ainsi, la jeune femme maîtrise la technique de channeling de Kurain. C'est une capacité qui permet d'invoquer les âmes des morts, et de les laisser agir et s'exprimer à travers son propre corps. Déjà dévoilée dans les épisodes précédents, la portée de cette capacité culmine ici, dans une enquête finale qui se déroule sous une ambiance mystique du plus bel effet.<br />
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Bien que la saga se poursuive après <b>Trials and Tribulations</b> (et propose un opus tout aussi réussi, à savoir <b>Dual Destinies</b>), le jeu s'érige tout de même comme une conclusion de toutes les intrigues amorcées jusqu'à présent ainsi que pour ses personnages. Introduit dans cet épisode, le personnage de Godot s'impose sans mal comme l'un des personnages les plus réussis au sein de la saga, incarnation des démons intérieurs qui rongent Phoenix. Le combat entre les deux hommes se soldera par une séquence à l'écriture d'une pudeur exemplaire, les anciens ennemis finissant par partager une tasse de café tandis qu'ils ont, ensemble, éradiqué le mal qui a changé leurs vies à jamais. Le jeu reprend la construction des anciens opus, mais propose des nouvelles animations qui viennent marquer les moments importants. Ainsi, les défaites des coupables donnent lieu à des séquences particulières, tandis que Godot lui-même hérite de quelques animations ponctuelles : lorsqu'il se blesse à la main en serrant trop fort sa tasse de café, qui explose sous sa colère, ou bien lors de la conclusion du jeu, lorsqu'il pleure des larmes de sang.</div>
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La bande-son créée par Noriyuki Iwadare transcende le jeu. Le compositeur donne ici tout ce qu'il a, donnant naissance à des thèmes forts, mélodiques et toujours en adéquation avec les émotions que veut transmettre le jeu. Alternant les styles avec une aisance folle, de l'épique au guilleret, en passant par des musiques plus mystiques, sans oublier le morceau très jazzy dédié à Godot, Iwadare sublime chaque personnage, chaque scène, et ce malgré les limitations techniques de la console (le jeu étant sorti sur Game Boy Advance). Finalement, le jeu comporte peu de morceaux (comparé à un <b>Dual Destinies</b> par exemple), mais leur utilisation ne dérange jamais. Le thème de Mask DeMasque, entraînant et grandiloquent, est un régal, à la fois pertinent et burlesque. Celui de Labocca flirte avec le kitsch, le résultat en cours de partie est absolument unique. Mais la musique supporte de manière plus qu'efficace les phases de procès qui, bien que l'humour soit toujours présents, s'imposent comme les scènes les plus solennelles et les plus poignantes du jeu.</div>
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En s'appuyant sur tout l'univers qu'il a mis en place durant les deux premiers opus, <b>Trials and Tribulations</b> parvient à s'imposer sans mal comme le meilleur épisode de cette trilogie. Animé par des personnages attachants et fouillés, construit avec une rigueur qui frise l'absurde, le jeu brille par la manière qu'il a de traiter ses personnages principaux, lesquels s'ouvrent pour la première fois au joueur. Parsemé de rebondissements et de passages totalement autres, cet opus distille un plaisir de jeu immédiat, sans oublier de s'articuler autour d'une intrigue sérieuse et relativement sombre. En atteignant un équilibre délicat entre la légèreté propre aux dialogues parfois hilarants et une approche de la tragédie étudiée avec minutie, Trials and Tribulations est un petit joyau aux facettes qui toutes sont différentes, mais qui brillent pourtant d'une même lumière : celle de la réussite absolue.<br />
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Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-10563067008881497812016-02-17T08:26:00.000-08:002016-06-27T13:16:12.281-07:00Descender : Tome 1 - Étoiles de métal<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoAmXDi4SVsT_9MZPGtdmglJBLoDLUJ3QJ0TeSy2oSu51T2zPzhJmoJspg06G335WOl40wkRgSgra_vjB6IeEo3rPtu62Pe9pRdc4eZ-RC6Vl_txjpFIMLbbK2t_OsOCPWCb-sSnvG8b8/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="398" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoAmXDi4SVsT_9MZPGtdmglJBLoDLUJ3QJ0TeSy2oSu51T2zPzhJmoJspg06G335WOl40wkRgSgra_vjB6IeEo3rPtu62Pe9pRdc4eZ-RC6Vl_txjpFIMLbbK2t_OsOCPWCb-sSnvG8b8/s640/1.jpg" width="640" /></a></div>
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<i>Scénarisé par Jeff Lemire</i></div>
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<b><span style="color: red;">Cet article contient des spoilers.</span></b><br />
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Les éditions françaises <i>Urban Comics</i> continuent de piocher dans le vaste catalogue américain d'<i>Image Comics</i>, et proposent à un rythme effréné beaucoup de certaines des meilleures séries disponibles de l'autre côté de l'Atlantique. En favorisant certains auteurs, comme Grant Morrison, Rick Remender ou ici Jeff Lemire, l'éditeur se constitue un catalogue diversifié cohérent et d'une qualité indéniable. Lemire est un auteur prolifique, qui travaille autant pour les gros éditeurs qu'il n'écrit des œuvres plus personnelles, comme c'est le cas avec par exemple <b>Trillium</b>, une histoire d'amour à travers le temps, <b>Essex County</b>, une peinture rurale d'un petit village et de ses secrets, ou ce fameux <b>Descender</b>, épopée de space-opéra humaniste qui s'impose sans mal comme l'un de ses travaux les plus aboutis. Mis en image par les sublimes aquarelles du talentueux Dustin Nguyen, <b>Descender</b> se dévoile à travers un premier tome passionnant, prolifique en surprises et personnages intéressants.</div>
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La série de Jeff Lemire s'installe dans un futur très lointain, tandis que l'univers fait la rencontre de terribles et gigantesques entités mécaniques, les Moissonneurs. Ces immenses colosses de métal, bien plus grands qu'une planète lambda, surgissent de nulle part et déciment la population des neuf planètes qui composent le Concile Galactique Uni, communément appelé le CGU. Une ellipse d'une dizaine d'années mène ensuite le lecteur sur la lune de Dirichu-6, une ancienne colonie minière désaffectée suite à l'attaque des Moissonneurs. C'est ici que s'éveillent le jeune robot Tim-21 et son compagnon mécanique, Bandit. Le réveil de Tim-21 alerte les autorités compétentes qui, suite au massacre survenu quelques années plus tôt, ont supprimé la plupart des robots et autres créatures mécaniques. En effet, un lien existe entre les machines et les Moissonneurs, un lien que le scientifique Jin Quon va tenter de mettre en évidence, d'autant plus que le code de base des colosses correspond à celui de la série des Tim. Ce contexte ne sert que de base à l'épopée que va mettre en place Lemire, le scénariste n'imposant aucune limite à son imagination débridée, ce qui permet au récit de proposer une suite de savantes surprises, à travers des personnages loin d'être lisses, ou des retournements de situation improbables. Les six épisodes qui composent ce premier tome bénéficient d'une écriture soignée et efficace, la mythologie de cet univers se mettant en place à travers l'action et le parcours de Tim-21. Le premier chapitre présente ainsi ce futur techniquement avancé, peuplé de machines et d'extraterrestres, à travers une introduction choc qui marque principalement par la présence écrasante des Moissonneurs, lesquels sont mis en valeur à travers une illustration de Dustin Nguyen étalée sur une double-page fascinante. Le reste de l'épisode se concentre principalement sur Tim-21 et ses errances au sein d'une station minière abandonnée, tandis qu'il se connecte à une sorte de réseau et reçoit un résumé des dix années qu'il a passé en hibernation. En un seul épisode, l'auteur décrit les bases de l'environnement politique, présente les personnages principaux et leurs caractères, en se permettant d'introduire les différentes menaces qui planeront sur les protagonistes, des Moissonneurs aux chasseurs de robots. La narration de Lemire brille aussi lors du second épisode, qui alterne les phases dans le présent, une séquence d'action, et les scènes issues du passé, qui décrivent le parcours de Tim-21, de sa conception à son hibernation. Une planche sur deux alterne entre le présent et le passé, tandis que les souvenirs du jeune robot lui reviennent.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3876gkVEbncnbunI-EVLpGdLNtjSpsO2d6U6fZM7fNb7S9hpPAS8quTkNIe_xNjJf9Un0OHjBQkT4KR5iM9LSo0ny4wD-mHV4wAoXDbjDcOymcnDmtXjNq8rxdbuBoCE3ZMSsjnnP4_U/s1600/4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="388" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3876gkVEbncnbunI-EVLpGdLNtjSpsO2d6U6fZM7fNb7S9hpPAS8quTkNIe_xNjJf9Un0OHjBQkT4KR5iM9LSo0ny4wD-mHV4wAoXDbjDcOymcnDmtXjNq8rxdbuBoCE3ZMSsjnnP4_U/s640/4.jpg" width="640" /></a></div>
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En quelques chapitres, le scénariste distille plusieurs mystères et interrogations qui serviront de point de départ à un récit qui risque de vite s'aventurer vers des pistes insoupçonnées. Ainsi, une étrange séquence présente ce qui semble être l'esprit de Tim-21, devant ce qui s'apparente à l'entrée d'un purgatoire. C'est une vision concrète et terrifiante qu'expérimente le petit androïde, qui pose d'autant plus de questions qu'un robot n'est pas sensé pouvoir rêver. Le volume propose son lot de traîtres et de faux-semblants, entre le robot domestique qui communique illégalement des données confidentielles (et dont une image trouble semble montrer une "âme" s'envoler de son corps mécanique), ou bien le personnage de Quon, qui se révèle être un usurpateur, chamboulant ainsi complètement les attentes du lecteur. Aussi, les traumatismes des personnages secondaires sont effleurés, comme celui de Telsa, qui coordonne la mission de récupération de Tim-21, et que l'illustrateur met en scène de façon magistrale sur une pleine page tétanisante. Le mystère qui relie la série des Tim aux Moissonneurs plane sur l'ensemble du récit, tandis qu'une pléthore d'entités secondaires gravitent autour du groupe principal. Les pistes narratives foisonnent, mais l'auteur n'écrit pas seulement des secrets et des mystères. Ce premier tome fonctionne car il ouvre plusieurs pistes mais n'oublie pas de raconter quelque chose, ce prologue permettant surtout aux personnages de se découvrir et d'apprendre à fonctionner en tant que groupe. Malgré quelques excès de violence et d'horreur, atténués par le choix de l'aquarelle en tant qu'outil pour la mise en image de l'histoire, Lemire inculque quelques touches d'humour, provenant la plupart du temps d'un personnage-pitre très attachant, le robot foreur un peu psychopathe.</div>
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Plusieurs influences surgissent à la découverte du récit, la plus évidente étant le film <b>A.I. (Intelligence Artificielle)</b>, de Steven Spielberg (2004), auquel renvoie bien évidemment la posture de Tim-21 sur la couverture du livre, mais pas seulement. La recherche de l'être aimé apparaît dans les deux récits, comme certains concepts de personnages (les chasseurs de robot), ou le compagnon de voyage mécanique limité intellectuellement (un ouvrier dans le comic book, un gigolo dans le film). Les Moissonneurs renvoient peut-être à la menace présente dans la trilogie de jeux vidéo <b>Mass Effect</b>, où des créatures aussi appelées Moissonneurs apparaissent pour éliminer toute forme de vie dans l'univers. De manière générale, il y a une certaine puissance cinématographique dans les différents épisodes de <b>Descender</b>, du <b>Moon</b> de Duncan Jones (2009) au <b>Blade Runner</b> de Ridley Scott (1982), sans oublier quelques renvois évidents à l'œuvre d'Isaac Asimov. Plutôt que de sonner comme une reprise sans saveur de toutes ces inspirations, <b>Descender</b> s'en affranchit bien vite pour développer un récit tout en retenue, qui dévoile alors une ambiance unique entre mélancolie et urgence.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvwDK_1YNnhct_6i7Myuix3vUvSCQyqxd_W3tuR_iwFxKLZNXpfyRxDqNpLE0Q7TXFQC5BKedlQ1lLLLWzkosFZpoKlN54DOlKY3hB7TblBT6Y8VmaKb7qRwjY2iKvIyxsbRMcDvSOS6E/s1600/5.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvwDK_1YNnhct_6i7Myuix3vUvSCQyqxd_W3tuR_iwFxKLZNXpfyRxDqNpLE0Q7TXFQC5BKedlQ1lLLLWzkosFZpoKlN54DOlKY3hB7TblBT6Y8VmaKb7qRwjY2iKvIyxsbRMcDvSOS6E/s640/5.JPG" width="640" /></a></div>
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Autant être honnête, cette ambiance découle aussi fortement du talent de Dustin Nguyen, épatant de bout en bout. Le choix même de l'aquarelle impose un contraste saisissant entre la dureté de certains des événements contés et leur retranscription graphique, tout en harmonisant les différentes planches du tome. En règle générale, Nguyen se base sur une couleur dominante, qu'il étale sur l'ensemble des cases avant de faire resurgir les éléments qu'il souhaite mettre en valeur. L'imperfection liée à l'usage de l'aquarelle s'adapte à merveille avec les grossièretés des textures représentées, comme le métal ou tout simplement la peau. Plusieurs pleines pages permettent régulièrement à l'artiste d'exploser, qu'il s'agisse de la planche durant laquelle Tim-21 regroupe un nombre considérable de données, ou des illustrations qui viennent clôturer chaque chapitre et qui, à l'instar de la série <b>Saga</b> (de Brian K. Vaughan et Fiona Staples), envahissent l'intégralité de la planche finale, ce qui décuple leur impact. Les contours des éléments principaux constituant une case sont soulignés par un trait au crayon, ce qui permet d'affiner le travail sur les différents plans et la perspective, mais pas seulement. En effet, plusieurs détails comme les barbes ou parfois les mèches de cheveux sont seulement mis en image par leurs contours, sans qu'aucune tâche colorée ne vienne les compléter. Il en résulte parfois un effet de flou, ou d'inachevé, qui une fois encore concourt à la mise en place de cette atmosphère particulière qui émane du récit. Enfin, un travail consciencieux a été effectué sur les phylactères et les diverses typographies utilisées. Différents effets sont appliqués en fonction des personnages qui s'expriment : bulles colorées et typographie "digitale" pour les robots décédés, phylactères envahis de petits tentacules lorsqu'un alien peu ragoutant prend la parole, typographie grasse, linéale mais tremblotante quand le déluré foreur menace de tuer les humains, etc...</div>
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C'est tout en douceur que Lemire et Nguyen tissent une mythologique passionnante à découvrir, ne délaissant aucun aspect de leur univers, qu'ils soient politiques, ésotériques ou plus intimes. Comme dans toute saga de space-opera, les lieux visités sont exotiques et variés, à la fois crédibles mais suffisamment distants pour permettre au lecteur de s'évader. La colonie minière désaffectée rappelle les plus grandes sagas de science-fiction (<b>Aliens</b> de James Cameron, par exemple - 1986), les fosses ardentes évoquent une fantasy orientale tandis que Niyrata renvoient aux sociétés blanches, lisses et irréprochables que l'on peut croiser dans plusieurs œuvres de fiction. Des questions d'ordre philosophique jaillissent régulièrement, convoquant les travaux de Philip K. Dick ou Asimov, et permettent au récit de proposer autre chose que du simple divertissement. Le rapport entre l'Homme et la machine est souligné, les personnages évoquant parfois le fait de savoir s'il faut éprouver de la compassion pour ces êtres artificiels. Ce qui, en quelque sorte, fait écho à cet étrange fil qui lie le lecteur à ces images, simples dessins en deux dimensions, auxquels il offre une existence éphémère.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBgI59qCbxbU7NDxJnDNyLngQpsV2y9Hq4akMGG5FKI3ZsrVddveN3LpERqZxin2a15AvChfbRkVEOqyVYMU_XxWip5RVlc9H7koAHQY_zliDuI0ZgXCy1_Roqh2jYUNnAltO8RNchk0g/s1600/2.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBgI59qCbxbU7NDxJnDNyLngQpsV2y9Hq4akMGG5FKI3ZsrVddveN3LpERqZxin2a15AvChfbRkVEOqyVYMU_XxWip5RVlc9H7koAHQY_zliDuI0ZgXCy1_Roqh2jYUNnAltO8RNchk0g/s640/2.png" width="640" /></a></div>
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De retour pour une œuvre profonde et qui promet d'être épique, Jeff Lemire sollicite la délicatesse visuelle de Dustin Nguyen pour donner vie à une fresque qui s'intéresse autant aux relations qui animent les personnages qu'à une menace universelle aux accents apocalyptiques. Construit autour de contrastes forts, qu'ils soient thématiques ou visuels, <b>Descender</b> s'impose comme un récit à la fois fragile et dur, rythmé par des péripéties efficaces qui servent surtout de développement pour les personnages et l'univers lui-même. Ce premier tome, qui constitue clairement un prologue, ouvre une myriade de possibilités, à travers les mystères qui s'accumulent et la quantité de protagonistes qui viennent se greffer au récit. Majestueux mais jamais orgueilleux, le scénario s'envole vers des cimes surprenantes, très éloignées du concept initial à base de colosses destructeurs. En combinant l'approche épique liée à son travail sur les super-héros de <i>MARVEL</i> et <i>DC Comics</i>, et sa conception plus intimiste de sagas plus personnelles, l'auteur délivre là une représentation idéale de ce que doit être une bonne histoire.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7mH6tElQcTLkODj8scgOsiHA38MWUACQUYPutzwrHWiyFtZtI2g6QjQuTAM8QKzO1SIO9HBYvkk9FIkonVeP13VQOfOcAvGBqLAALwW4LunSh_AN-POUExeWzazXKSxYJoVQlUIFqvkk/s1600/m00.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="160" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7mH6tElQcTLkODj8scgOsiHA38MWUACQUYPutzwrHWiyFtZtI2g6QjQuTAM8QKzO1SIO9HBYvkk9FIkonVeP13VQOfOcAvGBqLAALwW4LunSh_AN-POUExeWzazXKSxYJoVQlUIFqvkk/s640/m00.jpg" width="640" /></a></div>
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2015 fut une année très satisfaisante pour le fan de manga, tant le marché s'est développé en deux axes essentiels qui, au lieu de se concurrencer, n'ont fait que se compléter. D'un côté, l'emphase est mise sur un patrimoine essentiel de l'Histoire du manga, avec la sortie de séries qui ont grandement participé à l'évolution du média, principalement à travers des projets de financements participatifs. C'est ainsi que des collections dédiées à Go Nagai ou Leiji Matsumoto peuvent compléter nos étagères, à travers des éditions élégantes que l'on doit principalement à Black Box ou Isan. De l'autre côté, les grands succès les plus récents sur l'archipel nippon sont rapidement publiés sur le territoire français, comme <b>Ajin </b>ou<b> Seven Deadly Sins</b> l'an dernier. Le catalogue disponible cette année est vaste, très vaste, trop. Pour ce bilan il a fallu faire des choix, et c'est avec regret que certaines séries n'apparaissent donc pas dans ces lignes. Aussi, citons les séries qui, bien qu'absentes, n'ont pas manquer de s'imposer comme des réussites incontestables. Taiyou Matsumoto, génial créateur d'<b>Amer Beton</b> et de <b>Number 5</b>, revient avec une série en partie autobiographique consacrée au quotidien d'une bande d'orphelins, dans <b>Sunny</b>. Bien que la collection dédiée à Junji Ito soit à présent achevée, 2015 a vu la parution du délirant <b>Le Journal des Chats</b>, là encore en partie autobiographique. Gageons que 2016 nous apporte d'autres œuvres du maître. Pour des raisons d'accessibilité évidentes, les deux prochains mangas n'apparaissent pas dans le top, le premier étant disponible dans une édition italienne de qualité, le second n'ayant pas encore quitté les frontières du Japon. C'est ainsi que le toujours aussi tordu Shintaro Kago nous offre un véritable OVNI, intitulé <b>Industrial Revolution and World War</b>, un récit muet dans lequel d'adorables créatures colonisent des corps humains pour en faire de terribles armes. L'autre découverte est signée Inio Asano et se nomme <b>Dead Dead Demon's Dededededestruction</b>. Asano se sert ici de la science-fiction, pour étudier des personnages encore une fois réalistes et attachants, animés par des dessins de plus en plus magnifiques. Enfin, citons les très grandes réussites disponibles en France que sont <b>Erased</b>, <b>Dimension W</b>, la publication de la suite des aventures de <b>JoJo's Bizarre Adventure</b>, <b>Billy Bat</b>, <b>20th Century Boys</b> ou de <b>One Piece</b>, sans oublier les nouvelles éditions de <b>Cat's Eye</b>, <b>Planètes</b>, <b>Angel Heart</b> ou <b>Ikigami, Préavis de Mort</b>.</div>
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05) Hiroya Oku : <b>Last Hero Inuyashiki</b><br />
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Très peu de tomes sont pour le moment disponibles en France, seulement deux, chacun dépeignant le quotidien de deux personnages dont la vie va basculer au cours d'une nuit tout sauf banale. Le personnage principal de cette série est le vieil Inuyashiki, salary man dont le morne quotidien se limite à son travail et sa famille qui l'exècre. Une nuit, un objet extra-terrestre s'écrase sur le personnage, le tuant sur le coup, mais grâce à une technologie très avancée, les entités célestes le "réparent". Ou plutôt le changent en un cyborg surpuissant. Si Inuyashiki va user de ses nouvelles capacités pour faire le bien, un autre personnage, au contraire, va explorer une voie beaucoup plus sombre, ce que mettra en avant le second tome de la série. La narration, fluide et élégante, brille aussi par la qualité des illustrations, basées sur de véritables photographies, ce qui confère à l'histoire un cachet réaliste époustouflant. Certaines planches sont absolument magnifiques. Le récit peut se montrer dur, visitant les recoins les plus sombres de la psyché humaine, le manga n'est pas destiné aux plus jeunes. En l'état, <b>Last Hero Inuyashiki</b> pose les bases les plus enthousiasmantes lues depuis un bon moment.</div>
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04) Masato Hisa : <b>Area 51</b><br />
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Masato Hisa voit deux de ses œuvres publiées en France : d'abord l'expérimental <b>Jabberwocky</b> qui, s'il brille par de nombreuses qualités, n'atteint pas la grandeur de son autre série, <b>Area 51</b>. Cette dernière bénéficie d'un scénario accrocheur qui se permet les développements les plus improbables, tout en profitant de protagonistes rafraîchissants et de conclusions surprenantes aux petites intrigues qui habillent le récit. Un fil narratif se tisse au fil de ces chapitres qui semblent déconnectés, mais l'auteur n'oublie pour autant pas d'étoffer son univers, via une mythologie efficace, melting pot de toutes les cultures, et l'apparition de nouvelles entités intrigantes. L'héroïne de cette série rayonne par son caractère et sa personnalité, elle est très attachante et permet une implication totale de la part du lecteur. Enfin, le dernier point qui hisse <b>Area 51</b> au rang d'incontournable s'incarne dans la mise en page et le trait si particulier de Masato Hisa, un style qui n'est pas sans évoquer le <b>Sin City</b> de Frank Miller, en s'éloignant considérablement des clichés visuel du manga en général. Ludique et audacieux, le dessin participe grandement à l'ambiance unique qui se dégage de l'ouvrage.</div>
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03) Go Nagai : <b>Devilman</b> et <b>Cutie Honey</b><br />
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Financée grâce à la contribution des lecteurs, une collection dédié à Go Nagai voit le jour en 2015, aux éditions Black Box. L'éditeur propose quelques séries de l'auteur, dont <b>La Divine Comédie</b> ou, et c'est le plus important, <b>Devilman</b>. Manga culte s'il en est, l'éditeur propose une édition remaniée par l'auteur lui-même, présentant ainsi une version dite définitive. L'histoire n'a rien perdu de sa puissance et se permet d'aborder des thématiques plus que jamais ancrées dans l'air du temps.</div>
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Une autre saga incontournable du mangaka débarque en France cette année, grâce aux éditions Isan, qui proposent l'intégrale de <b>Cutie Honey</b> dans une édition absolument superbe. Personnage culte de l'univers manga, Honey a vu ses aventures adaptées en anime, tandis que le récit de base reste à ce jour inachevé. Qu'importe, tant le voyage s'avère loufoque et propre à l'esprit débridé de Nagai.</div>
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02) Buichi Terasawa : <b>Cobra</b><br />
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Les petits gars des éditions Black Box, encore eux, proposent une réédition du manga culte de Buichi Terasawa, <b>Cobra</b>, l'occasion pour (re)découvrir ce personnage iconique qui a clairement laissé sa marque dans l'Histoire du manga, mais pas seulement. Porté par un scénario riche en rebondissements et surprises, enrichi par une galerie de personnages dantesques, <b>Cobra</b> s'impose sans mal comme un indispensable récit de SF pulp dégoulinant de maîtrise. En plus de dépeindre un univers détaillé et riche, l'histoire défile à un rythme soutenu et se renouvelle sans cesse, distillant un plaisir de lecture immédiat et continu.</div>
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01) Daisuke Igarashi : <b>Saru</b><br />
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Voilà que nous revient l'auteur de l'incontournable <b>Les Enfants de la Mer</b>, à travers une œuvre qui n'est pas sans évoquer l'excellent Sorcières. Plongeant à nouveau dans les méandres du fantastique, l'auteur nous invite dans un voyage à travers le temps et la planète, via une narration décousue bercée par des planches magnifiques, elles-mêmes teintées d'un mysticisme savoureux. Véritable épopée apocalyptique portée par des personnages attachants, les pages de <b>Saru</b> promènent le lecteur d'époque en époque, d'Angoulême à Pékin, en passant par Lima, tandis que son héroïne tente de rassembler des objets sacrés dans le but de lutter contre une entité maléfique. Touffu et passionnant, le récit marque autant qu'il interroge, non sans oublier de gâter les esthètes, à travers un trait soigné et détaillé. Presque vivant.<br />
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Là aussi, le catalogue se diversifie, grâce à des éditeurs qui jouent le jeu en diffusant autre chose que des séries de super-héros. Chez Panini nous avons des projets un peu moins grand public que les Avengers, avec l'érotico-tranche de vie <b>Sunstone</b>, chez Urban nous profitons de l'extension d'un catalogue dédié aux auteurs. Cette politique permet de proposer un travail d'édition cohérent, avec des publications consacrées par exemple à Jeff Lemire (<b>Sweet Tooth</b>), Warren Ellis (<b>Trees</b>, <b>Hellblazer</b>) ou encore Jason Aaron (<b>Wolverine & the X-Men</b>, <b>Southern Bastards</b>, <b>Men of Wrath</b>). Il y a une réelle volonté de diversification en adéquation avec ce que propose le marché US, et les grandes boîtes d'édition se lancent à leur tour dans l'aventure comic books, comme Glénat qui diffuse de véritables succès tels que<b> Letter 44</b>, <b>Sex Criminals</b> ou le fantastique <b>Lazarus</b>. Une démarche qui semble se poursuivre en 2016. Les classiques de l'univers comics ne sont pas en reste, avec des rééditions incontournables qui s'étalent tout au long de l'année, de l'indispensable <b>Mad Love</b> à la conséquente <b>Infinite Crisis</b>, toujours avec cette volonté de mettre en avant des auteurs (le <b>Captain America</b> d'Ed Brubaker par exemple). Bref, là encore, constituer un bilan limité à cinq entrées demeure une tâche ardue, mais nous ne sommes pas mécontents du résultat.<br />
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05) Scott McCloud : <b>Le Sculpteur</b></div>
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C'est plutôt rare de voir débarquer du McCloud en France, si l'on excepte la publication régulière de ses essais dédiés à la bande-dessinée. Mais voilà qu'arrive <b>Le Sculpteur</b>, récit faustien tout en bichromie mettant en scène des personnages attachants comme on en rencontre que rarement dans l'univers des comics. Véritable déclaration d'amour envers la merveilleuse faculté de l'Homme à créer, <b>Le Sculpteur</b> est un récit bouleversant, exploitant à merveille les ressources de son format, à travers une composition d'une maîtrise absolue. Drôle, émouvant et surprenant, mais jamais niais ni tire-larme, McCloud livre une prestation toute en retenue, une histoire qui se meut en un poignard pointé directement vers le cœur du lecteur.</div>
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04) Jack Kirby : <b>Le Quatrième Monde</b></div>
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Connu pour avoir donné vie à des figures héroïques incontournables, Jack Kirby est aussi l'auteur d'une fresque épique étalée sur quatre séries, toutes publiées chez DC Comics. <b>Superman's Pal, Jimmy Olsen</b> suit les aventures du jeune journaliste et de ses nouveaux amis, <b>Mister Miracle</b> se consacre au personnage éponyme, tandis que <b>The New Gods</b> et <b>The Forever People</b> se consacrent à l'aspect cosmique de l'univers DC. Ces quatre séries se regroupent pour étudier le conflit qui oppose New Genesis à Apokolips, une mythologie qui ne tendra qu'à se développer au fur et à mesure de la parution des numéros. Ces récits brillent par leur inventivité constante, appuyée par le dessin puissant de l'artiste, qui signe ici une quantité astronomique de planches épatantes. Véritable pierre angulaire du patrimoine comics, <b>Le Quatrième Monde</b> désigne en fait ces quatre séries, et s'impose sans mal comme l'un des projets les plus ambitieux et les plus passionnants de l'histoire de la bande-dessinée américaine.</div>
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03) Alan Moore : <b>Top 10</b> et <b>Miracleman</b></div>
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Déjà éditée en France par Urban Comics, la série <b>Top 10</b> d'Alan Moore, auteur incontournable du paysage des comic books, était disponible en trois tomes distincts. Pour les fêtes de fin d'année, l'éditeur propose une intégrale réunissant tous les numéros de la série principale, ainsi que deux séries annexes, toujours écrites par Moore, à savoir <b>Smax </b>et <b>The Forty-Niners</b>. <b>Top 10</b> décrit le quotidien d'un commissariat situé au "centre" d'une infinité de réalités parallèles, dans une ville créée par des scientifiques, où chaque habitant possède des super-pouvoirs, des chauffeurs de taxi aux souris qui vivent dans les murs de nos appartements. Récit policier abordant une multitude de pistes scénaristiques, explorées par des personnages hauts en couleurs et directement attachants, la série propose une variété de situations hallucinante, le récit abordant des thèmes parfois durs, sans jamais oublier de proposer un humour régulier salvateur.</div>
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Une autre série de l'auteur anglais débarque chez Panini Comics, à savoir <b>Miracleman</b>, un travail très mâture dans lequel le scénariste dissèque les super-héros et en propose une étude intelligente, basée sur un récit sombre, cruel, mais toujours pertinent, et bien sûr écrit d'une main de maître.</div>
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Deux grandes œuvres d'Alan Moore en 2015, incontournables, ça ne se refuse pas.</div>
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02) Grant Morrison : <b>Multiversity</b></div>
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Si en France nous avons eu la chance de voir un des travaux de jeunesse de l'auteur anglais, <b>Kid Eternity</b>, c'est en version originale que se dissimule ce qui est probablement l'un des sommets de la carrière de Morrison. <b>Multiversity</b>, tel est son nom, un récit d'une ambition démesurée, colossale, servi par les plus grands illustrateurs du moment. Morrison a pour mission de réintroduire officiellement le multivers au sein de l'univers DC, ce qu'il fait de manière brillante en explorant l'Histoire de l'éditeur américain, revisitant avec talent les grands classiques, de <b>Watchmen</b> aux boulots de Jack Kirby, sans oublier de mettre en avant la notion de création inhérente à son travail, ainsi qu'en plaçant le lecteur au centre de l'intrigue. C'est beau, passionnant, intelligent, conceptuel et copieux (l'un des numéros propose un catalogue des 52 univers parallèles !), en un mot, absolument indispensable.</div>
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<div style="text-align: start;">
<br /></div>
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01) Rick Remender : <b>Deadly Class</b>,<b> </b><b>Uncanny X-Force</b>, et<b> </b><b>Black Science</b></div>
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Rick Remender est un auteur talentueux, un scénariste dont je suis la carrière avec un intérêt constant. Fatigué de son travail pour les éditions MARVEL, Remender délaisse quelque peu le géant des comics pour se consacrer à des travaux personnels, publiés chez Image. En France, nous pouvons découvrir les travaux de l'auteur grâce à l'éditeur Urban Comics, qui prévoit de sortir en 2016 les deux derniers cartons du scénariste : <b>LOW </b>et <b>Tokyo Ghost</b>. Pour le moment, c'est <b>Deadly Class</b> que le lectorat français peut découvrir, toujours grâce à Urban. Cette série parle du jeune Marcus, un adolescent SDF qui ne survit que dans l'espoir de tuer le président Reagan. Remarqué par une institution secrète visant à former l'élite des assassins, Marcus rejoint cette école clandestine et rencontre une myriade de personnages creusés et motivés par des ambitions et des buts différents. Cette série s'impose comme l'un des travaux les plus aboutis de Rick Remender.</div>
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Mais 2015 voit aussi l'arrivée en France d'un travail plus ancien du scénariste, l'excellente série <b>Uncanny X-Force</b>, qui se déroule en parallèle de la tout aussi superbe série de Jason Aaron, <b>Wolverine & the X-Men</b>. Dans cette version d'<b>X-Force</b>, Remender présente une équipe de X-Men clandestine, dont les activités sont secrètes et dissimulées au reste du monde. Cette équipe, composée de Wolverine, Psylocke, Archangel, Deadpool et Fantomex, s'occupe des basses besognes les plus terribles, du meurtre à la torture. Absolument indispensable, grâce à une narration exemplaire, des personnages fouillés ainsi que des thèmes passionnants, quasi philosophiques.</div>
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Enfin, c'est <b>Black Science</b> qui débarque sur notre territoire. Dans cette nouvelle série, le scénariste suit un groupe d'explorateurs perdus entre des dizaines des mondes parallèles. Encore une fois, Remender donne vie à des personnages marquants, auxquels il ne vaut mieux pas trop s'attacher étant donner sa propension à tuer ses propres créations. Cependant, multivers oblige, l'auteur ne se prive pas d'exploiter cette notion pour présenter plusieurs versions d'un même personnage, ce qui permet un jeu narratif haletant. Aux dessins, nous retrouvons une brute de l'illustration, Matteo Scalera, qui dévoile des tableaux hallucinants de maîtrise. Avec ces trois œuvres, Rick Remender repousse les limites de l'imagination et devient le démiurge d'univers passionnants à explorer.<br />
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Si les gros projets formatés ont rythmé 2015 par leurs incessantes parutions échelonnées tout au long des douze mois, ces jeux (souvent de qualité) marquent aussi l'aseptisation d'un marché tout entier qui ne se renouvelle que par l'inventivité des passionnés et indépendants qui alimentent régulièrement nos plateformes de jeu. Si <b>Metal Gear Solid V : Phantom Pain</b> brille par son gameplay, il peine à convaincre sur le fond, saboté par un développement chaotique et précipité pour cause de rentabilité. Si le rouleau-compresseur <b>The Witcher III : Wild Hunt</b> frôle la perfection, il déçoit cependant par son manque de prise de risque, d'originalité. C'est vers des projets aussi discrets qu'incontournables qu'il faut se tourner pour dénicher quelques surprises, du conceptuel <b>Her Story</b> qui propose le meilleur gameplay de jeu d'enquête à ce jour, au surprenant <b>Undertale</b>, qui propose une expérience unique dans la vie d'un joueur, mais qui manque encore d'un peu de maturité pour pouvoir arpenter ce bilan. Signalons les réussites de <b>Hotline Miami 2 : Wrong Number</b>, toujours aussi déglingué, du retour en force des RPGs occidentaux avec <b>Divinity : Original Sin</b> ou <b>Wasteland 2</b>, du retour réussi de franchises qui ne déçoivent pas (<b>Project Zero</b>, <b>Yakuza</b>, le remake de <b>Majora's Mask</b>) ou encore de surprises inattendues, mais perfectibles, tel que le sympathique <b>Until Dawn</b>.<br />
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Note : l'incroyable <b>Trails of Cold Steel</b>, techniquement sorti fin 2015, pourrait figurer dans ce bilan si nous avions eu davantage de temps pour le tester.<br />
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05) <b>Devil Survivor 2 : Record Breaker</b><br />
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<i>ATLUS</i> poursuit dans son habitude de proposer des versions enrichies de ses jeux, une entreprise entamée avec <b>Persona 3 : FES</b>, via une démarche qui consiste à corriger, améliorer et ajouter du contenu à un soft déjà sorti. C'est désormais le tour de <b>Devil Survivor 2</b>, qui ressort sur Nintendo 3DS affublé d'un nouveau sous-titre, <b>Record Breaker</b>.
Cette version propose de nombreux ajouts, dont un bout de scénario
étalé sur sept jours de jeu. L'aventure, de base, était déjà extrêmement
satisfaisante, cette version complétée transcende l'original. Outre
quelques ajustements visuels superficiels, le système de jeu est
toujours aussi bien exploité, subtil mélange de jeu de rôle tactique et
traditionnel. Le soft n'est peut-être pas essentiel pour quiconque
possède l'opus original, mais en l'état, <b>Record Breaker</b> est la version ultime de <b>Devil Survivor 2</b>.<br />
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04) <b>Bloodborne</b><br />
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Construit sur les bases solides de <b>Demon's Souls</b>, le nouveau jeu de <i>From Software</i> délaisse la dark fantasy pour se consacrer au fantastique pur, citant à la fois <b>From Hell</b> et
l'œuvre de Lovecraft. Le résultat est bouleversant, le jeu s'éloignant
de la formule développée par la saga pour, à nouveau, surprendre le
joueur, grâce à une myriade de surprises saupoudrées tout au long de
l'aventure, mais aussi en proposant des passages marquées par une poésie
macabre qui manquait aux derniers opus. La folie s'immisce dans le
gameplay lui-même, à travers un level design audacieux qui sait se
renouveler, mais aussi via des mécaniques bien senties et des passages
désormais cultes. L'écrin qui renferme <b>Bloodborne</b> n'a pas à
rougir, la réalisation est impeccable, la maniabilité répond au doigt et
à l'œil, et la bande-son s'impose sans mal comme l'une des meilleures
de la série.<br />
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03) <b>Xenoblade Chronicles X</b><br />
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Un
concept dédié à l'exploration, combiné à des mécanismes issus du jeu de
rôle japonais et un contenu perpétuellement en expansion font de ce
second épisode de <b>Xenoblade</b> une expérience unique dans le paysage
des jeux vidéo. Le gameplay du jeu est en adéquation avec le concept de
colonisation proposé par le scénario, à travers une multitude de
principes à assimiler, comprendre et exploiter. Gestion de matière
première, objets à collectionner en pagaille, larges possibilités de
personnalisation de son personnage (apparence, équipement, compétences,
techniques) ou de son équipe (avec 18 personnages accessibles), autant
d'activités qui font défiler les heures à une vitesse folle. La
réalisation très satisfaisante et la bande-son magistrale de Sawano
participent à la réussite de <b>Xenoblade Chronicles X</b>, une réussite
qui devient totale grâce à la présence des Skells, immenses méchas
entièrement personnalisables capables de se changer en véhicules ou de
fendre les cieux. Le jeu propose une immersion complète et ultime.<br />
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02) <b>Life is Strange</b><br />
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Après <b>Remember Me</b>, les français de <i>Dontnod Entertainment</i> récidivent avec un nouveau jeu inspiré par les récents essais de <i>Telltale Games</i> ou <i>Quantic Dream</i>,
à savoir des simili point'&'click réalisés en trois dimensions,
linéaires, mais proposant une évolution différente de l'histoire suivant
les choix effectués par le joueur. <b>Life is Strange</b> propose un
épopée contemporaine mêlant l'intime à l'apocalyptique, dans un jeu très
bien réalisé, supporté par une bande-son très efficace. Les scènes
cruciales s'enchaînent et le jeu, divisé en cinq chapitres, propose une
tonalité mélancolique qui lui confère une ambiance toute particulière.
C'est cette atmosphère et son écriture qui hissent <b>Life is Strange</b> au somment de ces aventures interactives, bien que 2015 vit passer plusieurs expériences du même genre, dont l'éprouvant <b>Until Dawn</b>.<br />
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01) <b>Pillars of Eternity</b><br />
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Voici
clairement le jeu le plus enthousiasmant de 2015, voire même le jeu de
rôle occidental le plus maîtrisé depuis plusieurs années. <b>Pillars of Eternity</b> transpire
l'amour du genre, le jeu propose un univers qui met en avant ses
origines, à savoir le jeu de rôle papier, au service d'une intrigue
passionnante, accessible à une grande majorité de joueurs, tout en
proposant un contenu insondable pour les plus expérimentés d'entre eux.
Bénéficiant d'un soin tout particulier accordé à l'immersion, via
l'écriture, exemplaire, ou à travers la bande-son, incroyable, le jeu
n'oublie jamais de distiller un plaisir continu, à travers des quêtes
palpitantes et un contenu qui s'étoffe d'heure en heure. Bouffe-temps
insatiable,<b> Pillars of Eternity</b> frappe fort et marque peut-être le retour d'un âge d'or du RPG occidental dans toute sa splendeur.<br />
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Malgré les sorties incessantes, très peu de séries ont été visionnées cette année, faute de temps. Ainsi, ce bilan sera loin d'être exhaustif, nous nous sommes en partie reposés sur les valeurs sûres, les séries que nous suivons année après année. Quelques surprises néanmoins du côté d'<b>American Horror Story</b> qui revient pour un cinquième massacre, dans une saison sobrement nommée <b>HOTEL</b>. Une autre surprise produite par Amazon, et adaptée du travail de Philip K. Dick, <b>The Man in the Hight Castle</b>, propose des épisodes vraiment prenants et bien écrits. Du côté des anglais, un épisode spécial de l'incontournable <b>Sherlock</b> s'impose sans difficulté comme un diamant brut, qui ne figure malheureusement pas dans ce bilan étant donné sa nature d'épisode unique. <b>Banshee</b>, <b>Flash </b>et <b>Orange is the New Black</b> continuent leur bonhomme de chemin, tandis que les séries MARVEL, malgré leur succès, se révèlent être de véritables coquilles vides (<b>Daredevil </b>et <b>Jessica Jones</b>). De plus, quelques nouveautés doivent encore faire leurs preuves, tels <b>The Magicians</b>, <b>Wayward Pines</b>, <b>Scream Queens</b> ou <b>Jonathan Strange & Mr Norrell</b>. Enfin, pas mal d'animes de qualité cette année, <b>One Punch Man</b> en tête, talonné de près par <b>Kekkai Sensen</b>.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzCwhm43sFzXqfHRX2bJyRz3qlXFtVQZwZ3_2hXkvVjptIeAUi0iXqthGeqAN7IOKNH-AUIiZ2l3_jPUqOwYCQzw5VtFULefurSZHaqwxEe29syYKa9SQpjm28itMwbu5yur1GTo_h1Eo/s1600/s01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzCwhm43sFzXqfHRX2bJyRz3qlXFtVQZwZ3_2hXkvVjptIeAUi0iXqthGeqAN7IOKNH-AUIiZ2l3_jPUqOwYCQzw5VtFULefurSZHaqwxEe29syYKa9SQpjm28itMwbu5yur1GTo_h1Eo/s640/s01.jpg" width="640" /></a></div>
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05) <b>Ash VS Evil Dead</b><br />
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Plus de vingt ans plus tard, Sam Raimi offre une suite à sa trilogie incontournable, sous la forme d'une série télévisée. Bruce Campbell enfile à nouveau le rôle de l'unique Ash, et s'engage dans un road trip à travers les États-Unis pour enterrer définitivement le mal qu'il a affronté dans sa jeunesse. Généreux, foutraque et surtout divertissant, la série s'impose comme un best-of horrifique sans concession, sorte de déclinaison télévisuelle de <b>The Evil Within</b>. Tout est là, de l'humour bas du front au gore le plus dégueulasse, poupées possédées et bras-tronçonneuse, la série enchaînant les ruptures de ton pour passer de l'humour cartoonesque débridé au malsain le plus poisseux en une fraction de seconde. Imparfaite, car reposant sur la caractérisation hasardeuse de son personnage principal, la série propose une cascade de fun à travers ses quelques courts épisodes qui évitent à la lassitude de s'imposer.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtuej7wlMhrpe7PMd4obBVClUDke1X4c4YvbCdkDL_QvlQYUivdlLBPQoiQo2ALoq5WHghlPzi6kctOTKrYE_CDN_ew3bmi4nlLUkm4az9okskqJ0PhTehtjhNOOmda_VZuC-dLYGKhtA/s1600/s02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtuej7wlMhrpe7PMd4obBVClUDke1X4c4YvbCdkDL_QvlQYUivdlLBPQoiQo2ALoq5WHghlPzi6kctOTKrYE_CDN_ew3bmi4nlLUkm4az9okskqJ0PhTehtjhNOOmda_VZuC-dLYGKhtA/s640/s02.jpg" width="640" /></a></div>
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04) <b>Sense8</b><br />
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Sorte de prolongement narratif et thématique de <b>Cloud Atlas</b>, <b>Sense8 </b>constitue un véritable tour de force technique, articulé autour d'un montage qui a dû filer quelques sueurs froide à toute l'équipe ! Tournage aux quatre coins du monde, scénario relativement basique qui ne sert qu'à développer des personnages forts et passionnants à suivre, photographie sublime, voilà ce qui participe à la réussite de cette série aux ambitions universelles. <b>Sense8</b> propose aussi quelques grands moments de télévision, de l'orgie la plus étrange à la séquence musicale sur les naissances, sans oublier le dernier épisode monstrueux dans lequel la fusion entre l'image, les personnages et le spectateur devient absolue. Sans oublier que la série ne recule devant rien, osant montrer ce que d'autres évitent à tout prix, sans jamais sombrer dans la complaisance d'un voyeurisme malsain. Un mauvais point concernant le mode de diffusion, uniquement sur <i>Netflix</i> pour le moment, et aucune sortie bluray de prévue, tout comme <b>Orange is the New Black</b>...<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-jDYBPm_7MYSTjKsgseSC1WTttbVwbv9ImNoEvj0_oQC3nx5bzUAN6LaABM3wtdHwoY1Vhgvoiw-9ye5ctWUtJ6kegtBUbF4Chtdtob-wXThio0t_aEvrKTr6TKAQ0qnRC2Tt_0TxJSE/s1600/s03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-jDYBPm_7MYSTjKsgseSC1WTttbVwbv9ImNoEvj0_oQC3nx5bzUAN6LaABM3wtdHwoY1Vhgvoiw-9ye5ctWUtJ6kegtBUbF4Chtdtob-wXThio0t_aEvrKTr6TKAQ0qnRC2Tt_0TxJSE/s640/s03.jpg" width="640" /></a></div>
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03) <b>Rick & Morty</b><br />
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Après une première saison très enthousiasmante, Rick et Morty reviennent pour une nouvelle salve d'épisodes qui confirment la qualité hallucinante de cette série toute récente. Les concepts de science-fiction les plus improbables alimentent une fournée d'épisodes hilarants qui risquent fort de marquer le petit monde tranquille de la télévision pour un bon moment. Mélange incongru de <b>Retour vers le Futur</b> et <b>Futurama</b>, <b>Rick & Morty</b> aborde une multitude de thématique à travers des scénarios intelligents qui n'ont peur de rien. La conclusion de la saison se permet même une approche mélancolique inédite qui remet en question l'étrange lien qui unit le spectateur au personnage de Rick, rappelant par là-même les plus grandes heures d'<b>Adventure Time</b>.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioVYgSSDxKJ9SObk2xcIXfCIe_twzZn6183Yy3jSrM0JGzBDnKTUHduxahLL2bn0v5Y5ppxm30aSitjpcpZjw20rUyuGnV03wRnkLyjuJA4KOlTaSrA1KQfD5DfTts5_m9sShRdy7jz1Q/s1600/s04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioVYgSSDxKJ9SObk2xcIXfCIe_twzZn6183Yy3jSrM0JGzBDnKTUHduxahLL2bn0v5Y5ppxm30aSitjpcpZjw20rUyuGnV03wRnkLyjuJA4KOlTaSrA1KQfD5DfTts5_m9sShRdy7jz1Q/s640/s04.jpg" width="640" /></a></div>
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02) <b>Adventure Time</b><br />
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<b>Adventure Time</b>, justement, qui s'est permis, en plus des épisodes classiques, de proposer une mini série, intitulée <b>Stakes</b>, en huit chapitres dédiée au personnage de Marceline. La réussite de la série vient en premier lieu des épisodes classiques qui ne se privent pas pour développer des approches différentes, mais toujours maîtrisées (une fin de saison six épique et cosmique, un début de saison sept centré sur les personnages et intimiste). Mais <b>Stakes</b> constitue une nouvelle claque, avec son ambiance ésotérique et fantastique, son cheminement qui fait écho aux différentes arcanes du tarot, ses personnages merveilleux qui font partie des plus belles créations télévisuelles, sans oublier cet humour absurde et décalé inimitable. En quelques années, Finn et Jake ont marqué la pop culture de manière indélébile avec une facilité déconcertante.<br />
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01) <b>Doctor Who</b><br />
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Une fois encore, la série anglaise s'impose sans effort comme la meilleure expérience télévisuelle de l'année. Cette neuvième saison poursuit son exploration d'une thématique lourde et délicate, la mort, déjà abordée durant la saison précédente. Le deuil, l'oubli, la disparition, autant de questionnements qui envahissent les épisodes de <b>Doctor Who</b> cette année. Regorgeant d'épisodes aussi beaux qu'extraordinaires, dont un fantastique morceau de bravoure dans lequel le Docteur assure le spectacle à lui tout seul, cette saison mêle habilement les attentes des fans aux expérimentations les plus concluantes. La qualité de cette série, année après année, en devient indécente.<br />
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Une année conséquente côté cinéma, ponctuée de surprises et de déceptions, mais d'une variété constante. Parmi les bonnes nouvelles, comment ne pas citer le retour de <i>Pixar </i>qui signe deux épopées très réussies : une histoire d'amitié très classique, mais d'une maîtrise incroyable, portée par une qualité juste hallucinante, avec <b>Le Voyage D'Arlo</b>, et une autre beaucoup plus originale, <b>Vice-Versa</b>, qui manque juste d'un petit quelque chose pour atteindre les sommets. En tout cas, le studio semble en forme, en attendant les suites annoncés, nombreuses (<b>Les Indestructibles 2</b>, <b>Le Monde de Dory</b>, <b>Cars 3</b>, <b>Toy Story 4</b>) et les projets originaux, beaucoup plus enthousiasmants (<b>Coco</b>). Outre le problématique septième épisode de <b>Star Wars</b>, qui noie son intérêt dans un cahier des charges trop encombrant, c'est vers les petites péloches audacieuses qu'il faut se tourner pour prendre son pied : le réussi <b>The Final Girls</b>, le potache <b>Scouts Guide to the Zombie Apocalypse</b>, ou l'excellent <b>Krampus</b>, des films dispensés de diffusion dans notre beau pays. Le cinéma asiatique nous gâte avec les épatants <b>Sea Fog</b>, <b>Hard Day</b> ou <b>La Bataille de la Montagne du Tigre</b>, tandis que l'indépendant nous a mis plein la tronche avec <b>Birdman </b>ou <b>Whiplash</b>. Enfin, citons les efforts du côté des éditeurs, qui ne cessent de surprendre (le blu-ray des <b>7 Samouraïs</b> de Kurosawa, la ressortie de <b>Massacre à la Tronçonneuse</b> !).<br />
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05) Andy et Lana Wachowski : <b>Jupiter Ascending</b></div>
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Voici le mal-aimé de 2015, un long-métrage dont le fond se dissimule loin sous la forme. Le cru de l'année des Wachowski revisite les contes classiques à travers le prisme de la science-fiction. Sublimé par une direction artistique culottée, qui cite allègrement le patrimoine SF et fantastique de ces dernières années, tout en puisant son inspiration dans l'Art antique, le film dévoile une fresque basée sur des concepts universels forts, le tout transcendé par la partition colossale d'un Giacchino en très grande forme, comme toujours. Le casting n'assure malheureusement pas toujours, et quelques tristes dissonances, comme le rythme bancal, empêchent le film de se situer plus haut dans ce bilan. En attendant, voici un nouveau pied de nez au système hollywoodien de la part des cinéastes maudits.</div>
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04) George Miller :<b> Mad Max : Fury Road</b></div>
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Avec cette nouvelle itération au sein de la franchise <b>Mad Max</b>, le réalisateur George Miller signe un film concept ahurissant, une péloche qui digère l'histoire du cinéma d'action de ces vingt dernières années en se permettant de faire avancer le média et les techniques de narration. Séquence d'action étirée sur deux heures éreintantes, <b>Fury Road</b> renverse non seulement les codes de la saga mais aussi ceux du cinéma tout entier. Le film assène les plans cultes et les prouesses à un rythme indécent, sans oublier de proposer un esthétisme recherché et unique, saupoudrant la pellicule de plusieurs tableaux d'une richesse picturale audacieuse. Galvanisé par une bande-son primale et vigoureuse, la fresque dessinée par le film met en scène des personnages forts qui, encore une fois, malmènent habilement clichés et attentes du spectateur.</div>
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03) Matthew Vaughn :<b> Kingsman : Services Secrets</b></div>
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Vaughn poursuit sa percée parmi les films tirés de comics avec ce <b>Kingsman</b>, adaptation électrique du récit de Mark Millar. Le réalisateur insuffle à son long-métrage un rythme effréné et des trouvailles en pagaille, qu'elles soient visuelles ou dissimulées dans l'écriture. Des acteurs convaincus et convaincants permettent au film de ne jamais se prendre trop au sérieux, tout en proposant une myriade de séquences incontournables, les plus impressionnantes étant l'assaut final, délicieux hommage aux<b> James Bond</b> classiques, ou la fameuse scène de l'église, exemplaire. Du fun à l'état pur, qui se pare d'une réalisation classieuse et élégante, laquelle laisse parfois place à l'hystérie la plus primaire, voilà ce que propose ce long-métrage qui dénote clairement avec le reste la production cinématographique annuelle.</div>
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02) David Mitchell : <b>It Follows</b></div>
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Cauchemar éveillé que cet <b>It Follows</b>, un film choc citant certains classiques du cinéma d'horreur des années 80, tout en portant un regard contemporain sur les personnages qui le traversent. Animé par une musique clairement psychotique, révélant ses nappes atmosphériques avec un talent certain, le long-métrage de Mitchell s'impose comme un classique instantané, loin des clichés et autres horror-movies d'une platitude affolante qui se déversent régulièrement sur nos écrans de cinéma. Brillant par une mise en scène sobre mais percutante, le film ne délaisse jamais ses personnages, une jeunesse perdue qui gravite autour d'une entité-concept aussi terrifiante que fascinante.</div>
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01) Brad Bird : <b>Tomorrowland</b></div>
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Fausse publicité qui renverse son propos initial, le dernier film de Brad Bird est tout ce que le cinéma doit pouvoir offrir. Des personnages charmants, fouillés et attachants, une intrigue simple, mais qui prend le temps de développer ses obsessions à travers des péripéties et des développements cohérents, lesquels sont mis en scène d'une manière épatante. Si comme le reste du métrage les scènes d'action regorgent d'inventivité, elles n'oublient jamais d'exploiter toutes les possibilités offertes par la mise en scène : l'assaut de la maison distille un émerveillement constant, la découverte de Tomorrowland propose l'un des plans séquences les plus vertigineux du cinéma, loin devant <b>Gravity</b>, et la scène de la Tour Eiffel ravira les amateurs de Jules Verne et autres amoureux du steampunk. Signalons enfin le score de Giacchino, qui ne chôme décidément jamais, et nous obtenons ici la meilleure production de 2015, un film qui profite du système pour mieux le dénoncer par son propos intelligent.</div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a>Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-32027356397891256642016-02-16T08:32:00.000-08:002016-06-12T08:33:18.194-07:00Devilman<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUsUOav9RAHbxQZE1Ad_ISSUICxG-6wrz6foQPdf0bQrh8IkcWTROTIGxbcZHmQjG1PbtfkfShxMmLCzBVutvT7LWaF7MyoQ69xTIMQcPKua4_NYedMa0ceHwPcFJk5yG87eNUZRxxWiI/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="393" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUsUOav9RAHbxQZE1Ad_ISSUICxG-6wrz6foQPdf0bQrh8IkcWTROTIGxbcZHmQjG1PbtfkfShxMmLCzBVutvT7LWaF7MyoQ69xTIMQcPKua4_NYedMa0ceHwPcFJk5yG87eNUZRxxWiI/s640/1.jpg" width="640" /></a></div>
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<i>Écrit et dessiné par Gō Nagai</i></div>
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Pour un <b><span style="color: red;">public averti</span></b>.</div>
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<b><span style="color: red;">Cet article contient des</span></b> <b><span style="color: red;">spoilers</span></b></div>
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Gō Nagai, de son<span style="font-family: inherit;"> vrai</span> nom Kiyoshi Nagai, est principalement connu en France grâce à la diffusion de dessi<span style="font-family: inherit;">ns ani</span>més adaptés de ses œuvres, <b>Goldorak </b>en tête. Pourtant, réduire le travail du mangaka à cette série en particulier serait immensément réducteur, tant la production de l'artiste est riche, autant thématiquement qu'en terme de quantité. Passionné de science-fiction et d'Histoire, l'auteur développe des univers très variés, mais pourtant animés d'une passion commune. Alternant les fresques robotiques, comme <b>Mazinger</b>, et les séries à vocation historique, telle que <b>Le Monde des Samouraïs</b>, Nagai tisse une œuvre colossale, ponctuée d'expérimentations ponctuelles, comme le prouve sa période érotique et des travaux comme <b>Kekko Kamen</b>. Parmi toutes ces périodes, l'auteur développe une obsession pour la sociologie et le mysticisme, une voie qu'il explorera pleinement à travers divers récits, tels que son adaptation de <b>La Divine Comédie</b>, de Dante, ou ce qui sera le sujet de cet article, <b>Devilman</b>.</div>
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Les éditions françaises <i>Black Box</i> permettent au public français de découvrir cette oeuvre phare du mangaka, à travers cinq tomes basés sur l'édition japonaise, une édition remaniée par Nagai lui-même. L'auteur aime, suivant les éditions, retoucher son travail, qu'il s'agisse d'une nouvelle composition des chapitres ou de retouches visuelles au sein même des planches. Cette obsession survient peut-être du fait que <b>Devilman</b> constitue l'un des premiers travaux de Gō Nagai, dont la publication initiale date de 1972. Mais c'est quelques années plus tôt, en 1968, que l'idée du scénario germe dans l'esprit de l'auteur. En 1968, le Japon traverse une période particulière, comme le reste du monde : la révolution des mœurs est en marche. C'est à cette époque que naît le <i>Weekly Shonen Jump</i>, un magazine hebdomadaire de prépublication de mangas désormais incontournable et mondialement reconnu. Le premier gros succès du magazine, ce dernier le devra à Gō Nagai et son manga <b>Harenchi Gakuen</b>, un récit qui fera date étant donné qu'il est parfois considéré comme le premier manga érotique (la traduction du titre donnerait quelque chose comme "le lycée dévergondé"). Pourtant, malgré la présence de quelques personnages parfois dénudés, le manga est avant tout une oeuvre comique. Outre la représentation de la nudité, c'est la présence d'un personnage de femme forte qui bouleverse complètement le paysage manga de l'époque, un élément qui sera fortement critiqué. Ainsi, et ce malgré le succès public, les plaintes ne cessent d'affluer (de la part de comités de censure, de représentants du système scolaire, voire de parents), et Nagai en cauchemarde quasi quotidiennement. C'est cette expérience qui donna envie de l'auteur de dénoncer l'intolérance, et ce à travers un dessin animé destiné aux adultes, et influencé par un genre en vogue à l'époque, le tokusatsu (contraction de "tokushu satsuei", qui signifie "effets spéciaux"), c'est-à-dire une série télévisée riche en effets spéciaux. Finalement, le projet deviendra un manga papier : c'est ainsi que naît <b>Devilman</b>.</div>
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Découvrir <b>Devilman</b> de nos jours, alors qu'une grande partie de la production japonaise est déjà accessible et assimilée de la part du public occidental, ne dégrade en rien la puissance de l'oeuvre. Dans les interviews que donnera ensuite Gō Nagai, ce dernier confiera qu'écrire <b>Devilman</b> était éreintant, ce travail l'a absorbé et isolé pendant une longue période. Il décrira ces séances d'écriture comme proches d'un état de transe. Un état d'esprit qui se retrouve gravé dans les planches qu'il livrera, tant la lecture du manga reste encore éprouvante et intense, une intensité aussi présente dans les dessins, très expressifs, au sein desquels les personnages adoptent une riche palette d'émotions. Les personnages, justement, sont au centre de cette histoire construite comme une spirale macabre et terrifiante. Le personnage principal se nomme Akira Fudo, un jeune homme bon par nature, mais extrêmement timide, voire peureux, il dénigre la violence, sous toutes ses formes. L'histoire principale débute alors qu'Akira reçoit une invitation de la part de Ryo Asuka, son meilleur ami, qui le convie à le rejoindre au sein de son manoir familial. Ryo traverse une période dramatique, car son père, un éminent archéologue, a progressivement sombré dans la folie, avant de s'immoler par le feu. La raison supposée de cette folie repose sur la découverte d'une étrange relique, un masque plus ancien que la race humaine elle-même. Ce masque possède un pouvoir unique, quiconque le porte et regarde à travers reçoit la vision d'un monde régi par les démons, le monde tel qu'il était avant que les hommes ne prennent possession de la Terre. Après avoir assisté à cette terrible vision, Ryo annonce à son ami Akira que les démons s'apprêtent à revenir réclamer leur planète, il explique aussi que les démons possèdent une capacité spéciale leur permettant de fusionner avec n'importe quel organisme vivant. C'est alors que les deux jeunes hommes sont attaqués par une horrible créature, suite à quoi ils parviennent à s'enfuir. Ryo attire Akira dans les sous-sols du manoir et décide de lui confier son plan pour lutter contre le retour des démons. Après quelques péripéties, Akira fusionne avec un démon et devient le bien-nommé Devilman.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh09sk3ixr5GMjkoJ_qrp1ztpFs0amZbI3bd7Ut_oTLM6siZAj5qafnhmg5IFSgAtXATaAZmTOoC1fFSYSMiayfv_E6z_b622LRIFDztBN1S6meORgdNnrhfVGOtTK3tCLCNR3d6Snt01w/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="479" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh09sk3ixr5GMjkoJ_qrp1ztpFs0amZbI3bd7Ut_oTLM6siZAj5qafnhmg5IFSgAtXATaAZmTOoC1fFSYSMiayfv_E6z_b622LRIFDztBN1S6meORgdNnrhfVGOtTK3tCLCNR3d6Snt01w/s640/2.jpg" width="640" /></a></div>
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Ces événements s'étalent pratiquement sur l'intégralité du premier tome de la saga (qui en compte cinq), le rythme au début de l'histoire est plutôt lent, mais loin d'être dépourvu d'intérêt, car centré sur la description des deux personnages principaux et des protagonistes secondaires qui graviteront autour d'Akira. La narration va toutefois s'emballer au fur et à mesure des tomes, pour rejoindre un rythme frénétique durant les dernières pages du manga. Dès cette introduction, les bases sont posées. Le monde tel qu'il est, rationnel et dépourvu de fantastique, va peu à peu s'effriter et se retrouver bouleversé par l'irruption de l'horreur, du grotesque et du macabre, pour que peu à peu l'histoire atteigne des proportions insoupçonnées. La psychologie des personnages est aussi mise en avant, tout comme le reste du manga illustrera une étude sociale pertinente. Le récit n'est pas manichéen, tout comme le personnage principal, continuellement en conflit avec lui même, symbole de l'humanité toute entière. Gō Nagai s'appuie ici clairement sur la plupart des religions, et quelques études psychologiques, pour démontrer que chaque individu possède à la fois un côté lumineux, mais aussi un autre plus sombre. Ainsi, Devilman peut être une représentation d'une théorie de Carl Gustav Jung, un psychiatre suisse, qui présente comme une "ombre" la partie de la psyché qu'un individu ne connaît pas lui-même. Akira découvre en effet cette partie de lui, et parvient à l'assimiler pour s'en servir dans la lutte contre les démons. Une lutte qui va progressivement s'étendre sur l'ensemble du globe, le récit développant alors rien de moins qu'une terrible guerre à l'échelle internationale.</div>
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Cette guerre, les démons la mènent à l'aide de plusieurs armes. Leur don de fusion tout d'abord, qui donne naissance à des créatures totalement improbables, parfois dérangeantes. Le design malsain de ces monstres se révèle parfois suggestif, associant l'horreur à la nudité : des bouches couvertes de crocs habillent les poitrines des démons femelles, tandis que des visages difformes se contorsionnent parfois à la place de leurs entre-jambes. Excroissances et autres appendices finissent de recouvrir les corps grotesques de la multitude de démons qui recouvrent les pages du manga. L'autre talent de ces créatures reste leur incroyable force, et la capacité qu'ils ont de massacrer le genre humain avec une facilité déconcertante. De leur côté, les hommes jouissent donc de leur maîtrise de la science pour se défendre. Un atout qui va rapidement se retourner contre eux, tandis que les démons remplacent peu à peu les personnes les plus influentes du monde, et ont ainsi accès à la puissance nucléaire. De plus, les démons tendent à agir comme une masse, tandis que les humains vont vivre dans la peur et faire l'expérience d'une sorte de névrose, ou paranoïa, collective. La peur des hommes facilite le pouvoir des démons qui est de fusionner avec eux, seuls resteront les plus courageux, qui deviendront de nouveaux Devilmen. Il est intéressant de noter que ceux qui tombent les premiers sont les "leaders" de la Terre, comme le président de la Fédération Russe.</div>
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Cette guerre sera représentée à travers une violence qui, au fil des pages, deviendra de plus en plus insoutenable. Orgies macabres, massacres, torture, expérimentations scientifiques, lynchages et infanticides sont au programme. Une violence éprouvante mais nécessaire à la dénonciation de l'auteur. Corruption, pollution, individualisme, c'est un triste portrait de l'humanité contemporaine que l'artiste dresse ici. Et si l'espoir anime le récit dès les premiers chapitres, comme le prouve la volonté de Ryo de lutter contre l'invasion à venir, celui-ci s'étiole à mesure que la conclusion approche. Le point de non retour est atteint avec la mort de Miki, l'amie - amoureuse transie - d'Akira, lynchée par d'autres humains la soupçonnant d'être une sorcière. Les valeurs s'intervertissent alors. Ces démons ne veulent-ils pas seulement récupérer leur planète naturelle, souillée par l'Homme qui, tel un parasite, construit d'immenses aiguilles de fer dressées vers le ciel, cimente les chemins et déchire les forêts, à la recherche d'un profit toujours plus conséquent et immédiat ? Ces hommes n'ont-ils d'homme que le nom, tandis qu'ils se livrent à des expérimentations ignobles sur le corps des victimes de fusions, tandis qu'ils se dénoncent les uns les autres, qu'ils s'exécutent entre eux ? A la lecture de <b>Devilman</b>, une réponse peut être donnée, cependant la construction de cette réponse se base sur l'évolution narrative qui parcourt les cinq tomes de la saga.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhy6TPqHoMM5tdx-O0WXWCShM_-CpQqCBn7ebrK-Y8f7QfjT7ZsZKk6eOJzEyjozDMhmDj1jSQ4eDSQ8E0gEQJsvaxDYnPGvMkTwOwu_CCMvrlj18CVGYWY2DbGSMa89D1fBnqenqVmfR4/s1600/Devilman-1-blackbox.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhy6TPqHoMM5tdx-O0WXWCShM_-CpQqCBn7ebrK-Y8f7QfjT7ZsZKk6eOJzEyjozDMhmDj1jSQ4eDSQ8E0gEQJsvaxDYnPGvMkTwOwu_CCMvrlj18CVGYWY2DbGSMa89D1fBnqenqVmfR4/s640/Devilman-1-blackbox.jpg" width="433" /></a></div>
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<i>Ci-dessus, le visuel du tome un, publié par les éditions Black Box en 2015.</i></div>
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Le premier de ces tomes est celui qui distille le rythme le plus lent. Beaucoup de planches sont consacrées aux dialogues, malgré la présence de scènes exclusivement picturales, notamment au début de l'ouvrage. Ces peintures dévoilent le monde tel qu'il était tandis que les démons régnaient. Mais principalement, les premiers chapitres sont dédiés à la présentation du mythe autour duquel s'articulera le récit principal, ainsi qu'à l'introduction des différents protagonistes. Le manga présente alors un aspect "tranche de vie" relativement serein, tandis que l'histoire telle qu'elle est racontée par Ryo plonge à chaque page un peu plus vers le fantastique. Le dessin se veut plutôt caricatural, relevé par des trait épais et anguleux, et ce malgré une grande variété au niveau des expressions des personnages. Si l'on excepte les quelques pages qui ouvrent <b>Devilman</b>, il faut lire une bonne moitié du tome avant que le premier démon n'interagisse avec le duo principal. La violence, elle, ne surgira qu'en fin de volume, lors d'un sabbat improvisé qui ne tardera pas à revêtir des allures de massacre. Dès cet instant, la violence s'engagera dans une spirale qui repoussera toujours plus loin les frontières de ce mal : dans le second tome, le mal touchera les proches d'Akira, dans le troisième, les limites temporelles exploseront et décriront un combat éternel au cours de plusieurs périodes historiques, et enfin, à partir de l'avant-dernier volume, l'humanité s'engagera dans une guerre mondiale. C'est aussi à partir du tome quatre que la narration s'accélère, les événements s'enchaînent à un rythme trépidant, jusque dans un final aux allures mythologiques, opposant Amon à Lucifer.</div>
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Amon, avec qui Akira a fusionné, est un démon issu des croyances de la Goétie (art de l'invocation de démons), à ne pas confondre avec Amon-Rê, le dieu le plus important du panthéon égyptien. Amon aurait la forme d'un loup crachant des flammes, avec une queue de serpent. On dit qu'il peut prendre forme humaine, cependant sa tête devient alors celle d'une chouette, dont la gueule serait submergée par une armée de crocs. Amon connaît l'avenir et le passé, et serait à l'origine du mythe de la lycanthropie. Il est intéressant de relever les similarités qui existent entre sa description, gravée dans les ouvrages de démonologie, et le fait que Gō Nagai représente les démons comme une fusion grotesque de plusieurs animaux. Selon la légende, le démon Amon est connu pour détruire les amitiés, aussi il n'est pas surprenant que l'amitié entre Akira et Ryo vole en éclats au cours de <b>Devilman</b>, Ryo se révélant être Lucifer, ou Satan dans certaines versions. Au cours de l'épilogue du manga, Lucifer gagne la guerre, au prix d'un lourd sacrifice, étant donné qu'il perd tout le reste, dont son ami. Lucifer représente l'unification : il est des deux sexes, il a été humain et démon, il est à la fois le fils de Dieu et son ennemi. Cependant, il connaîtra une punition divine pour ses actes, comme le prouve la fin du manga : des Anges descendent des cieux pour le rejoindre et accomplir leur sentence. Le récit est d'ailleurs parcouru de références bibliques, comme lors de la scène durant laquelle Akira découvre la véritable identité de Ryo, sous un Soleil atteignant son zénith. Hors, Lucifer est aussi appelé l'Étoile du Matin, ou le Porteur de Lumière. Plus loin, un personnage se change en pilier de sel, une référence à la femme de Loth, lui-même issu de la Genèse, qui se change en colonne de sel après s'être retournée malgré les avertissements de deux anges.</div>
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C'est en s'appuyant sur une narration maîtrisée, en ne faisant aucune concession graphique, et en se basant sur des concepts mythologiques ou psychologiques forts, que Gō Nagai accouche d'un manga incontournable. Porté par une action constante et des dialogues efficaces, <b>Devilman</b> s'impose de nos jours encore comme une pièce essentielle dans l'histoire de la bande-dessinée japonaise. Plus que jamais d'actualité, mais à ne réserver qu'à un public averti, la saga de Nagai n'a jamais cessé de croître en popularité, si bien que l'auteur a continué d'explorer ce pan de son imaginaire à travers d'autres travaux : <b>Devil Lady</b>, <b>Violence Jack</b> ou encore <b>Demon Knight</b>. En n'épargnant aucun supplice au lecteur, <b>Devilman </b>est un récit poignant et percutant, à même de partager son discours pessimiste sur l'état de l'humanité et de la société actuelle. C'est cette violence permanente, mais nécessaire, qui fait de <b>Devilman </b>une oeuvre avant tout sincère, qui n'oublie heureusement jamais de divertir, à travers une histoire rythmée par des rebondissements et des séquences dantesques.</div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a>Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-41213149660598879272016-02-03T08:30:00.000-08:002016-06-12T08:30:52.741-07:00JoJo's Bizarre Adventure : Saison 2 - Battle Tendency<div style="text-align: justify;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdTMQfmh_A0wTjFzfYSlqBqvuYU7OXJOuTvNu7nCBnwFJNPszzcZm1rUGBqGl5U1mZOCzLDK1DG8sGCQXQOXYS01P3kxblvCu0AbRZecSpSc9WnfHRPcKPBCQHAW33loH7wrFnDqP0Prs/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdTMQfmh_A0wTjFzfYSlqBqvuYU7OXJOuTvNu7nCBnwFJNPszzcZm1rUGBqGl5U1mZOCzLDK1DG8sGCQXQOXYS01P3kxblvCu0AbRZecSpSc9WnfHRPcKPBCQHAW33loH7wrFnDqP0Prs/s640/1.jpg" width="640" /></a></div>
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<i>Scénarisé et dessiné par Hirohiko Araki</i></div>
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<b><span style="color: red;">/!\</span></b> Cet article contient des <b><span style="color: red;">spoilers</span></b>.<br />
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Après une première saison au charme indéniable, qui mêlait avec une certaine irrévérence les arts martiaux à l'horreur gothique, Araki Hirohiko récidive à travers une nouvelle épopée qui va exploser sans vergogne les quelques limites que s'imposait l'auteur auparavant. <b>Battle Tendency</b>, c'est le nom de cette seconde saison, découpée en sept tomes français (publiés dernièrement aux éditions <i>Tonkam</i>), une saison qui va s'éloigner considérablement du contexte posé par <b>Phantom Blood</b>. Exit Jonathan Joestar, le premier rôle gentleman de la saison précédente, qui laisse sa place au fougueux Joseph, son descendant aux allures de pitre au bon cœur. Le récit délaisse l'Angleterre victorienne pour s'ancrer dans les années trente, aux États-Unis, avant de proposer au lecteur un voyage tout autour du monde, du Mexique à l'Italie. Enfin, l'auteur introduit de nouveaux antagonistes, les Hommes du Pilier, qui ne sont rien d'autre que les créateurs du masque de pierre autour duquel s'articulait le scénario de la première saison. <b>Battle Tendency</b> promet donc un renouveau complet, calqué sur l'exotisme et l'aventure, tout en se permettant des écarts qui justifieront le "bizarre" du titre de la saga.</div>
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Ainsi, il est possible de découvrir <b>Battle Tendency</b> sans avoir lu <b>Phantom Blood</b>, bien que le lecteur passe alors à côté toutes les références qui construisent, au fil des tomes, une mythologie en constante expansion. Mais pour celui qui lit cette seconde saison à la suite de la première, un autre problème se dresse alors : comment l'auteur peut-il proposer une nouvelle histoire, comment peut-il renouveler l'ambiance et les objectifs narratifs, tout en conservant le ton propre aux premiers tomes ? Hirohiko Araki trouve une solution finalement logique : construire une transition durant les premiers chapitres, avant de plonger dans plein pied dans cette seconde saison. Cette transition se construit en plusieurs temps, enchaînant les ruptures nettes et les renvois à <b>Phantom Blood</b>, le tout sans oublier de mettre en place les bases du récit. Et la base première, c'est bel et bien le nouveau personnage principal, le JoJo de cette saison, Joseph Joestar, petit-fils de Jonathan Joestar, mort à la fin de la première saison. Pour présenter le caractère de cet énergumène, qui traversera les saisons avec une aisance folle, redéfini et retravaillé à chacune de ses apparitions, Araki joue avec les attentes du lecteur, qui espère voir une prolongation de Jonathan. Pourtant, Joseph tire un trait sur les qualités de gentleman qui habitaient son aïeul, un fait mis en avant durant une scène au cours de laquelle le personnage n'hésite pas à traiter une jeune femme de laideron. De même, Joseph est moins élégant, il délaisse la bienséance au profit d'un humour constant qui contraste efficacement avec les pics dramatiques que l'auteur fait atteindre à son récit à plusieurs reprises. Il est l'auteur de quelques meilleurs gags de l'ensemble de la saga, comme le prouve sa technique de combat ultime (partir en courant), ou sa blague de mauvais goût en fin de saison trois. Immédiatement attachant, car habité par un sens de la justice sincère, et cachant un grand cœur, Joseph incarne à lui seul le changement d'ambiance opéré par <b>Battle Tendency</b>. L'autre transition est à chercher du côté de la menace de cette saison. Dans les cinq premiers volumes de <b>JoJo</b>, les protagonistes étaient confrontés aux vampires créés par le masque de pierre, dont Dio fut le représentant le plus redoutable. Désormais, les héros devront affronter les créateurs de cet artefact maléfique, des hommes figés dans la pierre. Pour passer le flambeau, Araki fait revenir un personnage secondaire de <b>Phantom Blood</b>, le dénommé Straits, qui bascule ici du côté des antagonistes. Nouveau vampire, Straits est le premier ennemi que devra affronter Joseph, dans les rues de New-York, à coups de sulfateuse ou de grenades explosives. Un premier combat violent, que parviendra à remporter le héros, avant que son ennemi ne lui annonce l'arrivée des hommes du pilier, beaucoup plus puissants que lui. Ainsi, en ramenant une figure de la saison précédente avant de l'éliminer et d'introduire la menace actuelle, le scénariste tire un trait entre les deux histoires, il déconstruit ce qu'il a créé pour développer et approfondir la mythologie mise en place dès les premiers tomes.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGC9DGL0Rh90fhyphenhyphen09VEwhdDFTTDzPdDhomogoH_qrc41EfNRvkLaGz5hrIgbQsGy38hH1knVefda5QVlwYGGT3S5oyUHCOnH2GKZrJMkpEWa7TInvPQAa7mLOxajgYBkwJ78aZSDcSBe4/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGC9DGL0Rh90fhyphenhyphen09VEwhdDFTTDzPdDhomogoH_qrc41EfNRvkLaGz5hrIgbQsGy38hH1knVefda5QVlwYGGT3S5oyUHCOnH2GKZrJMkpEWa7TInvPQAa7mLOxajgYBkwJ78aZSDcSBe4/s640/3.jpg" width="393" /></a></div>
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L'ambiance horrifique confortablement installée durant les premiers tomes vole elle aussi en éclats et évoque une certaine décontraction, qui s'évapore cependant lorsqu'Araki aborde les problématiques du racisme, à travers le personnage de Smokey, ou lorsque les nazis investissent le récit. L'exotisme est ici de mise, avec des décors plus variés et plus lumineux que ce que nous proposait l'auteur dans <b>Phantom Blood</b>. Les dunes du désert mexicain, les montagnes enneigées, la ville de Rome qui baigne sous le soleil, et d'autres endroits encore qui permettent un dépaysement constant. Le récit évoque clairement les plus grandes histoires du cinéma d'aventure, <b>Indiana Jones</b> en tête, tout en proposant régulièrement un humour à la limite de l'absurde, principalement grâce à son personnage principal (le passage durant lequel il veut infiltrer une base allemande en se travestissant, et ne comprend pas qu'on puisse le reconnaître, est juste hilarant). Ainsi, à la saga de Steven Spielberg, <b>Battle Tendency</b> emprunte les nazis, qui subissent ici le même traitement, il sont à la fois cruels et incapables. On y retrouve les mêmes péripéties, comme les aventures dans des lieux secrets, la découverte d'endroits improbables, l'infiltration d'un territoire ennemi, l'action débridée (voir la chute en avion et le moyen d'évasion des protagonistes, qui évoquent clairement l'introduction du <b>Temple Maudit</b>, de Steven Spielberg, 1984).</div>
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Si des personnages déjà présents dans <b>Phantom Blood</b> font leur retour, tels Speedwagon ou Erina, la part belle est offerte aux nouveaux protagonistes. Ainsi apparaît Smokey Brown, dès le début du récit, qui place Joseph dans une situation identique a ce qu'avait connu George Joestar, le père de Jonathan. Dans les premiers tomes de <b>JoJo</b>, George se faisait voler son anneau par le père de Dio : malgré tout, il annonçait alors aux forces de l'ordre avoir confié le bijou de son propre chef à Dario Brando. Dans <b>Battle Tendency</b>, la même chose se reproduit lorsque Smokey dérobe à la tire le portefeuille de Joseph, lequel aura la même réaction que son ancêtre lorsqu'il sera confronté aux policiers, corrompus et racistes. Ainsi, par cet écho scénaristique, Araki dévoile la bonté de son personnage, malgré son côté gauche et comique. Un autre nouveau protagoniste est introduit sous les traits de Caesar Anthonio Zeppeli, descendant du personnage éponyme de <b>Phantom Blood</b>. Mais au contraire de la relation qui unissait Zeppeli et Jonathan, une rivalité va naître entre Caesar et Joseph, les poussant à se dépasser continuellement. Caesar se bat à l'aide d'une technique tout à fait improbable, à savoir en utilisant des bulles de savon. L'auteur parvient cependant à dépasser l'aspect absurde de ce concept, en imaginant une quantité incroyable de manières d'exploiter ce talent. Bien vite, Joseph rencontre Lisa Lisa, une maîtresse de l'onde, guide autant spirituelle que physique qui devient rapidement une figure archétypale du mentor (et possède un lien de sang avec Joseph, puisqu'elle est sa mère). Évidemment, Araki réservera au lecteur quelques surprises de la part de ses personnages, que ces derniers distilleront au fur et à mesure de l'aventure. Enfin, il convient de présenter les antagonistes, dont un cybord nazi tout droit sorti d'une série Z, ainsi que les terribles hommes du pilier, incarnations de l'évolution parfaite d'un être vivant.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvBAqPYPmYLmioqwAZDRUQhByBWeJkB0Xj7N1gqqfErIATuVKvcmpKIap5sZoeY_G4a2hJ1M1uK78RJUF-Sf7FmCDL8yBMlvJpIQbrUkY9jTQAPURagXS6cXSjX0b6ShU62KXw_EHyA3k/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvBAqPYPmYLmioqwAZDRUQhByBWeJkB0Xj7N1gqqfErIATuVKvcmpKIap5sZoeY_G4a2hJ1M1uK78RJUF-Sf7FmCDL8yBMlvJpIQbrUkY9jTQAPURagXS6cXSjX0b6ShU62KXw_EHyA3k/s640/2.jpg" width="411" /></a></div>
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Les sept tomes de <b>Battle Tendency</b> se nourrissent de plusieurs influences claires, dont un aspect mythologique qui transpire tout au long du récit. Ce n'est pas un hasard si plusieurs morceaux de l'histoire renvoient à la Rome antique, et que les personnages doivent achever des travaux impossibles pour des humains normaux. Ainsi, c'est sur une île non loin de Rome que Joseph et Caesar seront soumis à la première véritable épreuve de leur périple, l'ascension d'un immense pilier continuellement couvert d'huile. Le pouvoir de l'onde, présente lors de la première saison, est ici exploité à travers de nouvelles trouvailles scénaristiques, Araki parvenant à régulièrement renouveler le potentiel et l'intérêt de ce talent associé à la lumière et la vie. Certaines scènes évoquent complètement les péplums, telle cette séquence de course de char saupoudrée de violence et de duperies. De son côté, l'équipe d'antagonistes renvoie évidemment au panthéon des dieux antiques, de par leur apparence (des corps impossibles aux allures divines, des tenues exotiques, des personnalités rongées par le dédain, des pouvoirs incommensurables), mais aussi par leur évolution tout au long de la saison, l'ennemi principal, Kars, devenant purement et simplement immortel. C'est pourquoi, au fil du récit, les ennemis sont de plus en plus évolués, Jojo devant se battre finalement contre un ennemi s'imposant comme l'incarnation même de la vie. Son premier combat l'oppose à Straits, vampire, agressif, guidé par son instinct, sorte de "nouveau-né". Ensuite, le héros affronte le dénommé Santana, le plus faible des hommes du pilier. Araki illustre la renaissance de Santana à travers une scène qui démontre sa rapide capacité d'évolution : il apprend rapidement à parler le langage de ses geôliers, il comprend le fonctionnement des armes à feu, etc... Viendra ensuite, un peu plus tard, Wammu, qui éprouvera des sentiments humains (et finira par aider Jojo avant de mourir), tandis que Kars s'avérera être une synthèse de toutes les cellules sur Terre, pouvant emprunter les capacités de n'importe quel être vivant. Afin de vaincre cet ennemi invincible, Araki ne proposera pas une conclusion mortelle au duel qui l'opposera à Joseph, au contraire, Kars vivra pour l'éternité, figé et errant dans l'espace infini. La vie en temps que malédiction. Cet échec s'explique en partie par le fait que s'il représente une forme de vie ultime, il est loin d'être parfait : il est par exemple lâche et traître, comme le prouve sa manie d'envoyer ses sbires se battre à sa place, ou la manière dont il bafoue toute notion d'honneur. En somme, l'évolution naturelle telle que décrite par Araki n'a aucun mérite si elle ne s'accompagne pas d'une évolution personnelle et spirituelle. Il faut noter que pour imaginer le pouvoir de Kars, l'auteur s'est basé sur la théorie de la récapitulation qui, pour résumer, évoque le fait que le développement d'un organisme, de sa naissance à sa maturité, passe par plusieurs stades représentant ses espèces ancestrales.<br />
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Face à Kars, entité vivante ultime, l'auteur imagine le personnage de Rudol von Stroheim, nazi cruel qui se sacrifiera cependant pour enrayer la menace représentée par les hommes du pilier. Pourtant, le personnage ne disparaît pas pour autant du récit, puisqu'il revient sous la forme d'un cyborg, c'est-à-dire un incroyable croisement entre l'Homme et la machine, quasiment artificiel. Araki oppose ainsi la nature (Kars) à la machine (Stroheim), bien que chacun de ces personnages incarne une évolution différente. Stroheim est un personnage complexe, dévoré par son idéologie, mais aussi poussé par un sens de l'honneur presque égoïste. Il ne rechigne pas à l'idée de sacrifier des innocents pour mener des expériences sur les hommes du pilier, tout comme il n'hésite pas une seconde avant de condamner sa propre vie pour sauver son pays. Son nom, von Stroheim, viendrait de l'acteur réalisateur austro-hongrois, Erich von Stroheim, tandis que le personnage a lui-même influencé le fameux Guile de la saga de jeux vidéo <b>Street Fighter</b>.</div>
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En ce qui concerne le dessin de l'artiste, <b>Battle Tendency</b> est une prolongation de <b>Phantom Blood</b>. Araki poursuit dans l'exagération des corps, masses de muscles incroyables, qu'il délaissera peu à peu une fois arrivé à la quatrième saison. Son sens du détail est toujours aussi présent, à travers son utilisation des décors, qui regorgent de détails parfois un peu clichés, mais qui permet une représentation spatiale de l'action satisfaisante. Araki joue avec les perspectives, les échelles et la morphologie, dans le but de recouvrir le récit d'un voile d'étrangeté qui recouvrera l'ensemble de la saga durant toutes les saisons. Le dessinateur ne se prive non plus d'aucune illustration des atroces blessures que subiront les personnages, le manga se permettant quelques élans gores ou dérangeants que là aussi nous retrouverons tout au long de la série. Il dessine des actions impossibles, comme lorsque les hommes du pilier se glissent dans les plaies de leurs victimes, et pourtant l'ensemble reste crédible, justement grâce à son travail sur l'ambiance. Un important travail est effectué sur les ombres, non pas portées, mais celles qui sont présentes sur les textures, comme l'atteste le soin apporté aux volumes des tissus ou des corps, via plusieurs techniques telles que les hachures ou les aplats.</div>
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La traduction des volumes édités chez <i>Tonkam</i> n'est cependant pas idéale en ce qui concerne les hommes du pilier. Il faut savoir que Hirohiko Araki est un passionné de musique, une passion qu'il insère régulièrement tout au long de son travail sur <b>JoJo's Bizarre Adventure</b>, à travers des références à des groupes de musique, chanteurs, musiciens ou chansons. Il nomme beaucoup de ses personnages, et plus tard des Stands qu'il créera, en hommage à ses goûts musicaux. Les hommes du pilier de <b>Battle Tendency</b> n'échappent pas à cette habitude : AC/DC, Santana, Wham! et The Cars, autant d'influences que le traducteur a décidé de laisser telles quelles. Les versions anglaises du manga voient par exemple AC/DC renommé en Esidisi, ce qui apporte un confort de lecture évident et évite au lecteur de sortir du récit. En effet, dans l'histoire, seul Santana est nommé ainsi par Stroheim, les autres hommes du pilier avaient déjà leurs noms bien avant leur découverte dans les années 30, aussi il est totalement illogique de voir un personnage s'appeler AC/DC, comme le groupe de musique, il y a des milliers d'années. En somme, c'est un triste choix de traduction qui gâche un peu l'immersion au sein de l'œuvre, heureusement réhabilitée par la réussite de la narration d'Araki et sa composition graphique exemplaire.<br />
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<b>Battle Tendency</b> développe habilement la partie mythologique de <b>JJBA</b>, en apportant des réponses aux interrogations laissées en suspens. Le parcours de Joseph et de ses compagnons est rythmé par d'incessantes joutes mortelles, que l'auteur dynamise à travers une utilisation intelligente de la géographie ou des terrains : les différents pays, enneigés ou ensoleillés, les zones aménagées comme à Rome, etc... C'est par la diversité de ces scènes d'action qu'Araki conserve un rythme qui ne faiblit jamais, sans oublier ses personnages immédiatement attachants, et les séquences émotionnelles plus rares mais toujours fortes. La mort de Caesar, la révélation de l'identité de Lisa Lisa, des points dramaturgiques essentiels dans la construction du récit, que l'auteur traite avec un sérieux et une intensité redoutables. Si <b>Phantom Blood</b> constituait une tragédie humaine gothique irrévérencieuse, <b>Battle Tendency</b> s'impose comme une grande Aventure, avec un A majuscule, proposant une succession de péripéties inventives et réfléchies qui repoussent sans cesse les limites de la normalité et de la grandiloquence.</div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a>Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-52542371188253542432016-01-20T09:01:00.000-08:002016-07-06T09:21:51.775-07:00[PERSO] Collection 1<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk_WJWD6CkHTfGcm2AYkHdgoaMwpJK0S8TBg710lu9Iw5nPQXZ-P5mrfUI02hTC4JFEyHLjI4_PnGis3z9kbIEKIniG71wsY6XNzk_hzdahV7yK8-lkBpzDJ84S8pKUlSxp6CHh0WV3bOt/s1600/IMG_3860.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk_WJWD6CkHTfGcm2AYkHdgoaMwpJK0S8TBg710lu9Iw5nPQXZ-P5mrfUI02hTC4JFEyHLjI4_PnGis3z9kbIEKIniG71wsY6XNzk_hzdahV7yK8-lkBpzDJ84S8pKUlSxp6CHh0WV3bOt/s640/IMG_3860.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Batman : La Cour des Hiboux</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Batman : La Nuit des Hiboux</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Batman : Le Deuil de la Famille</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Batman : L'An Zéro - 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Batman : L'An Zéro - 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Grant Morrison présente Batman : L'Héritage Maudit</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Grant Morrison présente Batman : Batman R.I.P.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Grant Morrison présente Batman : Nouveaux Masques</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Grant Morrison présente Batman : Les Dossiers Secrets</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Grant Morrison présente Batman : Le Retour de Bruce Wayne</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Grant Morrison présente Batman : Batman contre Robin</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Grant Morrison présente Batman : Batman Incorporated</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgavnlPIdyb894IzBNEMtsTWJI9d_7yEGucAoyW1L1pVC2mhyphenhyphennzyhJlwvCyK5-d7NyJNeuauA_18yloYCX3P2luUioSyEU2tRLH0V7FC7HRZ5xGbnhhLlH6taQGHZAuMypt3ggG-Mc_GoRi/s1600/IMG_3861.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgavnlPIdyb894IzBNEMtsTWJI9d_7yEGucAoyW1L1pVC2mhyphenhyphennzyhJlwvCyK5-d7NyJNeuauA_18yloYCX3P2luUioSyEU2tRLH0V7FC7HRZ5xGbnhhLlH6taQGHZAuMypt3ggG-Mc_GoRi/s640/IMG_3861.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
ICONS : Spider-Man par Straczynski 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
ICONS : Spider-Man par Straczynski 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
ICONS : Spider-Man par Straczynski 3</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
ICONS : MARVELS</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
ICONS : Elektra par Miller</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
ICONS : Daredevil par Miller 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
ICONS : Daredevil par Miller 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
ICONS : Daredevil par Miller 3</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqPKQhkZCZx8Mwxn46nRJ_o6nPuTcl6Tdl_8Cosfg47gW6xmOxQFJ7TPFWwo7EaVPNfZfVogjO7iV9hCIqFMy76qbXKrhKeZ5RcoQvpswoltpsy9J8TwzPXPqFJhMf5NrP5XSfnzozqRWx/s1600/IMG_3862.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqPKQhkZCZx8Mwxn46nRJ_o6nPuTcl6Tdl_8Cosfg47gW6xmOxQFJ7TPFWwo7EaVPNfZfVogjO7iV9hCIqFMy76qbXKrhKeZ5RcoQvpswoltpsy9J8TwzPXPqFJhMf5NrP5XSfnzozqRWx/s640/IMG_3862.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Batman : La Légende par Jim Aparo 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Batman Anthologie</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Batman : Année Un</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Batman : The Dark Knight Returns</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Crisis on Infinite Earths : Le Compagnon</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Batwoman : Hydrologie</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
DC Comics Anthologie</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Superman Anthologie</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Kingdom Come</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Justice League : Crise d'identité</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Justice League of America : Tome 0</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Justice League : L'Autre Terre</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguABuGwakzWGCe8tC72lybvIb72gMillkyLprDJmfzuJ2PlDppUZeOx5uwBT5kp4N-C3NzmLPHTe4IwyWtpgHGYLOvhfdueoTppwTNViqkmJPGcTnCDLMW10Fr61uGQ6BmTo5nuayf9mkd/s1600/IMG_3863.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguABuGwakzWGCe8tC72lybvIb72gMillkyLprDJmfzuJ2PlDppUZeOx5uwBT5kp4N-C3NzmLPHTe4IwyWtpgHGYLOvhfdueoTppwTNViqkmJPGcTnCDLMW10Fr61uGQ6BmTo5nuayf9mkd/s640/IMG_3863.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Sandman, 1 à 7</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Top 10</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYIeMehzUK0rEZGVGokyfmOapg2q9BhvvNKS_9b9rxTU3UeFH59lGXej4c-SpmOVOv3AYw4d2mr-Fnm2LY91SD6-e0kKsTVEj82EXxbtcKqDl0iMsUmabKuYaA1kAsXGenrOKsoURK03W5/s1600/IMG_3864.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYIeMehzUK0rEZGVGokyfmOapg2q9BhvvNKS_9b9rxTU3UeFH59lGXej4c-SpmOVOv3AYw4d2mr-Fnm2LY91SD6-e0kKsTVEj82EXxbtcKqDl0iMsUmabKuYaA1kAsXGenrOKsoURK03W5/s640/IMG_3864.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Y, le dernier Homme - 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Y, le dernier Homme - 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Preacher - 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Preacher - 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Garth Ennis présente Hellblazer - 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Transmetropolitan 1 à 4</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Planetary - 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
All*Star Superman</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Flex Mentallo</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Kid Eternity</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Nou3</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Trees - 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Descender - 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Trillium </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Joe, l'aventure intérieure</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDyWqZrFG-0Jhav3vca7EvWnwB7mxmJk50wrTcgduGraKq-m91k7il2ZWp-asyB9XnSGbCa_I9aDSSqKOMujtriNLff3TTgf3UcmU5cxzCcFH144J1mGjFQd4iS4fcGIVLASCTPr-xNTGf/s1600/IMG_3866.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDyWqZrFG-0Jhav3vca7EvWnwB7mxmJk50wrTcgduGraKq-m91k7il2ZWp-asyB9XnSGbCa_I9aDSSqKOMujtriNLff3TTgf3UcmU5cxzCcFH144J1mGjFQd4iS4fcGIVLASCTPr-xNTGf/s640/IMG_3866.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
NOW ! Daredevil par Mark Waid 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
NOW ! Daredevil par Mark Waid 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
NOW ! Silver Surfer par Dan Slott 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
NOW ! Silver Surfer par Dan Slott 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
NOW ! The Superior Spider-Man par Dan Slott 1 à 4</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1u2Gb6hDj1VjwVeWhW_hPXrrkBlbVUlRkv-KdrUy64GQxoVtgRBO2m7raAW12F1WLw3XYEsbYtHuiJss8GtQJNorpDg99jDoI6FAeCZpVExsYpX2XuYZKH25OFZnuvs0UzZ-mhoxGbvUu/s1600/IMG_3867.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1u2Gb6hDj1VjwVeWhW_hPXrrkBlbVUlRkv-KdrUy64GQxoVtgRBO2m7raAW12F1WLw3XYEsbYtHuiJss8GtQJNorpDg99jDoI6FAeCZpVExsYpX2XuYZKH25OFZnuvs0UzZ-mhoxGbvUu/s640/IMG_3867.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
NOW ! Avengers par Jonathan Hickman 1 à 4</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
NOW ! Uncanny Avengers par Rick Remender 1 à 4</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPskS9_gSRBgAC-zi-T5zvPc38mOCRzUEqJT3foTkn5hy-BeiZyxrAm1_06pjFfk_w64D0qggHaHW1Ak7Wr2oATo4cCOy3hua8VmKgchkufIcjAZMTDMGB89WP6OxxJjGIz032OwoY1ZVP/s1600/IMG_3868.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPskS9_gSRBgAC-zi-T5zvPc38mOCRzUEqJT3foTkn5hy-BeiZyxrAm1_06pjFfk_w64D0qggHaHW1Ak7Wr2oATo4cCOy3hua8VmKgchkufIcjAZMTDMGB89WP6OxxJjGIz032OwoY1ZVP/s640/IMG_3868.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
NOW ! Thor par Jason Aaron 1 à 3</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Infinity</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
NOW ! New Avengers par Jonathan Hickman 1 et 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Adventure Time 1 et 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQO7q6TyAkse0QyQ3x3rY9yNV4BNw_Txy8LlawX_6uU9NRuaGKeG1f3_Zs5fxko07ifkdMTzQuv1m-kv4-Ai_eybLiithRD0NIXaxkM9ck5E1uiU28eqP3fxq0iq9lQ0GzdZIaRb10A_W4/s1600/IMG_3870.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQO7q6TyAkse0QyQ3x3rY9yNV4BNw_Txy8LlawX_6uU9NRuaGKeG1f3_Zs5fxko07ifkdMTzQuv1m-kv4-Ai_eybLiithRD0NIXaxkM9ck5E1uiU28eqP3fxq0iq9lQ0GzdZIaRb10A_W4/s640/IMG_3870.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Kabuki</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Tony Chu, détective cannibale 1 et 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Bêtes de Somme</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Sam & Max</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Fables : 1001 Nuits de Neige</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRJSxB429GFAoz6YcNDeBaJ3FZ1osbDZ9Czcfplsr3-okj0q9MFzXP1eoZJhS104H9hWTDiunCSPfl2Ozmx1XIQDsFOcS52_pn62L00CBfMsQMUP3ZmjZZ9eoKTdjDYM0rd9iZjYI_DOx3/s1600/IMG_3871.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRJSxB429GFAoz6YcNDeBaJ3FZ1osbDZ9Czcfplsr3-okj0q9MFzXP1eoZJhS104H9hWTDiunCSPfl2Ozmx1XIQDsFOcS52_pn62L00CBfMsQMUP3ZmjZZ9eoKTdjDYM0rd9iZjYI_DOx3/s640/IMG_3871.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
LOW 1 et 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Deadly Class 1 à 3</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Black Science 1 à 3</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
The End League 1 et 2</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9O4jDZoUpGPh4XLldNRD64shRBSoB5jJg2zM7IldHgt7Uzy6HO210SqU8xuoKA9sIG-jCOoCQbEoSHiU_y-oCCfYrmaKjg00C97G5M9N0rLpOXnpUjogLzem0fe77FrQdwSXR9I9rfNOg/s1600/IMG_3872.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9O4jDZoUpGPh4XLldNRD64shRBSoB5jJg2zM7IldHgt7Uzy6HO210SqU8xuoKA9sIG-jCOoCQbEoSHiU_y-oCCfYrmaKjg00C97G5M9N0rLpOXnpUjogLzem0fe77FrQdwSXR9I9rfNOg/s640/IMG_3872.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Watchmen</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Le Quatrième Monde de Jack Kirby 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Kamandi 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Tokyo Ghost 1</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Éxogénèse</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Doctor Who : les aventures du onzième Docteur</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
East of West 1 à 3</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Le Gant de L'Infini</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidlUbQimNkUvHzlEOHh1LrDC90XzOfWt715shE4eAMyhxI2QXZl0bduKekF84RowfZaLuSA4JsQ8OXSR9B-79mEoc_rnx0tH9cYvIR3LGujRTfDBfkyCyPTJ5tAyiIqMLc2v2Q5DdqIOcQ/s1600/IMG_3873.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidlUbQimNkUvHzlEOHh1LrDC90XzOfWt715shE4eAMyhxI2QXZl0bduKekF84RowfZaLuSA4JsQ8OXSR9B-79mEoc_rnx0tH9cYvIR3LGujRTfDBfkyCyPTJ5tAyiIqMLc2v2Q5DdqIOcQ/s640/IMG_3873.JPG" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Saga 1 à 5</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Miracleman 1 à 3</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
Fear Agent - Intégrale</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYrT0ZAJrUc_mJO_880Irj5U93bizWTcYFufgqpamp2LFx0GFD_V8jl8euh5ZxoOfOxxK1Bef1LyL1ya8oa2NqdOMt-2CR0owd8EHDPbUPbTkDlNAPKElWwNBVa98VR5gsQwjCoKmUwP_Q/s1600/IMG_3875.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYrT0ZAJrUc_mJO_880Irj5U93bizWTcYFufgqpamp2LFx0GFD_V8jl8euh5ZxoOfOxxK1Bef1LyL1ya8oa2NqdOMt-2CR0owd8EHDPbUPbTkDlNAPKElWwNBVa98VR5gsQwjCoKmUwP_Q/s640/IMG_3875.JPG" width="480" /></a></div>
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Sorayama XL MASTERWORKS</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL9AZbR3AVQFWxifprS0SB3E6NpRJyfp2nsxQthHg8n_cjGEOwUE-VkWXwYK8fPEsuRkLN8msRYKRKfW8Lw_dlUlQmjEUfp6Mf7uH3ffnidH6Ls5tpj3Mm6e7xj98hawcxN7D5CnB2icIH/s1600/IMG_3876.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgL9AZbR3AVQFWxifprS0SB3E6NpRJyfp2nsxQthHg8n_cjGEOwUE-VkWXwYK8fPEsuRkLN8msRYKRKfW8Lw_dlUlQmjEUfp6Mf7uH3ffnidH6Ls5tpj3Mm6e7xj98hawcxN7D5CnB2icIH/s640/IMG_3876.JPG" width="640" /></a></div>
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L'Île Panorama</div>
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La Jeune fille aux Camélias</div>
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L'Enfer en bouteille</div>
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Palepoli</div>
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Une collision accidentelle sur le chemin de l'école peut-elle donner lieu à un baiser ?</div>
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Fraction</div>
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Cobra 1 à 6</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5QYyyRRihJ45r4Tj6LtX2DVls1YT9xPwJk0SHGUH1jQs8P3HdVL6YRWB7nzK_XUqUk3szzgkL2btmuBg4CBI-hZNvc2Bzdy-r64RoqUusLuP_aSQGcM8KCJ54o1EefpiODP2MnD10IIiD/s1600/IMG_3877.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5QYyyRRihJ45r4Tj6LtX2DVls1YT9xPwJk0SHGUH1jQs8P3HdVL6YRWB7nzK_XUqUk3szzgkL2btmuBg4CBI-hZNvc2Bzdy-r64RoqUusLuP_aSQGcM8KCJ54o1EefpiODP2MnD10IIiD/s640/IMG_3877.JPG" width="640" /></a></div>
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Sex and Fury</div>
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Cat's Eye 1 à 4</div>
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Devilman - Intégrale</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnDu5nL8anzr_bUc1HCE2vpD0MPLAEFrTe21WYoBIs-2sMAcRUybThH2H4qZdikDz9CQPTY7fCnsCp0TgYKSibseoaqUuE5IX1Cn-HK4CJEfG8HrkUrbPID3AlPuXpI1ukgvBAazFulndr/s1600/IMG_3878.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnDu5nL8anzr_bUc1HCE2vpD0MPLAEFrTe21WYoBIs-2sMAcRUybThH2H4qZdikDz9CQPTY7fCnsCp0TgYKSibseoaqUuE5IX1Cn-HK4CJEfG8HrkUrbPID3AlPuXpI1ukgvBAazFulndr/s640/IMG_3878.JPG" width="640" /></a></div>
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Spirale - Intégrale</div>
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Tomié - Intégrale</div>
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Les fruits sanglants</div>
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Le tunnel</div>
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Le mort amoureux</div>
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Black Paradox</div>
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Rémina la planète de l'enfer</div>
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La jeune fille perverse</div>
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Le voleur de visages</div>
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Hallucinations</div>
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La femme limace</div>
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Le maison de poupées</div>
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Le cirque des horreurs</div>
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La ville sans rue</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeIWTZdxPxzWaHFarU7W9quOjExZ6obu4f18uJPdiyXN63BHiyMrcSz0LsQGDgVKdaMHp944mCd4rTMrgth97CKMoGZQXJPkz17Fy9T-hFuZfAnAhWxBwKw_SAxYLkMhmbp3o5qAMW1n40/s1600/0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="576" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeIWTZdxPxzWaHFarU7W9quOjExZ6obu4f18uJPdiyXN63BHiyMrcSz0LsQGDgVKdaMHp944mCd4rTMrgth97CKMoGZQXJPkz17Fy9T-hFuZfAnAhWxBwKw_SAxYLkMhmbp3o5qAMW1n40/s640/0.jpg" width="640" /></a></div>
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Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-10019030721292966652015-12-16T13:35:00.000-08:002016-07-02T13:18:45.475-07:00Shaun of the Dead<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhK90z7wdqnkYsUXjMkM3kCGsdIqKhtJ4mvdfQE2bbRgSrp9kXQUX181SeTA_s1XhKMR7By0YMPO8dXToYhoIBdAxJq29F6FIm0oJiU_lHIVImqBh7Q9IUGB4mIqLgUMo13eGCUwYu3KlQ7/s1600/1.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="278" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhK90z7wdqnkYsUXjMkM3kCGsdIqKhtJ4mvdfQE2bbRgSrp9kXQUX181SeTA_s1XhKMR7By0YMPO8dXToYhoIBdAxJq29F6FIm0oJiU_lHIVImqBh7Q9IUGB4mIqLgUMo13eGCUwYu3KlQ7/s640/1.png" width="640" /></a></div>
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<i>Réalisé par Edgar Wright</i></div>
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Cet article contient des <b><span style="color: red;">spoilers</span></b>.<br />
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En son temps, George Romero avait tissé une habile critique de la société contemporaine à l'aide de son incontournable <b>Nuit des Morts Vivants</b> (1968), un film d'horreur qui se servait de son statut pour dénoncer entre autre la ségrégation ou les méfaits de la guerre. Environ trente ans plus tard, c'est un jeune britannique du nom d'Edgar Wright qui marque une nouvelle fois l'Histoire cinématographique à l'aide de son premier long-métrage, <b>Shaun of the Dead</b>, une comédie culottée qui, si elle s'éloigne de l'approche frontale utilisée par Romero, n'en demeure pas moins un portrait tout aussi acide de ce qu'est devenu le monde au début du XXIème siècle. De plus, Wright impose dès ce premier film un sens de la mise en scène qui pourrait être qualifié de ludique, sans oublier d'apposer sur l'ensemble une vision cohérente qui se retrouvera sur l'ensemble de son œuvre. Son premier film s'érige comme un croisement improbable entre les films gores du siècle dernier et un humour potache irrésistible que ne renieraient en rien les <b>Monty Python</b>.</div>
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<br /></div>
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Le personnage principal de cette (més)aventure offre son nom au titre du film. Shaun est un vendeur englué dans une vie morne et répétitive, tiraillé entre son travail de vendeur dans lequel il ne trouve aucun épanouissement, son meilleur ami avec qui il vit en colocation et sa fiancée qui commence à douter de la solidité de son couple. Alternant les journées jeux vidéo et les soirées passées dans un pub anglais typique, les journées et les bières défilent, identiques. C'est alors que survient l'impensable, une épidémie qui transforme la population en zombies : un événement extraordinaire qui va permettre à Shaun de se révéler à travers des péripéties qui évoqueront la plus vieille quête du monde, sauver la princesse prisonnière dans son château. Après avoir travaillé sur la fabuleuse série télévisée <b>Spaced</b>, aux côtés de Simon Pegg et Jessica Hynes, Edgar Wright retrouvera ses compères pour réaliser ce nouveau projet complètement fou d'invasion zombie. Fort de son expérience sur cette série, le réalisateur mettra son expérience au service de <b>Shaun of the Dead</b>, qui deviendra le premier volet de ce que l'on appelle désormais la <i>ice & cream trilogy</i>, que viendront plus tard compléter <b>Hot Fuzz</b> et <b>The End of the World</b>. Cette trilogie tire son nom d'un <i>running gag</i> qui surviendra dans chacun de ces films, qui verront les personnages, à un moment ou un autre, manger une glace, chaque fois d'une couleur différente. Dans ce premier film, la glace sera rouge, une référence évidente au sang qui coule par hectolitres dans les films d'horreur.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicBGVbY10oqgilxxE7q4NbICerGbU6-fFcz4EYJ8T7R01_R4A2BbXfqjCqEMXbEESxMfce915RbRGICrCdf1cSxJ8d_9Ph6Zv1fQY2qCG-tUTQiJWHD6l1Yulvko9qUwl9j9Gb_FY0F4-v/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicBGVbY10oqgilxxE7q4NbICerGbU6-fFcz4EYJ8T7R01_R4A2BbXfqjCqEMXbEESxMfce915RbRGICrCdf1cSxJ8d_9Ph6Zv1fQY2qCG-tUTQiJWHD6l1Yulvko9qUwl9j9Gb_FY0F4-v/s640/3.jpg" width="640" /></a></div>
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Ainsi, Simon Pegg et Jessica Hynes passent à nouveau devant la caméra, rejoints par un autre habitué de <b>Spaced</b>, le fantastique Nick Frost qui joue ici le colocataire de Shaun, un gars immature mais sympathique prénommé Ed. Le film se déroulera en trois actes majeurs : le premier présentera les prémices du monde de Shaun qui s'effondre (au sens propre comme au figuré), le second narrera la survie (ou pas) des protagonistes à travers une mégalopole infectée, et le dernier s'érigera comme un huis-clos désespéré rendant hommage aux films du genre. Pour raconter cette histoire, Edgar Wright adopte une mise en scène à la fois élégante et ludique, qu'il sublime par des trouvailles de montage ou de cadrage qui ne peuvent que ravir le spectateur. Ludique parce qu'elle sollicite constamment l'attention, car elle joue sur les parallèles et les références, comme le prouve d'office le générique d'ouverture, alignant les images descriptives du monde qui nous entoure, en soulignant ce que ce dernier fait de nous : des zombies (le tout sur l'incontournable morceau <b>The Blue Wrath</b> de <b>I Monster</b>). Wright joue avec les attentes du spectateur comme un marionnettiste sadique, comme lorsqu'il montre son personnage déambuler tel un cadavre, en poussant un bâillement qui sonne volontairement comme un râle de zombie. Ce comique, disons de référence, ponctue régulièrement le film, le réalisateur prenant un malin plaisir à citer les classiques du genre. Aussi, la mise en scène est ludique quand elle joue avec le spectateur, à travers le montage ou la répétition de séquences qui se répondent entre elles. Citons la scène emblématique, filmée en plan séquence, durant laquelle Shaun sort de chez lui au petit matin, traverse le quartier pour se rendre à l'épicerie, avant de retourner chez lui. Cette scène est filmée deux fois, une première version montre la situation de base, banale, avant l'épidémie. La seconde prend place plus tard, quand les rues sont envahis de zombies, ce qui passe totalement au dessus d'un Shaun à l'esprit embrumé par une nuit alcoolisée. Il est alors très intéressant de relier les actions qui émaillent ces deux scènes, afin de créer soi-même l'aspect comique de la situation, là où quelqu'un qui ne ferait pas le lien passerait outre les gags qui parsèment la séquence. Revoir le film offre à chaque vision de nouveaux détails, comme la caissière du générique qui devient le zombie du jardin que croiseront Shaun et Ed, ou croiser ici Martin Freeman échappé de <b>The Office</b>. Et puis il y a toutes les références dites méta, que le spectateur peut entendre dans les dialogues, comme lorsqu'Ed annonce au début du film qu'il pourrait vivre comme un animal, dans un cabanon, une phrase qui adoptera un nouveau sens pour qui aura vu la fin du film. Ou quand Ed rassure Shaun, après sa rupture, en lui disant que ce n'est pas la fin du monde. Alors que ça l'est. Sans oublier les références directes, comme cette petite annonce qui cite le restaurant Fulci, un hommage évident au réalisateur Lucio Fulci, spécialiste de l'horreur. Citons enfin, et c'est absolument génial, le monologue prémonitoire de Nick Frost qui cite clairement tout le déroulement du film à travers des noms de boissons (un gag qui ne fonctionne qu'en anglais, basé sur des mots à double sens).</div>
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Toute la grammaire cinématographique du film s'articule autour de cet héritage issu du cinéma horrifique, visuellement, bien sûr, en termes de rythme et de construction des scènes aussi, sans oublier la bande-son, fortement influencé par les compositions de John Carpenter, <b>The Thing</b> en tête. Signée Daniel Mudford et Pete Woodhead, elle se construit sur des nappes atmosphériques couplées à des bruitages directement échappés des années 80. En s'imposant comme un accompagnement sonore destiné à créer une ambiance, les morceaux ne sont pas mélodiques et restent difficilement en tête; pourtant chaque piste accompagne à merveille les situations et personnages. D'autres morceaux issus de la pop ou du rap habillent le métrage, de <b>Queen</b> à <b>Duran Duran</b>, ce qui offre au film quelques moments savoureux de respiration, le long-métrage de Wright n'hésitant pas à jongler entre les styles, du suspense au comique, sans transition aucune.</div>
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<br /></div>
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Outre cette approche ludique que <b>Shaun of the Dead</b> distille de la première à la dernière seconde, le film pose un regard critique sur la société, en faisant de la consommation et des liens sociaux les cibles de sa fureur. Le réalisateur compare le peuple à ces zombies hagards et désemparés, piégés dans un cycle de consommation perpétuel, englué dans cette boucle sans fin que la société impose : réussite amoureuse, professionnelle et personnelle. Au regard des objectifs fixés par la société, Shaun est un perdant. Sa relation amoureuse prend l'eau, il n'est pas propriétaire (il vit en colocation avec deux amis), sa carrière ne décolle pas (ses "collègues" le prennent de haut), sa vie est un échec, symbolisé par la stagnation et l'immaturité incarnées par le personnage de Ed. C'est cette stagnation, cette boucle, que le réalisateur dénonce tout au long du film, une boucle qui prend forme à l'écran par le retour à la case départ des personnages, au Winchester, le pub qui s'érige en centre névralgique de tout le récit. Cet immobilisme deviendra l'un des thèmes majeurs d'Edgar Wright, du village figé de <b>Hot Fuzz</b> à la répétition inexorable des ex à détruire dans <b>Scott Pilgrim VS the World</b> (sur un scénario de Bryan Lee O'Malley), jusqu'à ce que le réalisateur parvienne à une conclusion (provisoire ?) sur cette thématique dans <b>The End of the World</b>. La société de consommation est aussi dans la ligne de mire du réalisateur, ce n'est pas un hasard si le premier zombie auquel se confronte Shaun est une caissière, ni si lui-même est vendeur ou que l'on croise un mendiant qui fait la manche (qu'il soit humain ou zombie). La communication est, selon Edgar Wright, l'un des outils qui concourt à la "<i>zombification</i>" de la société, comme l'illustre une nouvelle fois le générique, quand tous les gens utilisent leurs portables en même temps (des gens que l'on reverra plus tard grimés en morts-vivants), ou l'utilisation des médias dans le film (dont tous les présentateurs existent d'ailleurs) qui conseillent aux gens de restez chez eux, alors que ce faisant, Shaun et Ed seraient dévorés. Il faut d'ailleurs signaler que, comme dans les films de Romero, l'origine de l'épidémie n'est jamais expliquée.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitXYxE-X7OqzUBB0bvusxzUAiQLHAxXJLGX2eaUrNQCcxQXxdYxK3TaLBBU_zr-njGLYQnUpaROTE7EiCVqlnzKAR1uIQNPA7dmzUX9Yk6D8_GOzc2t_vt6h7_ab98Agbk2tSDeyy2j9Th/s1600/4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="220" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitXYxE-X7OqzUBB0bvusxzUAiQLHAxXJLGX2eaUrNQCcxQXxdYxK3TaLBBU_zr-njGLYQnUpaROTE7EiCVqlnzKAR1uIQNPA7dmzUX9Yk6D8_GOzc2t_vt6h7_ab98Agbk2tSDeyy2j9Th/s640/4.jpg" width="640" /></a></div>
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En resserrant son intrigue autour d'un personnage et de son cercle d'amis, le spectateur se prend d'affection pour des personnages qui, bizarrement, ne sont pas des modèles (ce que l'on retrouvera une fois encore dans les autres films du réalisateur). Pourtant, en dépeignant leurs défauts, leur égoïsme, Edgar Wright parvient à les rendre attachants : il attire le spectateur à l'intérieur de ce cercle d'amis, de manière à créer un lien entre ce dernier et ces personnages criblés de défauts. Il existe un contraste saisissant entre le monde que dépeint Wright, un monde d'insouciance principalement représenté par Ed (jeux vidéo et blagues potaches), qui se veut aussi être un monde de liberté, loin des contraintes de la société. Pete, le colocataire du duo principal, est un homme droit dans ses bottes, carré, qui ne vit avec Ed et Shaun qu'en souvenir du bon vieux temps. Il fait partie de la société, il fait ce que l'on attend de lui, ainsi il deviendra rapidement l'un des premiers zombies du film. Quand Ed fera à son tour ce que l'on attend de lui, à la fin du métrage, son sort ne sera pas plus enviable, si l'on excepte cette conclusion qui se pastiche elle-même, en citant<b> Le Jour des Morts-Vivants</b> (George Romero, 1985), rappelant ainsi une dernière fois que zombie ou humain, la différence n'existe pas vraiment dans un système qui fait de chaque élément un cadavre ambulant.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuRsW8aAjtS7hlqGAeR1_UI51ngzUIaQsd8yCSAUOzOkrLDJBEtDeTH8nVYg3RiOx7rlXMyj394OfH10L2BHsPt6tqgysqeGYMSaVuOQc65upAhQAlBDTW3j1aixVmlGKYGhgGv21gzwSv/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuRsW8aAjtS7hlqGAeR1_UI51ngzUIaQsd8yCSAUOzOkrLDJBEtDeTH8nVYg3RiOx7rlXMyj394OfH10L2BHsPt6tqgysqeGYMSaVuOQc65upAhQAlBDTW3j1aixVmlGKYGhgGv21gzwSv/s640/2.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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En se parant d'un humour référentiel salutaire qui jamais n'évince une critique acerbe mais juste, le premier épisode de la<i> ice & cream trilogy</i> s'impose sans mal comme une référence du genre, le plus compliqué étant de justement définir ce genre. Comédie, film gore, huis-clos, pamphlet, les facettes de <b>Shaun of the Dead</b> sont multiples, et toutes pertinentes. Porté par des acteurs épatants et un réalisateur ingénieux, le long-métrage transmet la passion sincère de tous les artisans qui ont œuvré sur le projet. En détournant les codes du cinéma horrifique et la comédie britannique, Edgar Wright donne vie à un film punk dans l'âme, crachat virulent lancé à la face d'une génération Apple qui, en cherchant à se démarquer des autres, ne fait que plonger dans le moule du conformisme dicté par la société.</div>
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<b><span style="color: red;"><a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a></span></b>Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-3241543504865425842015-12-16T13:17:00.000-08:002016-07-04T11:33:20.247-07:00ATTENTES 2016<br />
Voici les attentes pour l'année 2016 :<br />
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<b><span style="color: #c27ba0; font-size: large;">CINÉMA</span></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0AdRmus-D7MplUJZVzfZvsnNxXDiQ5OJVKrEXNre01arfKWZ_qoVgy5CZ6oWkJgaV85Jkzw8wYn2PaEvjMoP8vJQl8I5nnqBNQJWh6zPGYlJ0rHo4lvX54SiPGSElA2ntLGsuSKATgUAn/s1600/tnd.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0AdRmus-D7MplUJZVzfZvsnNxXDiQ5OJVKrEXNre01arfKWZ_qoVgy5CZ6oWkJgaV85Jkzw8wYn2PaEvjMoP8vJQl8I5nnqBNQJWh6zPGYlJ0rHo4lvX54SiPGSElA2ntLGsuSKATgUAn/s640/tnd.jpg" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>The Neon Demon</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Nicolas Winding Refn</i></div>
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<div style="text-align: justify;">
Nicolas Winding Refn, l'archétype même du réalisateur que l'on adule ou que l'on rejette totalement. Une description certes clichée mais diablement juste tant les films du metteur en scène s'accompagnent de clivages surréalistes. Si l'on excepte <b>Drive</b>, succès critique et public, les travaux de Refn développent la narration visuelle et symbolique. Les images, techniquement et artistiquement toujours parfaites, illustrent des histoires basiques qui deviennent alors, sous sa caméra, de véritables expériences cinématographiques. <b>The Neon Demon</b> s'annonce clairement comme l'aboutissement de cette démarche.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5IAOClTnNHwFB6fKJMs9D_A9zv2XzGqtl3zSwW_x-z67n4zJU1jUSZY9me29wAzmGOfq4GczsjbWxkZvuvL9AmBISDclKHucqqCP1IvZ1LQ-7C5mnwGTA1Kv8a_M-JLHPrtXuaCAxdK1Q/s1600/NEtRijw1C7O4wx_2_a.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="336" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5IAOClTnNHwFB6fKJMs9D_A9zv2XzGqtl3zSwW_x-z67n4zJU1jUSZY9me29wAzmGOfq4GczsjbWxkZvuvL9AmBISDclKHucqqCP1IvZ1LQ-7C5mnwGTA1Kv8a_M-JLHPrtXuaCAxdK1Q/s640/NEtRijw1C7O4wx_2_a.jpg" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>The Conjuring 2 : Le Cas Enfield</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>James Wan</i></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Après avoir renouvelé avec brio le cinéma horrifique (<b>Saw</b>, 2003), James Wan a démontré sa maîtrise du genre en proposant régulièrement des films qui, s'ils ne dynamitent pas toujours le cinéma (et encore), se présentent comme des films d'horreur efficaces conçus avec une passion évidente. S'il se diversifie peu à peu en explorant de nouvelles voies (le commercial avec <b>Fast & Furious 7</b>, le genre super-héroïque via <b>Aquaman</b>), le réalisateur ne peut s'empêcher de revenir à ses amours de jeunesse, comme la prouve la sortie du second épisode de l'excellent <b>The Conjuring</b>. Annoncé comme un ride particulièrement efficace et viscéral, le film se base sur le célèbre cas Enfield, qui a en son temps défrayé la chronique.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZ-f7pTsfC_TzrlqRZ0cotuFtNrNkXyP4w8aq7_B2hnD1yqEyeB_WInfiWSDEZtUQ2x7M6Wmh4H4THD3N10tAO0kWh1UQl-G0sIhvwXrkPIScPQAxSDouHZ_ZIIkF9Hg6tlxcCPNoGksA7/s1600/8713efad5a984da39e8c2484c19a8b6c.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZ-f7pTsfC_TzrlqRZ0cotuFtNrNkXyP4w8aq7_B2hnD1yqEyeB_WInfiWSDEZtUQ2x7M6Wmh4H4THD3N10tAO0kWh1UQl-G0sIhvwXrkPIScPQAxSDouHZ_ZIIkF9Hg6tlxcCPNoGksA7/s640/8713efad5a984da39e8c2484c19a8b6c.jpg" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>Miss Peregrine et les enfants particuliers</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Tim Burton</i></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Suite à un <b>Big Eyes </b>rafraîchissant, symbole de renaissance artistique pour le génial créateur d'<b>Edward Scissorhands</b>, Tim Burton adapte un roman qui semblait écrit pour lui : <b>Miss Peregrine et les enfants particuliers</b>, de Ransom Riggs (2011). Une nouvelle fois démiurge d'un monde-bulle peuplé d'enfants aussi bizarres qu'attachants, Burton travaille une nouvelle fois avec sa nouvelle muse, l'énigmatique Eva Green, qui décidément n'a jamais autant brillé que depuis qu'elle côtoie le génie dément. Les premières images laissent augurer un voyage atypique, en espérant que le résultat soit, une nouvelle fois, à la hauteur.</div>
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<div style="text-align: center;">
<span style="color: #c27ba0; font-size: large;"><b>SÉRIES</b></span></div>
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<span style="text-align: justify;"><br /></span>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;">
<img height="427" src="https://i.kinja-img.com/gawker-media/image/upload/s--1ynz4zHi--/c_scale,fl_progressive,q_80,w_800/sertkivxfghzetxpdhm6.jpg" width="640" /></div>
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<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: center;">
<b><br /></b>
<b>Emerald City</b></div>
<div style="text-align: justify;">
Le brillant, mais discret, Tarsem Singh, est l'auteur de l'un des films les plus incroyables de l'histoire du cinéma, à savoir <b>The Fall</b>, son second long-métrage. Ne cessant d'étudier les rapports étroits qui naissent entre la narration et l'esthétisme, le metteur en scène a une passion : les histoires. Il aime raconter. Qu'il revisite la mythologie avec un sens de la grandiloquence majestueux, ou qu'il réinterprète les contes à sa sauce (respectivement avec <b>Immortals </b>et <b>Mirror Mirror</b>), Tarsem Singh tisse ses films avec un amour évident. Après Selfless, sa dernière réalisation pour le grand écran, l'auteur se lance dans le monde de la télévision, afin d'apposer la vision sur le mythique récit du pays d'Oz. <b>Emerald City</b> s'annonce resplendissant.<br />
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<div style="text-align: center;">
<span style="color: #c27ba0; font-size: large;"><b>JEUX VIDÉO</b></span></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBdgWftHQOtHPl5L6-n8N2fwS5lkm80P_-aj5z8qx8dVxVoQvDiyd-NIAAKIceR1Lheb7OpC8pOx5bNJVImMConVjPY-a2tgJ8_vYhUniK1eAxkYZJ2hiVlOmBL3NVI37jKmcym_D3bi9k/s1600/Persona-5-Trailer-2.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="354" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBdgWftHQOtHPl5L6-n8N2fwS5lkm80P_-aj5z8qx8dVxVoQvDiyd-NIAAKIceR1Lheb7OpC8pOx5bNJVImMConVjPY-a2tgJ8_vYhUniK1eAxkYZJ2hiVlOmBL3NVI37jKmcym_D3bi9k/s640/Persona-5-Trailer-2.png" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>Persona 5</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>ATLUS</i></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Souvent repoussé, pour ajouter du contenu, pour être fignolé et changer de génération de console, la <i>Persona Team</i> nous promet un cinquième épisode qui va dynamiter la saga comme l'a fait le troisième opus en son temps. Bénéficiant d'un chara-design de Shigenori Soejima, qui signe ici des personnages parmi les plus beaux qu'il n'a jamais dessiné (regardez Makoto Niijima et le personnage principal, bon sang !), et d'un concept qui permettra de creuser un peu plus la psyché humaine, le jeu promet de sacrés moments de bravoure à travers des donjons aussi exotiques que surprenants. Le soft s'annonce déjà comme une réussite incontestable capable de mettre à profit les meilleurs éléments issus de <b>P3FES</b> et de <b>P4 : The Golden</b>.</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhy0OsF9uomX2PVEmrDaLRoUXAZUSDxkXBm4N2VFhMlWs_0zzuFw8m6Cemz3Bb0NvyX0IZW9m_1i5W4yWWd14O4M7bLEahd9Ge4E4bOMR4BQyt0cRuY3j_rQQ3JgsbuFPJLjWdcGKuaysbx/s1600/ace-attorney-6-bg-636x369.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="370" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhy0OsF9uomX2PVEmrDaLRoUXAZUSDxkXBm4N2VFhMlWs_0zzuFw8m6Cemz3Bb0NvyX0IZW9m_1i5W4yWWd14O4M7bLEahd9Ge4E4bOMR4BQyt0cRuY3j_rQQ3JgsbuFPJLjWdcGKuaysbx/s640/ace-attorney-6-bg-636x369.jpg" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>Ace Attorney 6</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Capcom</i></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Après un cinquième épisode qui côtoyait les cimes de la perfection, <i>Capcom </i>annonce un nouvel opus qui semble miser sur la nostalgie : l'attachant Phœnix va retrouver son amie Maya Fey, à l'occasion d'un voyage bien loin du Japon. Abordant une nouvelle fois le thème de la justice, et toutes les questions morales qui y sont liées, le sixième épisode d'<b>Ace Attorney</b> confirmera, ou non, la réussite de la nouvelle voie narrative empruntée par l'équipe de développement.</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaXo44Xkww3cfhpcyf4HKvDDvvv8-jW6pD3i1U96JS33AeRQw4IboVZGDmo7J9o0bZH9z5ZQ-oXRODCKJ0RJuam1VMAZe8rkxijgs4tZjCm3Yj_-a47KxmdmX6_-2lFoh6HjgQTt_FSzo3/s1600/finalfantasy-1400-ed.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="334" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaXo44Xkww3cfhpcyf4HKvDDvvv8-jW6pD3i1U96JS33AeRQw4IboVZGDmo7J9o0bZH9z5ZQ-oXRODCKJ0RJuam1VMAZe8rkxijgs4tZjCm3Yj_-a47KxmdmX6_-2lFoh6HjgQTt_FSzo3/s640/finalfantasy-1400-ed.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>Final Fantasy XV</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Square Enix</i></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Il arrive. Après dix années éreintantes d'un développement aussi difficile que rigoureux, le dernier joyau de la fantaisie finale s'apprête à déferler sur le monde. Pour l'occasion, <i>Square Enix</i> fait les choses en grand : doubleurs prestigieux, série animée, long-métrage, mini-jeux déclinés sur portable, bande-son titanesque composée par Yoko Shimomura, tout est là pour faire de <b>Final Fantasy XV</b> une pierre qui marquera à jamais l'Histoire encore jeune des jeux vidéo. Il arrive.</div>
<br />
A visionner absolument, en plein écran, avec les enceintes qui font vibrer les murs :<br />
https://www.youtube.com/watch?v=PoChaKZJwHM<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
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<div style="text-align: center;">
<span style="color: #c27ba0; font-size: large;"><b>COMICS</b></span></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjl_wq9NAoqM_ePh5wqtu2tlCNUVU_Ct1Qko-ijsMGabbIBNeunHdxzmMzY7XYqCM6afzQBS56BgDY_1cNeP-KfOTiU8MKIprbOnLE7L9a5K2zisjeJzbFgQin6dzDQKlfINcX6fuSn_zHt/s1600/planetarybrjpg-5cc5da_1280w.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjl_wq9NAoqM_ePh5wqtu2tlCNUVU_Ct1Qko-ijsMGabbIBNeunHdxzmMzY7XYqCM6afzQBS56BgDY_1cNeP-KfOTiU8MKIprbOnLE7L9a5K2zisjeJzbFgQin6dzDQKlfINcX6fuSn_zHt/s640/planetarybrjpg-5cc5da_1280w.jpg" width="640" /></a></div>
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<br />
<div style="text-align: center;">
<b>Planetary</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Warren Ellis</i></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
2016 va vous fâcher avec votre banquier, tant les sorties de qualité vont s'enchaîner à un rythme indécent. Du Grant Morrison en pagaille (<b>Zenith </b>!!), de l'Alan Moore, la renaissance de MARVEL, et j'en passe. Dans le lot, Warren Ellis brille un peu plus fort que les autres grâce à son <b>Planetary</b>, son œuvre somme qui s'impose sans difficulté comme l'une de ses réussites les plus absolues. C'est intelligent, beau, les thématiques et hommages sont en surnombre, et la conclusion reste aujourd'hui encore d'une puissance évocatrice rare. Ce sera disponible chez <i>Urban Comics</i>, en plusieurs intégrales, et c'est indispensable.</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxtaW6vljw0GzSUO0Gzdd_eTh6WGhUhLC1BLVqwb5DrKHN5V8HcOTSW3SDpUeFNaphmhBt4nGf0exClEylmaAHMSBQayUi24-A8IGjl63smA8ow5Gs4VWRPv36e76nvO_z9dG1XgHUctHt/s1600/COIE-une3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="336" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxtaW6vljw0GzSUO0Gzdd_eTh6WGhUhLC1BLVqwb5DrKHN5V8HcOTSW3SDpUeFNaphmhBt4nGf0exClEylmaAHMSBQayUi24-A8IGjl63smA8ow5Gs4VWRPv36e76nvO_z9dG1XgHUctHt/s640/COIE-une3.jpg" width="640" /></a></div>
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<br />
<div style="text-align: center;">
<b>Crisis on Infinite Earths</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Marv Wolfman</i></div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Un autre indispensable, c'est ce récit de chez <i>DC Comics</i>, qui a complètement chamboulé l'industrie. Toujours chez <i>Urban</i>, nous aurons enfin droit à un écrin de qualité pour cette histoire charnière dans l'Histoire de la bande-dessinée, qu'elle soit américaine ou pas. Un récit à ranger aux côtés d'<b>Infinite Crisis</b>, de <b>Final Crisis</b> et de <b>Multiversity</b>.</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHIoJWcTc5LFHErUxOv2HEOdX3ziTuGPxjW9DTO4fG8hzl4MFij3C-CFKtrysJD9MNf1hjro3-kN1TD9aIWnfbIaFacsq331rHX6D460QxIrNzkfwn2NWTitcvejdK1wdBcj4j-sZxWl33/s1600/SevenEternity_Main.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="358" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHIoJWcTc5LFHErUxOv2HEOdX3ziTuGPxjW9DTO4fG8hzl4MFij3C-CFKtrysJD9MNf1hjro3-kN1TD9aIWnfbIaFacsq331rHX6D460QxIrNzkfwn2NWTitcvejdK1wdBcj4j-sZxWl33/s640/SevenEternity_Main.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>Seven to Eternity</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Rick Remender</i></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
On ne sait pas grand chose sur le nouveau projet de ce fou furieux de Remender, si ce n'est deux choses : ça parlera de dark fantasy, et Opeña se pointe aux dessins. Autant dire que je vais devoir surveiller le dark web à la recherche de nouveaux reins.</div>
<br />
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<div style="text-align: center;">
<b><span style="color: #c27ba0; font-size: large;">MANGAS</span></b></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBg_BPxScHp1PrB3dbgAF0TJVxuLicTVGtEQXwlAc1ERRPai7i7ReHKd-Lpqll29cR74YrILd3sYuvNEA4cBnrZ8HjTzrknGfPZ_UjfCLYlly4VeX3Xw2Ns4pqgidDIYgTkSQjNsK7KWTq/s1600/4806519_3_8561_mirai-et-nacha-heros-du-manga-platinum-end_a4285e2ee78a32d2074cf8cedf891043.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBg_BPxScHp1PrB3dbgAF0TJVxuLicTVGtEQXwlAc1ERRPai7i7ReHKd-Lpqll29cR74YrILd3sYuvNEA4cBnrZ8HjTzrknGfPZ_UjfCLYlly4VeX3Xw2Ns4pqgidDIYgTkSQjNsK7KWTq/s640/4806519_3_8561_mirai-et-nacha-heros-du-manga-platinum-end_a4285e2ee78a32d2074cf8cedf891043.png" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>Platinum End</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Tsugumi Oba</i></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Le duo à l'origine de <b>Death Note</b> revient avec un concept qui risque de chambouler une nouvelle fois la sphère manga. Délaissant le thanatos pour se consacrer à l'eros, <b>Platinum End</b> parlera du combat que mènent les Anges pour trouver un humain capable de remplacer Dieu. Tout un programme, dont nous sommes curieux de connaître les tenants et aboutissants.</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilOfIMN-WuJmlbf0gHXgXta6a4-hBTHJFUNn2ls0-ip3WPln_MzXhDXr368cUxI9uOD8AlHIEXXH5qfd9slqvOnfsS9nFP4CDn5ITlV8JP_GocEhixml_zbSAgnrt_bfCRUK3tD-WXkPoQ/s1600/Capture-d%25E2%2580%2599%25C3%25A9cran-2014-08-14-%25C3%25A0-11.44.21.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="354" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilOfIMN-WuJmlbf0gHXgXta6a4-hBTHJFUNn2ls0-ip3WPln_MzXhDXr368cUxI9uOD8AlHIEXXH5qfd9slqvOnfsS9nFP4CDn5ITlV8JP_GocEhixml_zbSAgnrt_bfCRUK3tD-WXkPoQ/s640/Capture-d%25E2%2580%2599%25C3%25A9cran-2014-08-14-%25C3%25A0-11.44.21.png" width="640" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>Shintaro Kago</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Le trop rare (et trop déviant) Shintaro Kago sera à l'honneur aux <i>Éditions IMHO</i> avec deux anthologies à paraître en 2016 (ou 2017). <b>L'Extase de la chair à canon</b> et <b>La grande invasion mongole</b> risquent bien d'imprégner nos rétines de trouvailles visuelles et narratives incroyables, sans oublier de salir notre santé mentale.</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWXxQqIBLlgB1mAEz9kMCMCECl7NzhS4_OWcNDiTQEqq9czhXl1wfz1mEapBxpxHPl8YtxeJkThX8XpYwTwLX8rzs-tfbQCyfaScr5ZhA3ieuwWDVXzByV1GXaposskBluLKekHCLjgAJm/s1600/Gunnm-Rusty-Angel2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="386" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWXxQqIBLlgB1mAEz9kMCMCECl7NzhS4_OWcNDiTQEqq9czhXl1wfz1mEapBxpxHPl8YtxeJkThX8XpYwTwLX8rzs-tfbQCyfaScr5ZhA3ieuwWDVXzByV1GXaposskBluLKekHCLjgAJm/s640/Gunnm-Rusty-Angel2.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<b>GUNNM</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Yukito Kishiro</i></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Le retour d'une saga culte, enfin, après des années de bataille juridique pour l'obtention du renouvellement de l'exploitation des droits sur le territoire français. Impact prévu à la fin de l'année, sans oublier la publication de <b>Mars Chronicle</b>, la suite / flashback des aventures de Gally, ainsi que de l'artbook officiel, <b>Ars Magna</b>.</div>
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<div style="text-align: center;">
<span style="color: #c27ba0; font-size: large;"><b>ROMANS</b></span></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilCBHQ6jLD1cIFBL-p0iLN1quZwzgwwv_1HwHAhvEkenmOaupHUX3XqQlMuopqwBvd-kSjoO3w8yUw0qqGFNiNF6In0J4XMaYLp3a45bEBiNIe0hk1P4YgQRaXahso7VJKzZmwRxDZ4pRx/s1600/alan-moore-jerusalem-178637-640x320.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilCBHQ6jLD1cIFBL-p0iLN1quZwzgwwv_1HwHAhvEkenmOaupHUX3XqQlMuopqwBvd-kSjoO3w8yUw0qqGFNiNF6In0J4XMaYLp3a45bEBiNIe0hk1P4YgQRaXahso7VJKzZmwRxDZ4pRx/s640/alan-moore-jerusalem-178637-640x320.jpg" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>Jerusalem</b></div>
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<i>Alan Moore</i></div>
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Il est probable que le roman ne débarque en France qu'en 2017, étant donné que le projet pharaonique d'Alan Moore (2000 pages !) nécessitera un temps conséquent alloué à la traduction. Sorte de suite thématique de son roman précédent, le déjà très ambitieux <b>La Voix du Feu</b>, <b>Jerusalem </b>se destine à devenir l'écrin des tourments de son auteur : un livre dans lequel l'imagination et la magie se mêlent perpétuellement, un livre dont les protagonistes sont autant d'entités immortelles que les interrogations qu'ils symbolisent. Prévoir quelques soirées pour achever, et digérer, la lecture de ce pavé mystique.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNI6PLK6u2TcbHk-2uu8Jma1guTmYIFhkvZWAPM5xFvx_lzpuCHfVYFRjVaekVW8pKqLgGMGhUVA0iVjO39m2AVbh5mYzoJECv1_ZemzOOeh9jttu9YrDIkzDzso-u5yoC8DrJQq0GWHi2/s1600/la-horde-du-contrevent-426534.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="438" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNI6PLK6u2TcbHk-2uu8Jma1guTmYIFhkvZWAPM5xFvx_lzpuCHfVYFRjVaekVW8pKqLgGMGhUVA0iVjO39m2AVbh5mYzoJECv1_ZemzOOeh9jttu9YrDIkzDzso-u5yoC8DrJQq0GWHi2/s640/la-horde-du-contrevent-426534.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>Café fusion</b></div>
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<i>Alain Damasio</i></div>
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Son roman précédent incarnait un voyage à la fois mystique et littéraire. Outre son imagination débordante capable de donner vie aux concepts les plus incroyables, Alain Damasio possède aussi le don des mots. Il combine et assemble les lettres avec une grâce incomparable, sous sa plume la langue française s'envole vers des sommets inexplorés, pour le bonheur de ses lecteurs. Pour aller plus loin, l'écrivain signe donc <b>Café fusion</b>, un roman d'anticipation pour lequel il a détourné les codes du langage, inventant des mots, s'appropriant l'évolution de la langue elle-même, sans oublier la promesse de faire rêver, via un scénario qui s'articule autour d'une drogue révolutionnaire capable de transcender la réalité. Vite, on le veut !</div>
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(L'image est issue du projet d'adaptation trans-média avorté de <b>La Horde du Contrevent</b>)</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMDKZz5m1hmPow4QKM-NQSM9R51t6zA6q_4-AOZUMpINxJmO4Uqtz7oxgT6AyEhgCvdiXI_iAYUNgUQEyPumX5V13vsBrGnvNQJ-6el-GNmHPI0OADnGzTAQVL1ojJtQSYJkWMx4K98R1z/s1600/Chamber-Of-Secrets.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMDKZz5m1hmPow4QKM-NQSM9R51t6zA6q_4-AOZUMpINxJmO4Uqtz7oxgT6AyEhgCvdiXI_iAYUNgUQEyPumX5V13vsBrGnvNQJ-6el-GNmHPI0OADnGzTAQVL1ojJtQSYJkWMx4K98R1z/s640/Chamber-Of-Secrets.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>Harry Potter</b></div>
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<i>J.K. Rowling</i></div>
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Inutile, je pense, de présenter l'auteur et son chef-d'œuvre intemporel. La saga du sorcier balafré revient donc à raison d'un tome par an, dans une luxueuse édition illustrée par le talentueux Jim Kay. Renouvelant avec une aisance délicieuse la direction artistique des films, imprégnée dans l'imaginaire collectif, l'artiste confère offre au récit une renaissance à sa hauteur. En 2016 sortira le second tome de cette collection, <b>Harry Potter et la chambre des secrets</b>.</div>
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Aussi, le huitième sortira sous la forme d'une pièce de théâtre.</div>
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Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-56150119079158733962015-11-18T13:07:00.000-08:002016-07-02T13:19:20.997-07:00Hot Fuzz<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_ckixdhVyJnagpdxEE8CgHelGvB6alNLJRWKwgrRVLYairqVt9SgQyqAQuKVKVnaNbd3YCbd95wJnEv3sR8cUd4G4znatTqznf8AYG5GFBDXYv-5Ad8MBqVU-zP01H8JdFvwBMX6a1mbk/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_ckixdhVyJnagpdxEE8CgHelGvB6alNLJRWKwgrRVLYairqVt9SgQyqAQuKVKVnaNbd3YCbd95wJnEv3sR8cUd4G4znatTqznf8AYG5GFBDXYv-5Ad8MBqVU-zP01H8JdFvwBMX6a1mbk/s640/1.jpg" width="640" /></a></div>
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<i>Réalisé par Edgar Wright</i></div>
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Cet article contient des <b><span style="color: red;">spoilers</span></b>.<br />
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Après avoir dépoussiéré les films de morts vivants avec une irrévérence délicieuse, Edgar Wright retrouve ses compères Simon Pegg et Nick Frost pour une seconde aventure tout aussi audacieuse. <b>Hot Fuzz</b> est le second opus de ce que l'on nomme communément la <i>ice & cream trilogy</i>, un trio de longs métrages s'aventurant dans l'exercice dangereux de l'hommage envers des genres cinématographiques ciblés. Après le film de zombies, le réalisateur s'attaque au film d'action hollywoodien (la glace, récurrente dans chacun de ces films, sera ici bleue, en référence à la couleur qu'arborent les forces de l'ordre), mais pas de la manière la plus évidente : en effet, Edgar Wright va rapidement prendre le spectateur à contre-pied à travers une introduction aussi fonctionnelle qu'hilarante. Nicholas Angel (joué par Simon Pegg) est le meilleur policier londonien, tout lui réussit, si l'on excepte sa vie sentimentale, qu'il délaisse justement au profit de son travail. Rapidement, le personnage se retrouve exilé de la capitale anglaise, pour finalement atterrir dans le petit village de Sandford situé dans le Gloucestershire, un comté relativement rural. Le metteur en scène va alors placer son personnage infaillible dans cette petite commune isolée au sein de laquelle la vie suit son cours, le seul mystère vraiment notable s'incarnant dans la disparition d'une oie. Mais le jeu sur les apparences est l'un des exercices préféré d'Edgar Wright, qui va s'amuser à livrer un film haletant, articulé autour d'un complot qui peu à peu prend forme à mesure que surviennent d'étranges accidents.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrFrQvR31kQNLt0kdOjXHETutdJcUE883Hr0TPxxqMHsPIQXjCzCXj_02WeFnEkTymtt5M06L8kBXUoPA8TnNrFbJJw7_1hfnQhMXpnspx-t6lQz7HR3d-0bk9msVSrO67kbNZQFK9r1-m/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="398" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrFrQvR31kQNLt0kdOjXHETutdJcUE883Hr0TPxxqMHsPIQXjCzCXj_02WeFnEkTymtt5M06L8kBXUoPA8TnNrFbJJw7_1hfnQhMXpnspx-t6lQz7HR3d-0bk9msVSrO67kbNZQFK9r1-m/s640/2.jpg" width="640" /></a></div>
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Après des années passées à engloutir des <b>Point Break </b>(Kathryn Bigelow, 1991), <b>Bad Boys </b>(Michael Bay, 1995) et autres <b>Die Hard </b>(John McTiernan, 1988), la joyeuse équipe anglaise maîtrise désormais les codes, les clichés et la construction narrative de tous ces films d'action qui ont bercé leur adolescence. Edgar Wright a aussi potassé le livre <b>The Little Book of Hollywood Cliches</b> de Robert Ebert, qui propose un état des lieux de tous les <i>gimmicks </i>qui se retrouvent d'un film à l'autre. Et à l'image du travail effectué sur <b>Shaun of the Dead</b>, jamais ils ne vont enfourcher la monture du cynisme propre au vingt-et-unième siècle, lui préférant une approche teintée d'un amour démesuré pour le genre et le cinéma en général. La prémisse du long-métrage est d'une banalité confondante, le spectateur étant invité à suivre un couple de policiers que tout oppose, qui vont finalement se comprendre et entrer en symbiose à mesure qu'ils franchissent des épreuves prévues pour façonner leur psyché et accentuer leur évolution. Bien évidemment, Edgar étant ce qu'il est, le réalisateur va prendre un malin plaisir à détourner ce cliché, en y apposant une couche d'humour anglais exquis et des références ludiques en cascade. Nicholas Angel et son comparse Danny Butterman (l'excellent Nick Frost), seuls contre le reste du monde, littéralement, étant donné la nature même de la menace qui pèse sur Sandford. Un duo autour duquel gravitent une pléthore de rôles secondaires nécessaires et cohérents, jusque dans la révélation finale qui s'érige comme un hommage appuyé et efficace au roman <b>Le Crime de l'Orient Express</b>, d'Agatha Christie (1934). Wright tisse un réseau de personnages qui se distinguent tous par une mimique, un caractère, une particularité (le gérant de la supérette qui joue sur les sous-entendus, la policière portée sur les jeux de mots coquins, le colosse nigaud qui ne s'exprime que par des onomatopées, et ainsi de suite), sur lesquels le spectateur porte ses soupçons, se prenant au jeu proposé par le film.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj33bskjZMn_wYn_TmQf3rhrsB9wyQYT_oSncm2njv1X6DrEWnicYekTAkSV4vctX3EPQAPP3PG0NqFH4CvgQ3U5u5CqDIOp7KJs4xj_kBdPNsnDPz1Gxul5Rz5ieWTWHPpucSrrnPPA4r/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj33bskjZMn_wYn_TmQf3rhrsB9wyQYT_oSncm2njv1X6DrEWnicYekTAkSV4vctX3EPQAPP3PG0NqFH4CvgQ3U5u5CqDIOp7KJs4xj_kBdPNsnDPz1Gxul5Rz5ieWTWHPpucSrrnPPA4r/s640/3.jpg" width="640" /></a></div>
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En plongeant à pieds joints dans la citation assumée, le metteur en scène en profite pour installer une zone de confort qu'il se plaira à faire voler en éclats à l'aide de plusieurs artifices maîtrisés. Ainsi, le film propose quelques élans violents et gores qui contrastent sévèrement avec le calme apparent de Sandford, comme lorsqu'une victime reçoit un morceau d'église sur le crâne. Une scène choc qu'Edgar Wright désamorce immédiatement à travers un plan large présentant le pauvre homme déambuler, un immense cône inversé à place de la tête, gravant sur la pellicule une image d'un surréalisme halluciné. Un autre sursaut intervient à la fin du film, qui pastiche allègrement les séquences finales des films d'action américains, lorsque le duo principal se retrouve à affronter tous les villageois armés jusqu'aux dents, une référence évidente aux <i>gunfights</i> survoltés qui pullulent dans ce genre de productions. De la même manière, une bagarre se déroule aux côtés de la maquette du village, ce qui singe les scènes de destructions massives qui concluent en apothéose les <i>blockbusters </i>contemporains. Ainsi, Edgar Wright donne à voir au spectateur ce qu'il est venu chercher (des fusillades, des explosions) mais sous une forme détournée intelligente, au service de l'humour, tout en incarnant une réflexion sur le genre. En effet, le réalisateur prouve qu'il est possible d'exploiter les codes d'un genre cinématographique tout en se renouvelant, une option qu'oublieront les studios hollywoodiens les années suivantes, livrant des productions aux <i>climax</i> interchangeables.</div>
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<b>Hot Fuzz</b> distille tout au long de ses 121 minutes des références aussi subtiles que touchantes à l'histoire du cinéma, et ce jusque dans les détails les plus minuscules. Ainsi, le bruit des sirènes entendues au début du film constituent une rétrospective des différents sons utilisés tout long de l'histoire. Une myriade d'acteurs connus participent au film, au grand jour (Timothy Dalton, impeccable dans son rôle d'antithèse de James Bond, l'inénarrable Jim Broadbent) ou dissimulés (Peter Jackson grimé en Père Noël, Cate Blanchett jouant le rôle de la petite amie de Nicholas dont on ne voit jamais le visage, voire Wright lui-même), ce qui ravit à la fois l'équipe, enchantée de travailler aux côtés d'acteurs qu'ils adorent, mais aussi le spectateur, surpris de retrouver ces têtes connues dans ce long-métrage décalé. En termes de mise en scène et de montage, le réalisateur cite allègrement le style de Tony Scott, avec cette caméra à la main, ou ces séquences présentant Nicholas s'atteler à la paperasse. La référence à Léon (Luc Besson, 1994) est plus subtile, elle s'incarne dans le fait que le policier parfait voyage sans quitter sa plante verte, un clin d'œil qui parlera aux fans du film français. Parfois, les citations sont plus visibles, comme la reprise d'une scène culte du film <b>Point Break</b>, lorsque Danny tire en l'air, de rage. Il arrive même que le réalisateur se cite lui-même à travers un gag qui ponctuera les trois épisodes de sa trilogie thématique, qui voit Simon Pegg enjamber une palissade avant de s'affaler lamentablement sur le sol. Ces références envahissent littéralement <b>Hot Fuzz</b>, sans jamais le phagocyter, car Edgar Wright et son équipe se les approprient, les digèrent et les détournent. Il en résulte paradoxalement un film universel qui parlera au plus grand nombre, certains y retrouvant une zone de confort instaurée par la vision de films du même genre, mais le long-métrage développe aussi une identité propre, surlignée par ce duo si particulier qui habite l'écran.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7eLvYecoFQXwFZ_JOfafaOpAQOeWpuEj8x9TQnp0gd-M-xcb6ymbY3Xz6Fw4odMLnuoNCvbVdihW0xBEnQw5Xeqn_85heAD-Nm0nkjnNKMOIDP84hGJYWEEgMHkO7ZD9rqOcoAbJGjfHG/s1600/3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7eLvYecoFQXwFZ_JOfafaOpAQOeWpuEj8x9TQnp0gd-M-xcb6ymbY3Xz6Fw4odMLnuoNCvbVdihW0xBEnQw5Xeqn_85heAD-Nm0nkjnNKMOIDP84hGJYWEEgMHkO7ZD9rqOcoAbJGjfHG/s640/3.jpg" width="640" /></a></div>
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Ce sens du détail et ses références se retrouvent jusque dans la bande-son du film, très hétéroclite, alimentée par des morceaux aux ambiances et influences variées, mais dont les titres font toujours référence à la situation en cours. Par exemple, certaines musiques voient leurs titres entrer en résonance avec la façon dont meurent les victimes. Le reste des compositions possèdent un rôle "décoratif", à l'image de ce qui a été fait pour <b>Shaun of the Dead</b>. L'accompagnement sonore développe des atmosphères, des ambiances, mais ne gravent jamais de mélodie mémorable dans le crâne du spectateur, à quelques exceptions près. Très peu de morceaux originaux sur cette bande-son, mais il faut signaler la participation de Robert Rodriguez (réalisateur de <b>Sin City</b>, <b>Une Nuit en Enfer</b> ou <b>The Faculty</b>), qui a composé deux pièces sans même avoir les images devant les yeux.</div>
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Le dernier point fort du long-métrage, et non des moindres, est sa narration. Comme dans tous les films du réalisateur, elle est originale, cohérente et ludique. Le montage s'adapte aux émotions et sentiments des personnages, les angles de vue sont efficaces, permettant parfois la mise en place de gags purement visuels, tandis que l'écriture elle-même est un hommage à la technique dite du fusil de Tchekhov, nommée ainsi par le dramaturge du même nom qui explique que si, dans une histoire, l'auteur indique qu'un fusil est placé sur le mur, alors il doit absolument être utilisé avant la fin. <b>Hot Fuzz</b> est une illustration absolue de ce concept, tant le premier acte du film met en place des éléments qui resurgiront dans la conclusion. Même les personnages secondaires croisés l'espace de quelques secondes seront mis au service de ce procédé narratif. Chaque élément du film se fait le témoin de la rigueur dont fait preuve le réalisateur en écrivant son film.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSmeo6yWvH1f-KORNHHguSzWk5MVE8apKIiP1U9u6ZaBWbaOdMg8lQPyhQMZosdEInvaIEUU1ohq2yCXEVBsM91QHHH1Ok0fPOmpqFI2JWLoy0C6MHGqK8H8DUN1DBFlkls5483Teg4D7W/s1600/hotfuzz12.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSmeo6yWvH1f-KORNHHguSzWk5MVE8apKIiP1U9u6ZaBWbaOdMg8lQPyhQMZosdEInvaIEUU1ohq2yCXEVBsM91QHHH1Ok0fPOmpqFI2JWLoy0C6MHGqK8H8DUN1DBFlkls5483Teg4D7W/s640/hotfuzz12.png" width="640" /></a></div>
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Si le spectateur peut découvrir en <b>Hot Fuzz</b> un film policier efficace à la personnalité marquée, le cinéphile y verra une déclaration d'amour envers tout un pan du cinéma d'action et de suspense. Porté par des acteurs impliqués et talentueux, le film d'Edgar Wright dévoile un microcosme épatant de maîtrise, nimbé d'une aura de mystère. En jouant sur les apparences, le long-métrage confirme le talent du metteur en scène, lequel n'hésite jamais à puiser dans un bocal de références cinématographiques, lesquelles confèrent à cette histoire un parfum d'hommage assumé, bien que le film ne ressemble à rien de connu si ce n'est à l'esprit débridé de Wright, bien parti pour devenir l'un des réalisateurs les plus importants de ce début de siècle.</div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a>Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-27517444247848709702015-09-17T11:06:00.000-07:002016-08-08T12:02:43.542-07:00[ DÉCOUVERTE ] Dessinateurs de comicsVoici un court voyage dans l'imaginaire débridé des plus talentueux illustrateurs de la sphère comics, sans aucun autre but que de satisfaire les sens.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVQamAfNgpQBboSTIe3pZvc6aZHVmJFnlhL7n3whALy4fMY9BXgVXooetN-9nmSEbpzNizmhi8VVzhRiKqr-da-rOuqDz05rfsreYI5mgZJwezytfhpzJDeYw0txNSFgPwpGj20zyPPQ8k/s1600/t%25C3%25A9l%25C3%25A9chargement.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVQamAfNgpQBboSTIe3pZvc6aZHVmJFnlhL7n3whALy4fMY9BXgVXooetN-9nmSEbpzNizmhi8VVzhRiKqr-da-rOuqDz05rfsreYI5mgZJwezytfhpzJDeYw0txNSFgPwpGj20zyPPQ8k/s640/t%25C3%25A9l%25C3%25A9chargement.jpg" width="466" /></a></div>
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James Jean - <b>Fables</b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihfasOWeDB9dkiWFg9t3dilE0i-DuAXINiGj7p92dG5IVG1T8ywphPh7qyoJ2geETprqLCIU566vmVAqYwtYF4hs7q7HTIOveKpBBm-9gVuMd5Ubz3oe2_OAiGocEHb5VlSpic_-azb58N/s1600/10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihfasOWeDB9dkiWFg9t3dilE0i-DuAXINiGj7p92dG5IVG1T8ywphPh7qyoJ2geETprqLCIU566vmVAqYwtYF4hs7q7HTIOveKpBBm-9gVuMd5Ubz3oe2_OAiGocEHb5VlSpic_-azb58N/s640/10.jpg" width="412" /></a></div>
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Mike Mignola - <b>Hellboy</b></div>
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Alex Ross - <b>Astro City</b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk9ExZBH3rZNxGTX8c_1SsxdbKzmNrgpH6mEKIJ9nikZsOWHD8FAYoiJbYyuTkMyt5EZnu-NVA-y7O4QAmXRtIi-N2rpQ3Pu5D-ZwxB1QTvEjnUBUoF4kOS9JvzfhoSMju98B7sB_jAj2s/s1600/20151001_201329.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="488" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhk9ExZBH3rZNxGTX8c_1SsxdbKzmNrgpH6mEKIJ9nikZsOWHD8FAYoiJbYyuTkMyt5EZnu-NVA-y7O4QAmXRtIi-N2rpQ3Pu5D-ZwxB1QTvEjnUBUoF4kOS9JvzfhoSMju98B7sB_jAj2s/s640/20151001_201329.jpg" width="640" /></a></div>
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J.H. Williams III - <b>Sandman Overture</b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRA2njzQoKlIYSNHnX19nmG1n3pETm_QqBa_FjkPXw3N0ciUmSg61TjBuKE3jneKVX0eQ7ovQw2ShHNDcm14PFOCMO9vHu2eNyzIgARrktJkkx8btPJNVuqrCpHPLHdR4QcPP54771RIfj/s1600/beasts-of-burden.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRA2njzQoKlIYSNHnX19nmG1n3pETm_QqBa_FjkPXw3N0ciUmSg61TjBuKE3jneKVX0eQ7ovQw2ShHNDcm14PFOCMO9vHu2eNyzIgARrktJkkx8btPJNVuqrCpHPLHdR4QcPP54771RIfj/s640/beasts-of-burden.jpg" width="578" /></a></div>
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Jill Thompson - <b>Beasts of Burden</b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-DngfV6Wl2hMJEWaXWhK22SNeCWcBv_Lr6nmR9Om5rLfOQM7q6l4JpWESaE9hmM-xzgpiIwd7oXahKEfpdbIuB7Au3m8Ei5DXF9yCfcq5-JdUvYXHAm_bradu_Xo3VMhlOYlO1MVQzgXX/s1600/collector-26-cover.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="414" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-DngfV6Wl2hMJEWaXWhK22SNeCWcBv_Lr6nmR9Om5rLfOQM7q6l4JpWESaE9hmM-xzgpiIwd7oXahKEfpdbIuB7Au3m8Ei5DXF9yCfcq5-JdUvYXHAm_bradu_Xo3VMhlOYlO1MVQzgXX/s640/collector-26-cover.gif" width="640" /></a></div>
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Steve Ditko - <b>Mr. A.</b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMYPl-nJp2kpWWckztsE4fdq6vhbTzejqevsNuZWoJCrrpWSIXOLkaVwPK9gFe-HffySd0wncCP1VPNaWrqLhRUTK6BkDKxptjuNpv9I6S06p0-KrngaSSGJRMbdrnta4PSahFd91RpfaG/s1600/Kabuki-Reflections.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMYPl-nJp2kpWWckztsE4fdq6vhbTzejqevsNuZWoJCrrpWSIXOLkaVwPK9gFe-HffySd0wncCP1VPNaWrqLhRUTK6BkDKxptjuNpv9I6S06p0-KrngaSSGJRMbdrnta4PSahFd91RpfaG/s640/Kabuki-Reflections.jpg" width="420" /></a></div>
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David Mack - <b>Kabuki</b></div>
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Sean Murphy - <b>Tokyo Ghost</b></div>
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Duncan Fegredo - <b>Kid Eternity</b></div>
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Mike Allred - <b>Silver Surfer</b></div>
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Bill Sienkiewicz - <b>Elektra</b></div>
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Mike del Mundo - <b>Weirdworld</b></div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a></div>
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Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-33895668090761717402015-08-21T16:17:00.000-07:002016-07-29T16:18:42.295-07:00The Wailing<div style="text-align: justify;">
Cet article contient des <b><span style="color: red;">spoilers</span></b>.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhliZ5FvTJogE0SKCX6LG7MSuRrhYRpHfNgsN4aSNCpEjRRnlze3uhGhDGk0j64KSCgE8BOAKa6E43MmP3WWP516oDN5uKQ1o_KbT601cHU54OzZIAV-BOgvKPB7Gbh19XM2Q8MQrA3paVF/s1600/vlcsnap-2016-07-21-21h20m17s135.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhliZ5FvTJogE0SKCX6LG7MSuRrhYRpHfNgsN4aSNCpEjRRnlze3uhGhDGk0j64KSCgE8BOAKa6E43MmP3WWP516oDN5uKQ1o_KbT601cHU54OzZIAV-BOgvKPB7Gbh19XM2Q8MQrA3paVF/s640/vlcsnap-2016-07-21-21h20m17s135.png" width="640" /></a></div>
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<i>Réalisé par Na Hong-jin</i></div>
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Six ans. Il a fallu six longues années à Na Hong-jin pour livrer son diamant noir, dont trois intégralement consacrées à l'écriture de ce nouveau film, <b>The Wailing</b>. Ou <b>The Strangers</b> sur le territoire français. En délaissant les environnements urbains qui participèrent à ses réussites passées (les deux polars<b> The Chaser</b> et <b>The Yellow Sea</b>), le réalisateur sud-coréen corrompt un petit village balayé de pluies torrentielles, qu'il métamorphose en un sanctuaire isolé envahi par le mal. En effet, la commune de Gok-seong est depuis peu phagocytée par d'effroyables meurtres inexpliqués, chaque assassin semblant être le sujet d'incroyables crises de démences. Bien vite, l'arrivée d'un mystérieux vieil homme japonais, vivant seul dans la montagne, sème le trouble dans l'esprit des habitants, la rumeur voulant que ces sordides meurtres aient débuté en même temps que l'apparition de ce vieillard. Le spectateur est invité à suivre Jong-goo, un policier un peu balourd, qui va rapidement rendre cette enquête personnelle, dès lors que sa propre fille, Hyo-jin, semble contaminée par un mal insidieux.</div>
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Malgré une proposition régulière et de qualité, le cinéma sud-coréen peine à s'exporter en France. Si un certain effet de mode avait suivi la diffusion du fantastique <b>Old Boy</b> (Park Chan-wook, 2003), le souffle s'est depuis dissipé. Quelques perles parviennent régulièrement à être diffusées sur le territoire, comme les essais suivants du suscité Chan-wook ou les fantastiques morceaux de cinéma signés Kim Jee-woon (dont l'époustouflant <b>I saw the Devil </b>pourrait offrir son titre au dernier Na Hong-jin sans aucun souci), mais le pays reste encore largement sous représenté. Sans verser dans la critique facile, il est navrant de constater la non existence des derniers succès asiatiques dans des éditions françaises dignes de ce nom (par exemple, le plus gros succès chinois de tous les temps, <b>The Mermaid </b>de Stephen Chow, 2016, n'a même pas eu droit à une sortie sur les plateformes de vidéo à la demande, aberrant). Heureusement, et pour en revenir au sujet de cet article, <b>The Wailing</b> est offert au public français (malgré un changement de titre inexplicable), grâce au succès des précédents faits du metteur en scène.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB_bzmbRlljy-Ly19zxky-0z_Q_GyFCOPJKyT8BIriKO3QV0C30r4b7Z98PNljOsy22h5Yji7eZxl-BLkqTnGMJFQNtUJdbSesHNywMgZxiCYm4BVDNjsxKlVYKulfMFgJPLM3fy9ioS_Y/s1600/thewailing-768x432.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB_bzmbRlljy-Ly19zxky-0z_Q_GyFCOPJKyT8BIriKO3QV0C30r4b7Z98PNljOsy22h5Yji7eZxl-BLkqTnGMJFQNtUJdbSesHNywMgZxiCYm4BVDNjsxKlVYKulfMFgJPLM3fy9ioS_Y/s640/thewailing-768x432.jpg" width="640" /></a></div>
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La grande force de <b>The Wailing</b> est de détourner une nouvelle fois les codes du polar, prouvant ainsi qu'il est possible de renouveler le genre, dont le cinéma est encore loin d'avoir fait le tour. Ainsi, à l'inverse d'un <b>A Bittersweet Life </b>par exemple (Kim Jee-woon, 2005), Na Hong-jin ne tisse pas son histoire autour de séquences d'action urbaines, adoptant plutôt une narration quasi-contemplative propre à la tranquillité rurale. Le metteur en scène enveloppe son récit d'une paranoïa latente qui contamine peu à peu le personnage principal, puis le spectateur, jusqu'à un final d'une intensité remarquable au cours duquel les certitudes volent en éclat. Car c'est bien de contamination qu'il est question dans <b>The Wailing</b>, une contamination des corps et des esprits qui progresse à travers des lignes narratives multiples, elles-mêmes illuminées par une multitude de personnages significatifs qui auront tous, sans exception, leur rôle à jouer. En plongeant le spectateur au milieu de ce microcosme, Na Hong-jin délie une atmosphère oppressante, qu'il explorera à travers une mise en scène millimétrée et étouffante. En profitant du montage et d'un jeu avec la perception du spectateur, la moiteur du scénario altérera la réalité, ici en proposant un flashback dont la véracité reste brumeuse, là en insérant une scène onirique sans coupure avec le réel. Le spectateur se mettra ainsi à douter de ce qu'il voit, bien que la fin du film laisse penser que tout ce que les images ont montré se soit réellement déroulé. De la même manière, Na Hong-jin usera du montage pour brouiller les sens et dissimuler la véritable nature des actes effectués par les personnages, comme lors de la monumentale scène d'exorcisme, présentée dans un montage alterné semblant opposer le personnage du chaman à celui de l'étranger. En résulte une scène qui paraît décrire le combat mystique que se livrent les deux personnages, le premier étant représenté comme le reflet du second : les volailles, blanches d'un côté, noires de l'autre, l'opposition entre l'aspect festif et la solitude, la présence de musique, etc... Cependant, les différents éléments distillés au long de cette séquence indiquent la véritable nature des rites effectués, le chaman détruisant un totem protecteur, l'étranger se servant d'une photographie pour parvenir à ses fins. La totalité du long-métrage repose sur ces détails, que le spectateur devra apprendre à déceler, certains ne révélant leur véritable sens qu'à l'aune d'une seconde vision, telles les fleurs desséchées aperçues lors de l'ouverture du film.</div>
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<br /></div>
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L'ambiance du film doit sa puissance évocatrice en partie à l'accompagnement sonore. Les bruitages révèlent l'invisible, laissant au spectateur le loisir d'imaginer ce que l'image évite de révéler. Celui-ci ne verra jamais ce qui se passe dans les combles de la maison, ainsi que toute la scène du massacre du chien qui lui sera épargnée, si l'on excepte les gémissements de la pauvre bête. La musique n'intervient de manière intrusive que très peu durant le long-métrage. Elle sera significative lors des fameuses séquences d'exorcisme, ou lors du final, tandis que ce sont des nappes atmosphériques, aux élans mystiques et religieux, qui rythmeront ponctuellement la progression des personnages. Les pics musicaux sont toujours liés à l'aspect ésotérique de <b>The Wailing</b>, comme si seul l'impalpable, ou l'abstrait, pouvait lier les mortels aux démons. Au-delà de la musique, ce sont les dialogues et les actions des personnages qui confèrent au film son ambiance poisseuse, voire cette hystérie qui enfle pendant la seconde partie du long-métrage, animée par les cris, les pleurs et les hurlements. Une seconde moitié bien éloignée de la mise en place atmosphérique instaurée par l'enquête en début de film. Cette différence de ton se retrouve dans l'ensemble de l'histoire, Na Hong-jin se plaisant à abattre les barrières entre les genres, son film passant du polar au drame avec une aisance folle, se permettant quelques détours vers les différents genres du film d'horreur (du film de zombie, au film de fantôme, en passant par le survival), sans oublier les pics soudains de comédie noire ou absurde, qui incarnent de véritables bouffées d'oxygène au milieu des deux heures trente anxiogènes qu'étale <b>The Wailing</b>. C'est de cette émancipation de toute contrainte formelle que naît la richesse du film, véritable ride émotionnel et riche en surprises au cours duquel le spectateur ne peut imaginer à quoi ressemblera la scène suivante.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiw2OHQdt6qM-34roksW4J6JDYAIZNLwXf26vovfl-96H9I1pr5tRosBZ7PT1640b78nl2Iwnt82OCIzMfRXQsYzVRRgoazDcqinStP5za9Cn1KegvBsELNp0TxBNg421P0OiywiMlneB3R/s1600/watch-new-international-trailer-for-the-chaser-director-hong-jin-nas-cannes-ready-thriller-the-strangers-8.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiw2OHQdt6qM-34roksW4J6JDYAIZNLwXf26vovfl-96H9I1pr5tRosBZ7PT1640b78nl2Iwnt82OCIzMfRXQsYzVRRgoazDcqinStP5za9Cn1KegvBsELNp0TxBNg421P0OiywiMlneB3R/s640/watch-new-international-trailer-for-the-chaser-director-hong-jin-nas-cannes-ready-thriller-the-strangers-8.jpg" width="640" /></a></div>
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Pour s'y retrouver au cœur de ce maelstrom d'émotions, des acteurs impeccables imprègnent la pellicule d' un talent certain. L'incroyable interprétation de la jeune Kim Hwan-hee n'est pas sans évoquer le jeu habité de Linda Blair dans <b>L'Exorciste</b> (William Friedkin, 1973). L'actrice délivre une palette absolument affolante, dressant le portrait d'une petite fille banale et aimante en début de film, avant d'adopter un effroyable visage qui hantera le dernier tiers de cette macabre pièce de théâtre. Le duo principal, à savoir Kwak Do-won (le policier faisant office de personnage principal) et Jun Kunimura (l'étranger) s'en sort tout aussi bien, chacun dans un style différent, mais tous deux confrontés à des situations variées leur permettant de révéler tout leur talent. Le réalisateur s'emploiera d'ailleurs à malmener une nouvelle fois le spectateur en changeant soudainement le point de vue initial, lorsque de bourreau l'étranger deviendra l'espace de quelques instants la victime. Une nouvelle rupture, parmi toutes les autres, que le metteur en scène impose à son audience. Le reste des acteurs ne démérite pas face à ce trio de personnages, de la cellule familiale aux voisins, en passant par les collègues et, bien sûr, le chaman, interprété par un Hwang Jeon-min galvanisé. Tous ces personnages dépeignent un quotidien rustique, dont les journées sont ponctuées par les ragots et autres commérages. Bien évidemment, ce n'est pas ce qui intéresse Na Hong-jin, qui passera rapidement sur les escapades sexuelles de son héros pour se concentrer sur la manière dont la rumeur va enfler, dopée par les étrangetés et autres témoignages dont la véracité restera floue aux yeux de Jong-goo. La présence de ce corps étranger, qui bouleverse la sérénité ambiante, permet au metteur en scène de réfléchir sur l'importance des traditions et du quotidien, à l'image de la réflexion du mangaka Atshushi Kaneko dans <b>Soil</b>. Le contexte, culturel et historique, de la Corée du Sud, impacte aussi fortement le récit. L'étranger, japonais, est le seul personnage interprété par un acteur nippon, un fait loin d'être anecdotique étant donné que le Japon a contrôlé la Corée pendant presque un demi-siècle, et qu'il subsiste de cette époque de terribles cicatrices encore ouvertes. De plus, en termes de cinématographie, il faut noter que l'étranger ne parle pas la langue coréenne, un traducteur devant alors faire le pont entre les personnages, ce qui symbolise clairement les problèmes engendrées par l'absence de communication, tout en permettant au metteur en scène d'instaurer plusieurs scènes d'un suspense éreintant.</div>
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The Wailing est aussi, et surtout, un film universel. En effet, Na Hong-jin n'impose aucune réponse concrète quant au caractère fantastique de son propos. Le spectateur réaliste pourra voir dans le film une simple contamination due aux champignons, tandis que d'autres y décèleront sans aucun doute la présence du Mal, dans tout ce qu'il a de plus brut et terrifiant. En ce qui nous concerne, nous avons choisi de croire à l'approche ésotérique, une vision que nous allons expliquer au cours de ce paragraphe. Il existe bel et bien un démon qui rôde aux alentours de ce village maudit, voire le Diable lui-même. Cette entité se nourrit des âmes tourmentées de ses victimes, qu'il garde en photo comme pour les emprisonner. Comme l'explique le chaman, l'entité ne choisit pas ses victimes, seul le hasard entre en ligne de compte, mais il lui faut cependant un objet appartenant à sa proie, pour la maudire (dans le cas de Hyo-jin, ce sera sa chaussure). Une fois possédée, la victime assassine ses proches. Voilà pour la base. Cependant, il existe une sorte de gardien, un esprit protecteur qui s'acharne à défendre les habitants de Gok-seong, il s'agit de la jeune femme en blanc. Celle-ci a aussi besoin d'un objet pour protéger les gens (la barrette rose pour Hyo-jin), voire de jeter des charmes autour d'eux (l'oiseau dans l'urne). Cet esprit tente de capturer l'entité maléfique, grâce à un piège magique, les fameuses fleurs aperçue à la maison du premier crime, mais aussi à la fin, lorsque Jong-goo passe sous certaines d'entre elles, qui se fanent aussitôt. Le chaman est un allié de l'entité, comme l'atteste le faux exorcisme qu'il exécute : il brise le totem protecteur, torture l'enfant pour l'affaiblir, et brise le sceau instauré par la gardienne. Enfin, il prend en photo les cadavres, comme le prouve la conclusion du film. Son intervention n'est pas la première, étant donné que l'on retrouve le "nid" de protection qu'il établit autour de Hyo-jin au sein de l'une des premières demeures visitées par la police en début de métrage. L'entité, dans le corps de l'étranger, possède de puissants pouvoirs : il peut ressusciter les morts pour en faire des zombies, ou piéger les âmes, ce qu'il fait du début à la fin, en manipulant tout le monde. Peut-être qu'à l'origine, l'étranger était un chaman qui venait débarrasser le village du démon, avant de se faire piéger, étant donné qu'il semble redevenir vulnérable durant quelques séquences du film (à moins qu'il ne s'agisse d'une nouvelle ruse). Quoi qu'il en soit, c'est la piste que nous défendons à ses lieux, une vision clairement nihiliste et sombre de la part de Na Hong-jin.</div>
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<b>The Wailing</b> n'est pas seulement d'un pessimisme absolu, c'est aussi un magnifique objet de cinéma. En polissant à l'extrême la narration et la mise en scène de sa messe noire, Na Hong-jin délivre une incantation dont chaque psaume rapproche un peu plus ses personnages des abysses. D'une ambition folle, le réalisateur sud-coréen met tout son talent au service de la conception d'une fresque cruelle, métaphore à peine dissimulée du Mal qui sommeille dans le cœur de chacun. Véritable épopée émotionnelle, s'extirpant d'une malhabile enquête policière pour finalement côtoyer les cimes de la démence, le film exploite chaque outil de la grammaire cinématographique afin d'offrir la vision la plus aboutie de la part de son metteur en scène, qui rejoint ainsi le cercle fermé des réalisateurs les plus importants de son pays, voire du globe tout entier.</div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a>Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-38008723180888716092015-04-23T07:58:00.000-07:002017-05-02T10:40:38.420-07:00Bilan 20162016 s'achève, et les étoiles des mondes imaginaires qui ont bercé notre enfance s'éteignent un peu plus chaque jour. Nous ne pleurerons pas ceux qui ont quitté le rivage, emportés par de noires et cruelles vagues, nous repenserons au contraire aux monuments qu'ils ont contribué à bâtir.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2lPrn8Z2dzXppUpgYE2nHGOEKNE8sa482aKBqMfQ5I64flaOpn2_eQG-BHVBu7aD-VeKdGu-LMRLcb70T2CCb62AWKFaULOxpKF0P5z9IdDL42K06ccY5vx-Ev47FSc1RjKMOYsWAo_KJ/s1600/m00.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="160" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2lPrn8Z2dzXppUpgYE2nHGOEKNE8sa482aKBqMfQ5I64flaOpn2_eQG-BHVBu7aD-VeKdGu-LMRLcb70T2CCb62AWKFaULOxpKF0P5z9IdDL42K06ccY5vx-Ev47FSc1RjKMOYsWAo_KJ/s640/m00.jpg" width="640" /></a></div>
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Énormément de sorties en 2016 pour la production japonaise. Dans cette cascade de parutions, beaucoup de nullités, quelques bonnes surprises, et une pincée de réussites incontestables. Si les séries fleuves poursuivent leur rythme de parution avec des hauts et des bas, quelques nouveautés (ou rééditions) tirent leur épingle du jeu.</div>
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5) Inio Asano : <b>Dead Dead Demon's Dededededestruction</b><br />
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Un titre à rallonge qui attire l'oeil, des planches de toute beauté, et nous retrouvons Asano là où nous l'avons laissé : en plein milieu de ses chroniques sur une adolescence japonaise, perdue dans un pays tout en contradiction qui ne semble plus lui-même savoir où aller. C'est juste, beau et terrifiant à la fois, le mangaka prétextant ici une invasion alien qui se prête des airs d'épée de Damoclès, un prétexte pour décrire le quotidien sans avenir d'une jeunesse qui ne sait plus vraiment si elle vit ou si elle survit.</div>
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4) Taiyou Matsumoto : <b>Sunny</b><br />
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Dans ce récit en partie autobiographique, Taiyou Matsumoto décrit ses années passées à l'orphelinat. Son trait si caractéristique convoque un onirisme très approprié, qui sied à merveille lorsqu'il s'agit de donner vie à des personnages à fleur de peau, perdus entre espoir et tristesse, qui s'inventent chaque jour un monde meilleur pour échapper à la réalité. Tous se réunissent dans la carcasse d'une vieille voiture, la Sunny, qu'ils s'imaginent alors conduire le long de routes infinies, le long d'une plage sans nom, vers une destination évanescente qui disparaît lorsqu'enfin ils en atteignent la périphérie. Une belle métaphore sur le fait de grandir et de voir s'envoler les rêves qui, enfants, construisaient nos lendemains.</div>
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3) Tsugumi Ōba et Takeshi Obata : <b>Platinum End</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyT5tRkobZqrzBmQi-R-ErGxF6Q0vBNyR3UFZB9p4Omb6V6HZ6LiqfVYiOei0TVDwrgBJDhGde0pMlmwTyOQ30iw5ABXegpr3uy7D8Dy8atqX7lKmkoKch2QrODQeAK847Lo7cNZvhbE6Z/s1600/platinum-end-manga-death-note.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="336" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyT5tRkobZqrzBmQi-R-ErGxF6Q0vBNyR3UFZB9p4Omb6V6HZ6LiqfVYiOei0TVDwrgBJDhGde0pMlmwTyOQ30iw5ABXegpr3uy7D8Dy8atqX7lKmkoKch2QrODQeAK847Lo7cNZvhbE6Z/s640/platinum-end-manga-death-note.jpg" width="640" /></a></div>
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Le célèbre duo à l'origine de <b>Death Note</b> revient pour un thriller aux accents divins qui va une nouvelle fois sonder l'esprit de l'Homme dans tout ce que celui-ci a de plus pur ou au contraire de plus déviant. Les bases sont posées, à coups de règles bien établies, et le jeu pour la survie s'organise alors pour notre héros qui n'a rien à perdre. C'est très joli, plutôt ingénieux, mais l'ombre de <b>Death Note</b> est un peu trop présente pour en faire l'incontournable tant attendu. Nous verrons dans quelques mois où le duo veut en venir, même si <b>Platinum End</b> reste tout à fait satisfaisant pour le moment, notamment grâce à une galerie de personnages attachants, mais aussi et surtout une perversité dans des affrontements délicats et meurtriers, basés sur la réflexion et l'anticipation.</div>
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2) Hirohiko Araki : <b>JoJolion</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXGp7dQtpchO6sePX8Qzb34X2A1Eynwvus8QNOvtwPhNFmwKjsQ3L-aGW03LSuPn5Q8HcqRwY8TXyyweiFrSvfmCq5orzXu9myIbAnBYPp9xtxQCeve7u5Ansgnzjoyz74hQnbMnaZNaRB/s1600/maxresdefault.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXGp7dQtpchO6sePX8Qzb34X2A1Eynwvus8QNOvtwPhNFmwKjsQ3L-aGW03LSuPn5Q8HcqRwY8TXyyweiFrSvfmCq5orzXu9myIbAnBYPp9xtxQCeve7u5Ansgnzjoyz74hQnbMnaZNaRB/s640/maxresdefault.jpg" width="640" /></a></div>
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La huitième saison de <b>JoJo's Bizarre Adventure</b> s'annonce excellente. Le dessin est toujours incroyable, les idées de mise en scène fusent dans tous les sens, et les joutes entre les personnages semblent miser davantage sur la vivacité d'esprit et l'intelligence. Le scénario s'annonce complètement perché, abusant de mystères et autres sous-intrigues improbables, ce qui promet de nombreuses découvertes et surtout une imprévisibilité totale des événements. Si la suite est aussi intense que les premiers tomes, autant dire que nous tenons là l'une des meilleures saisons de la saga.</div>
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1) Yukito Kishiro : <b>GUNNM</b><br />
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Le retour d'une série culte depuis longtemps introuvable dans les librairies françaises.<br />
Un indispensable.<br />
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Blablabla, les comics c'est que des BD de mecs en collants qui mettent leurs slips par dessus leurs pantalons, blablabla, ça ne vaut pas de la vraie littérature, blablabla. Laissons les pauvres d'esprit sur le bord de la route, et partons à la découverte de bouquins aussi novateurs qu'effroyablement efficaces.</div>
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6) Joe Hill et Gabriel Rodriguez : <b>Locke and Key</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjufXwAVnVCJ9ASQMfdfnSYnPyUft2VWeQHKbt9awssMS2TuokOIZq3RxrTehsUOxtwuaG0R5SSkgaQlGm-h1Cm-n7JAmuLhL8mrghwmX_rgfsnJcabbxSXG_wNXTLbZfsIr57e9Pz1FqPa/s1600/locke-and-key.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjufXwAVnVCJ9ASQMfdfnSYnPyUft2VWeQHKbt9awssMS2TuokOIZq3RxrTehsUOxtwuaG0R5SSkgaQlGm-h1Cm-n7JAmuLhL8mrghwmX_rgfsnJcabbxSXG_wNXTLbZfsIr57e9Pz1FqPa/s640/locke-and-key.jpg" width="640" /></a></div>
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Je triche, mais c'est pour la bonne cause. Je rajoute une entrée dans ce bilan pour faire honneur à cette réédition de l'une des meilleures séries horrifiques de tous les temps, <b>Locke and Key</b>, signée Joe Hill, le fiston de Stephen King. Je n'en dirai pas plus dans ces lignes, car un dossier est en préparation, mais Joe Hill exploite l'héritage de son père de la meilleure des façons, en mixant les thématiques du King à une écriture démente novatrice, bardée d'idées virtuoses. Je recommande, encore et encore, surtout que la saga a été rééditée dans une luxueuse édition en trois tomes, à ne pas rater.</div>
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5) Fred van Lente et dessinateurs divers : <b>Archer et Armstrong</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrbsibDSoBfhKN_fN3KG7WpAKvIN3LdaLghvsgJLquv1k5b1TaZhKMCdUlbcPiLSybEE5hQx6Lkh1AnqdfjXnz8lLd6nXP-Dv4vA4x0O6QTGI9EMH1BLhEvOBh3o4azfVGZDrcc-Qi6XnF/s1600/DELINQ_001_COVER_RIVERA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrbsibDSoBfhKN_fN3KG7WpAKvIN3LdaLghvsgJLquv1k5b1TaZhKMCdUlbcPiLSybEE5hQx6Lkh1AnqdfjXnz8lLd6nXP-Dv4vA4x0O6QTGI9EMH1BLhEvOBh3o4azfVGZDrcc-Qi6XnF/s640/DELINQ_001_COVER_RIVERA.jpg" width="640" /></a></div>
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Alors là, si je m'attendais. Voilà qu'en 2016 sortent de nulle part les petits gars de chez <i>Bliss Comics</i>, qui se proposent d'éditer en France les parutions de l'univers <i>Valiant </i>(USA). Outre quelques séries de qualité, ces mêmes p'tits gars se décident à commercialiser d'immenses intégrales dédiées à des séries achevées ou bien entamées. Dans le lot, <b>Archer et Armstrong</b>. C'est ainsi que débarque cet immense pavé de 800 pages, contenant l'intégralité de la saga la plus déjantée et friendly de son éditeur. C'est frais, marrant et parfois dramatique, c'est fun et plus profond que ça en a l'air, c'est <b>Archer et Armstrong</b>, et c'est un incontournable.</div>
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4) Warren Ellis et John Cassaday : <b>Planetary</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeY5hx_tOgGUw14hOuoIJRBgRDB7QCxVUW-ASXtxAN2EuNanWwlFCIhMvqYXSipiPY5gEFwTZzEgdOlgI8CyHGV3R4tk5oc7EQNQpnhhQAztddIgAxtkzxecFtsxWfrjaulZrvjxFhhAa6/s1600/planetary_11.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeY5hx_tOgGUw14hOuoIJRBgRDB7QCxVUW-ASXtxAN2EuNanWwlFCIhMvqYXSipiPY5gEFwTZzEgdOlgI8CyHGV3R4tk5oc7EQNQpnhhQAztddIgAxtkzxecFtsxWfrjaulZrvjxFhhAa6/s640/planetary_11.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>Planetary </b>en français, Urban Comics l'a fait. Tout a déjà été dit sur l'oeuvre phare de Warren Ellis, c'est un incontournable qui brasse plusieurs décennies d'un imaginaire collectif en constante expansion. C'est intelligent, brillamment dessiné et pertinent, bref, ce doit être rangé dans toute bonne bibliothèque qui se respecte.</div>
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3) Marjorie Liu et Sana Takeda : <b>Monstress</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguyOox91PFcLV0707L0eWN0PqvZLba2Txj-1jQkcTO-UwhyphenhyphenkDaw9nipQhePqTsY6RoOFJlyQ3ypPRi7ZqgZgpNCEr5hbgu6MfODBd9I7FkJV1llTMHXCJXQzH1aLoCbm3tHE23MiZDmR_O/s1600/monstress_01_44-e1463060475759.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguyOox91PFcLV0707L0eWN0PqvZLba2Txj-1jQkcTO-UwhyphenhyphenkDaw9nipQhePqTsY6RoOFJlyQ3ypPRi7ZqgZgpNCEr5hbgu6MfODBd9I7FkJV1llTMHXCJXQzH1aLoCbm3tHE23MiZDmR_O/s640/monstress_01_44-e1463060475759.png" width="640" /></a></div>
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Ce récit sombre et mystique, mis en image à la perfection grâce à un style inimitable, embarque le lecteur dans un voyage sans retour, peuplé de chats bavards, d'entités immortelles et de personnages charismatiques. Plus encore, c'est l'univers cohérent et complexe créé par Marjorie Liu qui fascine, un univers avec ses peuples brisés, ses rouages, ses mythes et ses règles. L'histoire est ample, elle fascine par sa noirceur qui ne laisse que peu de place à l'espoir, mais pourtant, une fois plongé entre les pages de <b>Monstress</b>, le lecteur ne peut succomber face à l'épique fresque que dévoilent Liu et Takeda. A découvrir en français début 2017.</div>
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2) Jonathan Hickman et Tomm Coker : <b>The Black Monday Murders</b><br />
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<b><br /></b>
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Mêler le polar et le fantastique au milieu de la finance, voilà ce que nous réserve Jonathan Hickman à travers ce scénario improbable délié d'une main de maître tout au long de quatre numéros éprouvants. L'atmosphère est pesante, alterne les phases d'enquête réalistes à d'autres séquences cauchemardesques issues de l'imaginaire collectif horrifique que les artistes exploitent à leur sauce. Tout y passe, du vampirisme au langage incompréhensible, en passant par l'horreur pure et la possession. Enfin, en liant tout cet aspect fantastique à la finance, Hickman dévoile une réflexion terrifiante, confondant pouvoir, argent et sang, le tout à travers une fresque générationnelle dont les tenants et aboutissants peinent encore à surgir. Alors que son autre série <b>East of West</b> continue son chemin et s'approche d'un final apocalyptique, le scénariste place les pions d'une nouvelle épopée qui se veut tout aussi grandiloquente, bien que totalement différente. Certains appellent ça le talent. La série n'est toujours pas prévue en français.</div>
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1) Rick Remender : <b>Black Science</b>, <b>Deadly Class</b>, <b>Tokyo Ghost</b> et <b>Seven to Eternity</b><br />
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Pour moi, le scénariste remporte à nouveau la mise en 2016 grâce à une production constante de qualité.</div>
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<b>Black Science</b> : le voyage entre les mondes se poursuit pour Grant qui tente de retrouver ses enfants éparpillés aux quatre coins du multivers. C'est toujours inventif, diablement beau, les thèmes abordés sont d'une justesse affolante, et la dramaturgie place la série parmi les meilleures productions de l'auteur. <b>Fear Agent </b>n'est pas loin, et tant mieux.</div>
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<b>Deadly Class</b> : cette année, Remender nous a offert le twist le plus brutal et culotté du média. La mise en scène est toujours aussi explosive, le jeu sur les couleurs flatte la rétine à chaque page, et les personnages prennent une épaisseur insoupçonnée. C'est bien simple, Marcus et sa bande font partie de la famille désormais, et je ne veux plus vivre dans un monde où <b>Deadly Class</b> n'existerait pas.</div>
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<b>Tokyo Ghost</b> : cette brute de talent qu'est Sean Murphy rejoint Remender pour mettre en images, de la plus belle des façons, la course poursuite d'un couple qui s'aime par-delà les différences, à travers un monde corrompu par le buzz, le sang et le pouvoir. La technologie face à la beauté de la nature, une thématique simpliste mais traitée avec un sérieux qui fait plaisir à voir, en ces temps où le cynisme gangrène notre quotidien avec une aisance folle.</div>
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<b>Seven to Eternity</b> : cette fois, Remender retrouve son compère de <b>Fear Agent</b> et plonge complètement dans la fantasy la plus pure. En tissant un univers aux créatures impossibles, en inventant des concepts aussi farfelus que forts et percutants, le duo d'artiste se prépare à retranscrire une épopée qui risque bien de laisser son empreinte dans l'histoire des comics américains. C'est fluide et intelligent, le récit parle d'amour, de sacrifice et d'honneur, à travers des personnages qui s'éloignent drastiquement des canons les plus banals, sans oublier la magnificence des planches de Jérôme Opeña qui rend ici l'un de ses travaux les plus aboutis.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-_EMR8ANeGiy7jP1V9gKYtlWr69F_KgK4RfsRCRpPMrU1K4fiBB-pOUjJomdmxqRD8W9dCAXy_Sy1BLIBIihM-lffWHfqchTy5J9987Q7m_2D3meS4mGNFvL3POUkOc3kurYV-geJZ-7P/s1600/c00+%25281%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" height="160" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-_EMR8ANeGiy7jP1V9gKYtlWr69F_KgK4RfsRCRpPMrU1K4fiBB-pOUjJomdmxqRD8W9dCAXy_Sy1BLIBIihM-lffWHfqchTy5J9987Q7m_2D3meS4mGNFvL3POUkOc3kurYV-geJZ-7P/s640/c00+%25281%2529.jpg" width="640" /></a><br />
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5) Quentin Tarantino : <b>The Hateful Eight</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNIVEYrB1ZKEQmgMMk2vrJUH4q8aq-JNSriN7Vpr4eZbkB-Gl1HvXW4COPGfCCR__hW-50NhrUShbVAuYVlXI6oxCH2zS64mpqtFmt5J-I0f40EM9yTqro68igkab_Pdl25LbpvEe3dyz8/s1600/edmiston-the-hateful-eight.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNIVEYrB1ZKEQmgMMk2vrJUH4q8aq-JNSriN7Vpr4eZbkB-Gl1HvXW4COPGfCCR__hW-50NhrUShbVAuYVlXI6oxCH2zS64mpqtFmt5J-I0f40EM9yTqro68igkab_Pdl25LbpvEe3dyz8/s640/edmiston-the-hateful-eight.jpg" width="640" /></a></div>
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Ou la naissance de l'Amérique moderne à travers un huis-clos éprouvant, enveloppé d'une paranoïa excessive propice aux débordements les plus violents. L'ami Quentin revient avec un huitième opus maîtrisé, pensé comme une pièce de théâtre malsaine dans laquelle chaque acteur se dissimule derrière un masque de rancœur. La mise en scène appuyée offre à ces personnages une scène apte aux rebondissements les plus imprévisibles, orchestrés autour de gimmicks parfois humoristiques, parfois bien plus sérieux, mais toujours efficaces. Les dialogues, ciselés, et la bande-son de Morricone achèvent de faire de <b>The Hateful Eight</b> une réussite monstrueuse, un objet de cinéma aussi hypnotique que franchement culotté.</div>
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4) Nicolas Winding Refn : <b>The Neon Demon</b><br />
<b><br /></b>
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Le film qui a divisé la sphère web en deux. Qu'il abandonne nonchalamment les derniers fans du réalisateur sur le bord de la route, ou qu'il les embarque pour un trip sensitif extrême, le dernier effort de NWR ne laisse pas indifférent. Relecture moderne et facile du mythe du vampirisme, étudié sous le prisme de la mode et des apparences, <b>The Neon Demon</b> délie au maximum sa narration pour proposer davantage une suite de scènes visuelles interconnectées qu'un véritable récit au sens strict du terme. Une bande-son électronique envoûtante habille des images léchées, traversées par un casting impliqué mais fantomatique. Comme si <b>Vogue</b> se mettait en mouvement, <b>The Neon Demon </b>exporte sur l'écran l'un des maux de ce siècle, et offre une expérience aussi originale que sans concession.</div>
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3) Mamoru Hosoda : <b>Le Garçon et la Bête</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1yF5fpk3k0IGz66WO2PJrRVQWxnGe0Le2nw6KNcx9cBYPhdGP1cssmLiANEm5xnZwjSS8hB2hd22G9crZK0WZMb8H_rAzdOyhWqQErdlugBUuEqHHIFZih-WP8RfpsEmDhstAHTPahz3y/s1600/6ef178ff.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="380" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1yF5fpk3k0IGz66WO2PJrRVQWxnGe0Le2nw6KNcx9cBYPhdGP1cssmLiANEm5xnZwjSS8hB2hd22G9crZK0WZMb8H_rAzdOyhWqQErdlugBUuEqHHIFZih-WP8RfpsEmDhstAHTPahz3y/s640/6ef178ff.jpg" width="640" /></a></div>
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Dernier effort du talentueux Mamoru Hosoda, ce dessin-animé à priori inoffensif dissimule une fable épatante, sorte de synthèse entre la magie d'un Hayao Miyazaki qui croiserait les errements spirituels d'un Makoto Shinkai. <b>Le Garçon et la Bête</b> est un récit qui s'étale sur plusieurs années et s'intéresse à la notion de transmission, à l'héritage que laisse les morts aux vivants. En raconter davantage gâcherait fortement la découverte du film, qu'il vaut mieux découvrir vierge de toute information. L'expérience est totale, sublimée par une bande-son de folie, mystique, lyrique et parfois guerrière, tandis que des décors absolument hallucinants portent l'action avec une aisance qui force le respect. Le cinéma délivre quelques fois des classiques instantanés, <b>Le Garçon et la Bête</b> en est un, et il faudra compter sur Mamoru Hosoda pour aiguiller l'animation japonaise dans les années à venir.</div>
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2) Travis Knight : <b>Kubo and the two strings</b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiXSqy6D8LSb-iTccxMLoU-Ywt_fNmgHD5nXozepVWQIFgPTJdVgBFdBAKG7r4yR0ILToo7xyjseQ9Se7yvteN3lzhyphenhyphend5X7uK8VVhXoZC_eRTJ40vT8lkV1S1uQYxiGSv1uPdoXXGngoQP/s1600/Pic+6.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiXSqy6D8LSb-iTccxMLoU-Ywt_fNmgHD5nXozepVWQIFgPTJdVgBFdBAKG7r4yR0ILToo7xyjseQ9Se7yvteN3lzhyphenhyphend5X7uK8VVhXoZC_eRTJ40vT8lkV1S1uQYxiGSv1uPdoXXGngoQP/s640/Pic+6.jpg" width="640" /></a></div>
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<span style="text-align: justify;">L'aboutissement, voilà ce qu'incarne </span><b style="text-align: justify;">Kubo</b><span style="text-align: justify;">. L'aboutissement créatif pour le </span><i style="text-align: justify;">Studio Laika</i><span style="text-align: justify;"> qui délivre ici un récit d'une rare finesse sur le deuil, d'une beauté transcendante. Présenté comme un récit initiatique aux inspirations asiatiques, le long-métrage tranche complètement avec le reste de la production grâce à une tonalité sombre et dramatique, ainsi qu'une emphase constante sur le sacrifice et la disparition. Dernier survivant d'une famille déchirée, le jeune Kubo va voyager et affronter des dangers aussi retors qu'originaux, traversant des décors divins animés avec une précision d'horloger, tandis qu'en toile de fond se délie toute une réflexion sur la mort et le pouvoir des histoires. Voire la nécessité de se raconter des histoires. Une perle.</span><br />
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1) Na Hong-jin : <b>The Wailing</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHqvv1lGwyBrdxUxjTaJdWYGiDCY0Ihi2B0eceiLbfs-6EnaRC2vUJD7Tc-XWAtdD4RLMEaO-5ISGny32rwDY9-2V0w57TyWkzE8H-1J-2CzEbNpQw_a1FDZPTtp_cY4plNJQAjtKndXwh/s1600/thestrangers_03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHqvv1lGwyBrdxUxjTaJdWYGiDCY0Ihi2B0eceiLbfs-6EnaRC2vUJD7Tc-XWAtdD4RLMEaO-5ISGny32rwDY9-2V0w57TyWkzE8H-1J-2CzEbNpQw_a1FDZPTtp_cY4plNJQAjtKndXwh/s640/thestrangers_03.jpg" width="640" /></a></div>
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Sorti chez nous sous le titre <b>The Strangers</b>, la dernière péloche du coréen Na Hong-jin est une fresque sur le Mal, sous toutes ses formes. Des névroses qui se cachent en chacun, de la peur de l'autre, jusqu'au mal absolu, <b>The Strangers</b> est un labyrinthe moral aussi intense que fantastique, à ne pas mettre entre toutes les mains, qui distille une noirceur absolue, où chaque seconde qui passe absorbe un peu plus les dernières étincelles de lumière et d'espoir.</div>
<div style="text-align: justify;">
Cliquez sur le lien ci-dessous pour accéder à l'analyse du film, gare aux spoilers :</div>
<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2015/08/the-wailing.html">http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2015/08/the-wailing.html</a><br />
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Citons aussi quelques pépites qui méritent la découverte, comme l'incroyable <b>Mademoiselle</b>, du sulfureux Park Chan-wook, qui déploie ici ce qui est peut-être son meilleur film depuis <b>Old Boy</b>. Le retour de Mel Gibson sous la casquette de metteur en scène se fait dans le sang et les larmes, avec cet immense plaidoyer anti-guerre qu'est <b>Tu ne tueras point</b>, une claque magistrale qui n'égale cependant pas <b>Apocalypto</b>. <b>High Rise</b>, de Ben Weathley, casse gueule et hypnotique, ne séduira pas le grand public : il reste pourtant l'un des long-métrages les plus sensoriels de 2016. N'oublions pas les inédits que sont <b>The Age of Shadows</b> ou <b>I am a hero</b>, respectivement un film historique du prodige Kim Jee-woon et une péloche de zombies, deux mandales en provenance d'Asie.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgG_8qW5Q4Qp1cjzf9qh9dyY9IIfuGVjQTfYV3w46K6qYfgh1lD_0scoW3_pEypFUQ5ZsGgiq706X0XZA6DqyX0LyTOVaVLYiWAPi1oBmv79ra_hnregGb3IfuE3VEip1MzOnlPBBziXA-F/s1600/113647.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgG_8qW5Q4Qp1cjzf9qh9dyY9IIfuGVjQTfYV3w46K6qYfgh1lD_0scoW3_pEypFUQ5ZsGgiq706X0XZA6DqyX0LyTOVaVLYiWAPi1oBmv79ra_hnregGb3IfuE3VEip1MzOnlPBBziXA-F/s640/113647.jpg" width="640" /></a></div>
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<img border="0" height="160" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2RPffJdOf_3jWSIGfKH_HMCNPTjE9mCStAkOfKDQY4QP8vAKhG5B6jprEWaPXeqXAOmVjkOmZ0166EK0E0sFCvQzDI4wV45G50sYDBvv8MRmuG926fWYolqHxUdtvJR7akBsaoxantBPj/s640/j00.jpg" style="color: #0000ee; text-align: center;" width="640" /><br />
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5) <b>Ori and the blind forest</b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGUgcXfuqOSoSf0EpIW6fPX6nl8kgfWVGqBsQclbu1oeu7YT5gr-HUwMvNU4xij5oDhfzkkQ2rziynwEcpdgiCsiK6fT-_qtHii7BWtVmupMi-BU6iCk_X2V5_2bLdKK3uM8tEgsUultp5/s1600/ori_and_the_blind_forest.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="358" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGUgcXfuqOSoSf0EpIW6fPX6nl8kgfWVGqBsQclbu1oeu7YT5gr-HUwMvNU4xij5oDhfzkkQ2rziynwEcpdgiCsiK6fT-_qtHii7BWtVmupMi-BU6iCk_X2V5_2bLdKK3uM8tEgsUultp5/s640/ori_and_the_blind_forest.jpg" width="640" /></a></div>
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Oui, techniquement le jeu date de 2015. Mais 2016 a vu cette pépite commercialisée dans une version physique et complète bardée de bonus. L'occasion idéale pour (re)plonger dans cet univers féerique au gameplay exigeant, enveloppé d'une bande-son parmi les plus magnifiques jamais composées. Les graphismes splendides et l'animation détaillée donnent vie à un jeu formidable, où la narration épurée trouve une place toute particulière. Les différentes séquences s'enchaînent à un rythme affolant, alternant entre des phases contemplatives immersives, des scènes narratives qui feront fondre vos cœurs, ou des phases de fuite éreintantes qui au contraire le feront palpiter plus que jamais. En plus d'être un vrai jeu vidéo, avec une courbe d'apprentissage bien dosée, <b>Ori</b> offre un esthétisme savoureux, à la direction artistique sublimée par des panoramas irréels dans lesquels se perdre n'est jamais source d'ennui.</div>
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4) <b>Shadow Tactics</b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-BSCE3OnBfNNcAUrM0WVFW3eCJagKkOrVD_OQHKJlYtRybpMRvi2iwJAa0C3psl9ORjnVEpixmqly24E4_fklOFKcy6eCFP_5fWe_x59gbHQ5xcteshWd73yc4Fc_nQ1_k2b6IzkQyy5P/s1600/shadowtactics-1280-1481834674027_1280w.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-BSCE3OnBfNNcAUrM0WVFW3eCJagKkOrVD_OQHKJlYtRybpMRvi2iwJAa0C3psl9ORjnVEpixmqly24E4_fklOFKcy6eCFP_5fWe_x59gbHQ5xcteshWd73yc4Fc_nQ1_k2b6IzkQyy5P/s640/shadowtactics-1280-1481834674027_1280w.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>Commando </b>au Japon. Ces quelques mots devraient vous faire quitter cette page et foncer acheter ce jeu immédiatement. Pour les réfractaires, sachez que le jeu offre un vrai challenge grâce à un gameplay aux petits oignons mis à l'épreuve par un level design hallucinant d'inventivité. Cerise sur le gâteau, la direction artistique est sublime et la bande-son d'une efficacité redoutable.<br />
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3) <b>Dragon Quest VII</b> / <b>Dragon Quest Builders</b><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJyt2pzPMYMp0z82-zy0NaNu1IYiV0oCA2eq_ZgkgyQ9CbHdvxYNJvIGWgycKDux8qf4Mhscz9DaatyMx7lRnK2u31QzoAw_yClStQDgNVPYs5PnDsNju8geMq02d6jDASU-ESFWUnL5sW/s1600/3069191-8696173766-27247.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJyt2pzPMYMp0z82-zy0NaNu1IYiV0oCA2eq_ZgkgyQ9CbHdvxYNJvIGWgycKDux8qf4Mhscz9DaatyMx7lRnK2u31QzoAw_yClStQDgNVPYs5PnDsNju8geMq02d6jDASU-ESFWUnL5sW/s640/3069191-8696173766-27247.jpg" width="640" /></a></div>
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En attendant l'arrivée d'un onzième opus qui s'annonce dément, les fans de <b>Dragon Quest</b> furent gâtés en 2016 grâce à l'arrivée de deux épisodes différents, mais excellents. <b>Dragon Quest VII : La quête des vestiges du monde</b>, est un chapitre fantastique, doté d'une narration exemplaire, qui s'impose sans mal parmi les meilleurs opus de la saga principale. Rythmé, enchanteur et épique, cet épisode porte les couleurs du jeu de rôle japonais traditionnel avec fierté, tant il s'avère abouti sur tous les points. Une traduction française de qualité s'invite de plus à la fête, faisant de ce <b>Dragon Quest VII </b>un incontournable.<br />
De son côté, <b>Dragon Quest Builders</b> célèbre avec panache l'anniversaire de la saga. Sorte de <b>Minecraft </b>dopé aux codes du RPG, <b>Builders </b>est une réussite totale: varié et très long, le jeu est une ode à la création. Rempli d'un contenu affolant (bestiaire, composants, recettes, équipement, possibilités de construction, quêtes, etc), le jeu offre une expérience nouvelle et attachante. Un ravissement de chaque instant, porté par une bande-son évocatrice et une maniabilité quasi irréprochable.</div>
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2) <b>Dishonored 2</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaRQpA7Qk3jafhzebhBQ_LpdCMmYOSQYgJ8b2bmYSmUw0yUJda0e4RuVCMjgS_s6WLVqsn0N1c-FiGlnTlczdW7re4SgFpJgAq5Ww5YeXj_cv-f6svQH3xmdtq1zpE3EC4OttP9JKV2qhF/s1600/3104894-dishonored_2_qc_01_1470339134.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaRQpA7Qk3jafhzebhBQ_LpdCMmYOSQYgJ8b2bmYSmUw0yUJda0e4RuVCMjgS_s6WLVqsn0N1c-FiGlnTlczdW7re4SgFpJgAq5Ww5YeXj_cv-f6svQH3xmdtq1zpE3EC4OttP9JKV2qhF/s640/3104894-dishonored_2_qc_01_1470339134.png" width="640" /></a></div>
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Le premier épisode avait défriché le terrain, mais ce second opus lui colle une fessée colossale. Plus ouvert, plus étudié, plus permissif, plus ludique, plus beau, plus tout. Un level design de folie furieuse offre au joueurs des heures et des heures d'infiltration, tant les approches sont multiples. C'est foisonnant, dense et éclatant, c'est du jeu vidéo à l'état brut, profitant du média comme rarement d'autres le font. Entre les structures architecturales évolutives et mobiles, les niveaux qui se déroulent sous deux trames temporelles en parallèle, les quartiers ouverts bardés de découvertes et les objectifs annexes, le joueur ne peut que se perdre dans ce monde insensé propice aux escapades les plus folles.</div>
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1) <b>Final Fantasy XV</b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5k9hKLS6KL6fnUfetAuVUm-BRmRMsxV7QfHHEPxFsZNzcPXYzYFqVEVkedvEb2COwFU6f0th2YXGvTk_ZJL1JVKp_ZC2o_GFygbDn3JDeddISnunEdC-mk7SBW_GCoIhm8XIPLX9dE93i/s1600/final_fantasy_xv_leviathan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5k9hKLS6KL6fnUfetAuVUm-BRmRMsxV7QfHHEPxFsZNzcPXYzYFqVEVkedvEb2COwFU6f0th2YXGvTk_ZJL1JVKp_ZC2o_GFygbDn3JDeddISnunEdC-mk7SBW_GCoIhm8XIPLX9dE93i/s640/final_fantasy_xv_leviathan.jpg" width="640" /></a></div>
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Conspuées ou vénérées, c'est à ça que l'on reconnaît les œuvres marquantes. <b>Final Fantasy XV</b> en est incontestablement une. Profondément humain et tragique, le jeu surprend autant qu'il ensorcelle. Proposant un contenu absolument immense, servi par un univers cohérent et des personnages attachants, l'aventure qu'offre le jeu est un voyage fantastique où le réalisme côtoie l'impossible.</div>
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<img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_gENN4ORkImQhUdWN_b2vODWKxJPMz8JA04jNtycW6600Ed8buDBh8Tinyv9l5zuIfUFhHs5ScI0vHR19RtQXllyL8OfipwUvijShr2jXXK5WltopTMxkpD-h7m-MTBlZJj23ATj8gnE/s640/s00.jpg" /><br />
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Beaucoup de confirmations et de nouvelles sorties intéressantes cette année, ainsi que quelques nouveautés qui furent diffusées en grande pompe. Je pense bien sûr aux pétards mouillés que sont Westworld (encore une série qui étire son intrigue jusqu'à plus soif à travers des épisodes qui, s'ils brillent techniquement, restent d'une banalité confondante en terme de narration) ou, pire encore, Stranger Things (qui parvient à faire absolument TOUT ce qu'une série doit éviter). Quelques très bonnes sorties rattrapent tout ça, de <b>Vice Principals</b> (hilarant) à <b>Ash vs Evil Dead</b> (déjà culte pour sa scène de la morgue absolument ignoblement drôle - oui, ils ont diffusé ça à la télévision), tout comme d'autres productions continuent leur bonhomme de chemin avec une rigueur qui fait plaisir à voir (<b>The man in the high castle</b>, excellent, mais à qui il manque encore un petit quelque chose pour figurer au panthéon des meilleures séries télévisées de l'année). Citons l'absence remarquée de Doctor Who, qui ne surgit cette année qu'au détour d'un unique épisode de Noël, très distrayant, faisant un pied-de-nez à l'invasion des univers comics sur les grands écrans. Bref, inutile de faire durer le suspense plus longtemps, vos nerfs n'en peuvent déjà plus, ainsi, place aux heureux élus.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUzeoGnongAQNM8xiwu7Df7i19CbJuJAJqGZI1vMLwsWOeAOp6guoa9mYYd3gc6ss7EqHEYkAkiEwMtpMKCbs_WA-E3yz_j-38DAjdiggJyDs7VqkmWXa5TGb0tCTcnLWWClfEjI4ZB6_c/s1600/s01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="370" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUzeoGnongAQNM8xiwu7Df7i19CbJuJAJqGZI1vMLwsWOeAOp6guoa9mYYd3gc6ss7EqHEYkAkiEwMtpMKCbs_WA-E3yz_j-38DAjdiggJyDs7VqkmWXa5TGb0tCTcnLWWClfEjI4ZB6_c/s640/s01.jpg" width="640" /></a></div>
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5) <b>American Horror Story : My Roanoke Nightmare</b><br />
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Nouveau changement de cap pour la bande d'<b>American Horror Story</b> qui cette fois rend hommage aux found footage. En mélangeant une nouvelle fois plusieurs inspirations, du <b>Massacre à la tronçonneuse</b> de Tobe Hooper (1974) aux films de fantômes asiatiques, <b>My Roanoke Nightmare</b> propose une plongée dans la folie qui ne cessera d'interroger les limites du média. C'est malin, brillament écrit, les acteurs s'éclatent, et malgré une censure toujours incompréhensible, certaines scènes frôlent l'inavouable. Un seul regret : l'absence de générique.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbhVvnkncRYiO7aaThZV88Az6S4TvxgYzRNhO99Rq-8wvJIK4FCUEmHak56Ivbt36DEnT17sBx9bEkaYibYURyXZQip_LQfAYd2z6kAy9GBCKT6GikYva6e-dOKGgAmwih2WiSzcTrAeg9/s1600/s02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbhVvnkncRYiO7aaThZV88Az6S4TvxgYzRNhO99Rq-8wvJIK4FCUEmHak56Ivbt36DEnT17sBx9bEkaYibYURyXZQip_LQfAYd2z6kAy9GBCKT6GikYva6e-dOKGgAmwih2WiSzcTrAeg9/s640/s02.jpg" width="640" /></a></div>
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4) <b>Crazy Ex-Girlfriend</b><br />
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Une confirmation, avec un début de seconde saison qui poursuit les expérimentations entamées par les premiers épisodes. Comédie musicale à la réalisation inventive, peuplée de personnages immédiatement attachants menés par une actrice principale absolument cinglée, cette petite pépite d'une originalité folle est une ode à la bonne humeur et à la rigolade. Les chansons, le cœur du spectacle, sont toutes absolument fantastiques, enrôbées d'un humour parfois délicieusement cynique, parfois simplement trash. Névrosée et hilarante, <b>Crazy Ex-Girlfriend</b> est une série d'utilité publique !</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnOPAe8fIjbtvjDWOiCwuw06W5vWc5tuy_IX1Wdh-etYyrowhcSEelqXmb2pH-XYzecKBpCw6AvGXgZeN0pIrc_XBc_MJS1k9cCO2cpiX21xJVz-20aOOQAPnwHR2O3fUwTfkAFHRWVQAC/s1600/s03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnOPAe8fIjbtvjDWOiCwuw06W5vWc5tuy_IX1Wdh-etYyrowhcSEelqXmb2pH-XYzecKBpCw6AvGXgZeN0pIrc_XBc_MJS1k9cCO2cpiX21xJVz-20aOOQAPnwHR2O3fUwTfkAFHRWVQAC/s640/s03.jpg" width="640" /></a></div>
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3) <b>BrainDead</b><br />
<b><br /></b>
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Mélanger une série politique et d'invasion alien ? Ils l'ont fait. Bien entendu, le public n'a pas suivi, et la série est déjà annulée, après une première saison satirique d'un cynisme absolu. L'écriture des dialogues et des situations est renversante, accentuée par des acteurs totalement investis. <b>BrainDead </b>alterne les tons avec une aisance rare, sans jamais oublier son propos qui brasse plusieurs thématiques contemporaines variées. La réalisation à première vue relativement sobre cache quelques éclats (répétition, montage, oppositions, etc) qui confèrent à la série une ambiance particulièrement intéressante, entre paranoïa et déconnexion totale par rapport à la réalité. Un projet enterré qui aurait mérité de briller davantage.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYy65rUEyW-AXmJask-fs8ycrfrFq9yvmosZ7oxz-vh7wBTA0LozUObb2_dKPXBlWJbmLDxFk29AEcS9TzlfKf_Ej_FMGOaoj4-C-PY1VRQp2kiwelcgVS99xhDWDYFPEj3ZIRUAGzueOp/s1600/s04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYy65rUEyW-AXmJask-fs8ycrfrFq9yvmosZ7oxz-vh7wBTA0LozUObb2_dKPXBlWJbmLDxFk29AEcS9TzlfKf_Ej_FMGOaoj4-C-PY1VRQp2kiwelcgVS99xhDWDYFPEj3ZIRUAGzueOp/s640/s04.jpg" width="640" /></a></div>
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2) <b>The Night of</b><br />
<b><br /></b>
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Davantage une série sur le système judiciaire américains, ses contrastes et ses failles, à travers l'étude d'un sordide fait divers. Porté par un casting brillant, la série s'attarde sur la complexité de l'être humain, son imperfection et le masque qu'il porte en société. Ciselé avec une rigueur époustouflante, le scénario se tortille dans tous les sens, achevant de tisser une toile faite de révélations improbables et de surprises terrifiantes. <b>The Night of</b> s'offre en plus un aspect ludique qui ne peut que maintenir le spectateur en haleine tandis qu'il prend part de manière active à cette enquête qui ne cesse de s'étirer. Les acquis volent en éclat à mesure que la rumeur enfle et détruit peu à peu les personnages liés de près ou de loin à cette affaire. Un spectacle urbain dont la maîtrise rappelle les plus belles heures de <b>Breaking Bad</b>.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV7FYQcM-dwdv1E6sTKYUeQZlzH2IALnWk7gCHKMmWFZH0LMOskXKopkX282QM3EHq_zWmXALAf_5D1E9SPeGmqLdLQImXFR6HRoqCCZH6Zixs3_Ec_XdxngV-O3y9U7iyawVLzoyI4Kxg/s1600/s05.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="354" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV7FYQcM-dwdv1E6sTKYUeQZlzH2IALnWk7gCHKMmWFZH0LMOskXKopkX282QM3EHq_zWmXALAf_5D1E9SPeGmqLdLQImXFR6HRoqCCZH6Zixs3_Ec_XdxngV-O3y9U7iyawVLzoyI4Kxg/s640/s05.jpg" width="640" /></a></div>
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1) <b>Dirk Gently's Holistic Detective Agency</b><br />
<b><br /></b>
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Cette énième série produite par le réseau <i>Netflix </i>adapte de la plus belle des manières l'univers créé par Douglas Adams, principalement connu pour son Guide du voyageur galactique. Cette première saison de huit épisodes développe un univers aux confins de l'absurde, peuplé de personnages tous plus impossibles les uns que les autres. L'humour et l'absurdité des séquences ne versent cependant jamais dans la gratuité, leur justification s'avère narrative et chaque élément décalé, chaque retournement de situation improbable sert l'histoire. Le montage au poil et la bande-son électronique offrent à la série d'autres atouts de taille, qui mettent en valeur un scénario ciselé au millimètre malgré son abracadabrantesque somme de bizarreries. Des acteurs possédées achèvent de faire de <b>Dirk Gently</b> une réussite incontestable, sur tous les niveaux.<br />
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquez ici pour revenir à l'index</a></div>
Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-16722440810160676102014-05-23T15:49:00.000-07:002014-07-27T04:24:27.292-07:00Love Hina<div class="MsoNormal">
<div style="text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigEXIjLRXl1lZZotkqGSxAtCD4Wu5aDTsl9A9lzFtjuNo-yBd-4RMS6icFhyGfQSkEhlO-_EjYk44z_IoJ0Z-a7yQtsSHW81dsWEuCGGuw-FXmar0S8R892O8TAkN_qMWs9KIdQLRYKps/s1600/01.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigEXIjLRXl1lZZotkqGSxAtCD4Wu5aDTsl9A9lzFtjuNo-yBd-4RMS6icFhyGfQSkEhlO-_EjYk44z_IoJ0Z-a7yQtsSHW81dsWEuCGGuw-FXmar0S8R892O8TAkN_qMWs9KIdQLRYKps/s1600/01.png" height="248" width="320" /></a></div>
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<i>Note: Pour le tout premier article publié sur Les Toiles Noires, j'ai choisi de parler du manga Love Hina. Pourquoi ? Premièrement pour démontrer que ces pages ne seront pas consacrées à l'actualité, car c'est une course que je trouve insensée. Je souhaite privilégier le fond à la forme, l'analyse à l'immédiateté. Il y a des œuvres qui méritent que l'on parle d'elles, qu'on les partage, peu importe qu'elles soient parues avant ou après l'an 2000. C'est une œuvre qui se découvre peu à peu, qui se joue des clichés et qui fait preuve d'une nostalgie presque palpable. Mais trêve de bavardages, je vous souhaite une agréable lecture, le temps de découvrir ou redécouvrir l'univers déjanté de Love Hina.</i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNr8lvJBzuuoxO6XmpmMJaU1TPmbapWk86lJwLMeZKhIsaPAaxPoTneKmG_vVZwz-0JoJebaELu9bevPMzPHfaYoZqGiNTq36-zAheO4uhvYUPOBCa18FWBPCQHOxBH96RLXQJ4V6fT_w/s1600/07.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNr8lvJBzuuoxO6XmpmMJaU1TPmbapWk86lJwLMeZKhIsaPAaxPoTneKmG_vVZwz-0JoJebaELu9bevPMzPHfaYoZqGiNTq36-zAheO4uhvYUPOBCa18FWBPCQHOxBH96RLXQJ4V6fT_w/s1600/07.jpg" height="240" width="320" /></a><b>Love Hina</b> est un manga comico-romantique, écrit et dessiné par Ken Akamatsu, et publié pour la première fois en 1999 au Japon. Le manga mêle habilement une intrigue principale à plusieurs chapitres dits <i>tranche de vie *</i>, tout en distillant un humour irrésistible basé sur le comique de situation et les quiproquos. Le manga dépeint le portrait du jeune Keitaro Urashima, jeune homme de 19 ans tendrement surnommé le SFF (pour "Sans Fac Fixe"). En effet, Keitaro tente désespérément d'intégrer les rangs de la plus prestigieuse université japonaise, Tokyo Daigaku, ou Todai. Malheureusement, la moyenne du jeune homme plafonne à 40 / 100, il n'a jamais réussi l'examen d'entrée à la fac. Si Keitaro tient absolument à intégrer la célèbre université, ce n'est pas pour satisfaire son égo, mais tout simplement pour tenir une promesse faite il y a quinze ans, durant son plus jeune âge: franchir les portes de Todai pour y retrouver son amour d'enfance, une petite fille dont il a oublié le nom. Cette promesse sera le moteur de l'intrigue principale de <b>Love Hina</b>. Malheureusement, Keitaro a maintenant 19 ans et il collectionne les échecs. Suite à ses mauvaises notes répétées, ses parents l'ont mis à la porte. Aussi, le SFF se rend à la pension Hinata, un établissement que gère sa grand-mère, situé au coeur d'une cité balnéaire éloignée du centre-ville tokyoïte. Hors, suite à une série d'événements improbables, Keitaro se retrouve à la tête de la pension Hinata, qui est d'ailleurs devenue une pension réservée aux femmes. La vie de Keitaro et de ses cinq pensionnaires féminines ne fait que commencer.</div>
</div>
<div class="MsoNormal">
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<blockquote class="tr_bq">
* Tranche de vie<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Le manga tranche de vie se focalise sur une petite partie de l'existence d'un ou plusieurs protagonistes. Généralement, la tranche temporelle de ces séquences se veut très courte, tout comme l'unité de lieu est respectée, qu'il s'agisse d'une maison ou d'un quartier. La plupart des mangas tranches de vie se veulent soit mélancoliques, soit humoristiques. Ses petites séquences sont souvent caractérisées par la présence d'un événement particulier, qui peut être fantastique ou anodin. </i></div>
</blockquote>
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<div style="text-align: justify;">
Bien évidemment, ce sont les relations entre Keitaro et ses colocataires qui vont rythmer le récit, chaque résidente possédant sa propre personnalité et sa propre histoire. Les caractères sont d'ailleurs très variés, et s'articulent autour d'un stéréotype bien particulier, stéréotype qui volera en éclats au fur et à mesure de l'avancée du récit. Les personnages ne sont pas figés, ils évoluent à mesure que le scénario progresse et que leur propre histoire se développe. Ainsi, le passé de plusieurs protagonistes sera exploré, tout comme il arrivera que le lecteur rencontre leurs proches ou en apprenne plus sur eux. Le manga propose une véritable évolution, ce qui évite à l'auteur de proposer des situations trop semblables entre elles, malgré le fait que la narration suive une construction cyclique. La construction de l'histoire principale se met doucement en place au fil des tomes, des tomes ponctués par des sous-intrigues parfois à but purement humoristique, ou d'autres clairement essentielles. Mais avant d'aborder la construction du récit, il convient de présenter les personnages qui gravitent autour de Keitaro, et sans qui <b>Love Hina</b> ne serait rien.</div>
</div>
<div class="MsoNormal">
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal">
<div style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAnx6EDxqL2MpNqyIcB4DoY7vqzRodj-a4B1qBxOSbp4OmEcR8HgZzkby5lnTOtxmnta2JEML_dlmjHmCi9-9dp_CPmWSzxVB1v1UZeJXFUfC_m8N5kxUM7n5nvUNa0gH432V_LZEMC_I/s1600/06.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAnx6EDxqL2MpNqyIcB4DoY7vqzRodj-a4B1qBxOSbp4OmEcR8HgZzkby5lnTOtxmnta2JEML_dlmjHmCi9-9dp_CPmWSzxVB1v1UZeJXFUfC_m8N5kxUM7n5nvUNa0gH432V_LZEMC_I/s1600/06.png" height="200" width="133" /></a>Sû Kaora est une immigrée qui vient étudier au Japon. Véritable geek, son amour pour la technologie lui permettra de fabriquer divers accessoires utiles (ou pas) au récit. Fougueuse, voire carrément hyperactive, sa joie de vivre communicative permet un étalage de situations absurdes et cocasses. Lors de ses dialogues, Sû cite souvent des oeuvres existantes, comme <b>Star Wars</b>, et il lui arrive de se promener avec sa console Dreamcast posée sur sa tête, ce qui permet à l'auteur d'inscrire son histoire dans le monde réel, en rendant cet univers fictif plus proche du nôtre. Sû est une fonceuse dont le tempérament fera plusieurs fois avancer l'histoire. Heureusement, sa propre histoire personnelle n'est pas mise de côté: le mystère sur ses origines plane tout au long de la série, tandis que ses sentiments seront peu à peu développés, notamment sa solitude, et l'absence de sa famille qui lui pèse plus que ce qu'elle ne montre. Sû reste beaucoup aux côtés de Motoko Aoyama.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLJvu_LBdySvvUQAIryTr9GT4fLPNkgtrr1w4XR2eCzt5gl0s-oywFaiWi2gKZuHNcXmRFKm_9xrVUqIkbYQjL8Y6q7kY9tRWBY12tzqNHnkOpTpeC5sm1F_63k5rgdBFR7oJunELTVN4/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLJvu_LBdySvvUQAIryTr9GT4fLPNkgtrr1w4XR2eCzt5gl0s-oywFaiWi2gKZuHNcXmRFKm_9xrVUqIkbYQjL8Y6q7kY9tRWBY12tzqNHnkOpTpeC5sm1F_63k5rgdBFR7oJunELTVN4/s1600/03.jpg" height="200" width="177" /></a>Motoko est une kendoka puissante, mais solitaire et réservée, vouant une importance capitale au sens de l'honneur. Dès le début de l'histoire, Motoko n'apprécie pas Keitaro, elle représente d'ailleurs la plus terrible menace à son encontre, ce qui sera exploité au cours de diverses situations. Bien entendu, comme pour les autres personnages, le caractère de Motoko s'étoffera au fil des chapitres, via ses doutes et ses questionnements, mais aussi grâce à la présence de sa famille. Taciturne et réfléchie, Motoko s'affranchira bien vite des limites du cliché qu'elle incarne, pour dessiner un personnage profond et attendrissant.</div>
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<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSciFMD22BYhgajah5wBiQbjVruDqow1tMVY10z4IFKAoap8ntWA1e797I234OtpbX8-FuhGERs4GTimkeZal8EgD5bpbQoQw3WTJucAVfyMGc1JVEDTgKTz6kJ4ztNvYzREfCrtp8YDE/s1600/05.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSciFMD22BYhgajah5wBiQbjVruDqow1tMVY10z4IFKAoap8ntWA1e797I234OtpbX8-FuhGERs4GTimkeZal8EgD5bpbQoQw3WTJucAVfyMGc1JVEDTgKTz6kJ4ztNvYzREfCrtp8YDE/s1600/05.png" height="200" width="133" /></a>Mitsune Konno est l'aînée du petit groupe. Surnommée "Kitsune", qui signifie "renard" en japonais, par ses amies, à cause de ses traits félins, elle incarne le personnage le plus libre du manga. Elle représente une jeunesse qui se cherche, vivotant de petits jobs à droite à gauche, et fait preuve d'un optimisme à toute épreuve. Mais Kitsune sait aussi être manipulatrice quand ça l'arrange, même si elle se soucie du bien-être de ses proches. Elle ne s'embarrasse pas d'hésitation, c'est une jeune femme qui croque la vie à pleines dents. Pourtant, l'échec hante son passé, et Kitsune fait tout pour l'oublier, avant de faire face et de les assumer pour aller de l'avant. Il est évident que Kitsune est le personnage qui incarne le passage à l'âge adulte.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNnzxjNZqOWV4s0U813xKcfkJMou4ytQ8Aanb7xfWiOWkMjkqadkMKgCXOw3yedvPB43sW3iuhbnp9Eck_J4-8Exw9CJoH-awjwh2OJJ53dKY4JGzCVA6i6tJr-Wr51AZ5T8QOQoRnppM/s1600/04.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNnzxjNZqOWV4s0U813xKcfkJMou4ytQ8Aanb7xfWiOWkMjkqadkMKgCXOw3yedvPB43sW3iuhbnp9Eck_J4-8Exw9CJoH-awjwh2OJJ53dKY4JGzCVA6i6tJr-Wr51AZ5T8QOQoRnppM/s1600/04.png" height="200" width="133" /></a>Shinobu Maehara est la cadette de la pension Hinata. Livrée à elle-même, ce sont ses parents qui ont décidé de l'envoyer vivre à la pension pour qu'elle puisse étudier sereinement. Shinobu est une jeune fille souriante et volontaire, elle s'acquitte toute seule de la plupart des taches ménagères au sein du bâtiment. C'est un personnage en pleine construction, qui se cherche et reçoit les enseignements de son entourage. Shinobu représente l'innocence et apporte sa vision du monde, non altérée, à la série.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7XFh5qMKgiTQ96ektAexe7lIW_k_7SqqitGnA9SvXuPobrmJ4EmLkBoPercFCLt3ruIXv_jEjP4gQB0DJTZTcmOy98gayqDiIP-EqUNEeWPgMX-wHxffbSlwUl3FyaE9leVVhjHtyxos/s1600/02.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7XFh5qMKgiTQ96ektAexe7lIW_k_7SqqitGnA9SvXuPobrmJ4EmLkBoPercFCLt3ruIXv_jEjP4gQB0DJTZTcmOy98gayqDiIP-EqUNEeWPgMX-wHxffbSlwUl3FyaE9leVVhjHtyxos/s1600/02.png" height="200" width="133" /></a>Enfin, Naru Narusegawa est la personne autour de qui tout gravite. Le récit va tenter de déterminer si oui ou non Naru est bien la fille de la promesse de Keitaro. Naru est travailleuse et drôle, tout comme elle peut être colérique et tendre. C'est le personnage de loin le plus vivant du récit, le moins fixe, en bref, le plus humain. Elle partage évidemment la vedette avec Keitaro, et leur dynamisme en tant que duo évolue sans cesse. Elle rythme le manga avec une aisance folle, par ses attitudes et réactions.<br />
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Bien entendu, d'autres personnages vont progressivement s'inviter pour étoffer le récit, maintenant ainsi l'intérêt du lecteur envers l'histoire, tout en permettant à l'auteur un renouvellement permanent. En ce sens, l'histoire évolue très rapidement, qu'il s'agisse du comportement des personnages ou de leur personnalité. De plus, leurs comportements et la composition même du groupe ne sont jamais délaissées. Certes, le récit se concentre sur la relation entre Keitaro et Naru, mais certains chapitres entiers sont parfois consacrés aux personnages secondaires, et ce dès le début de l'histoire. Ainsi, le tout premier chapitre fait office de vaste introduction, présentant à la fois le personnage principal, son statut, son but, le cadre spatial et temporel de l'action, ainsi que tous les personnages principaux. Tout ça, en quelques pages simplement, ce qui prouve la maîtrise narrative dont sait faire preuve l'auteur Ken Akamatsu. Mais ce qui est intelligent, c'est qu'une fois les bases exposées et que Keitaro devient le gérant de la pension Hinata, le récit prend la peine de présenter et développer un personnage par chapitre. La trame principale est relayée au second plan, sans jamais disparaître, tandis que les protagonistes brillent tour à tour. La rigueur de Motoko, l'excentricité de Sû, la solitude de Shinobu, tout le monde y passe. Cette pause, rythmée par un humour efficace ou absurde, permet au lecteur de se familiariser avec cette galerie de personnages uniques.</div>
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L'autre point fort, présent dès le début du récit, est l'ancrage de l'histoire dans la réalité. <b>Love Hina </b>développe un cadre crédible, le Japon contemporain, via des lieux et des éléments réels. L'université que tente d'intégrer Keitaro, Todai, existe véritablement. L'architecture des bâtiments est calquée sur l'architecture existante (voir les différentes monuments et autres bâtisses), tout comme diverses œuvres culturelles sont régulièrement citées par l'auteur. Il n'est pas rare d'assister à des conversations durant lesquelles les personnages évoquent <b>Final Fantasy</b> ou <b>Godzilla</b>. Ces références sont aussi représentées visuellement, via la présence de consoles de jeu vidéo existantes, ou d'autres allusions plus discrètes. Une planche dissimule par exemple un Pampa, célèbre mascotte de la saga <b>Final Fantasy</b> citée précédemment. La présence de toutes ces références et citations offre une crédibilité à l'univers pourtant fictif de <b>Love Hina</b>. De plus, l'œuvre est envahie d'éléments culturels issus de la culture nippone, comme les purikura, présents dès le début de l'histoire. Pour les lecteurs japonais, tous les éléments issus de leur propre culture facilitent l'attachement envers les protagonistes. Mais pour nous autres, lecteurs occidentaux, la découverte de ce mode de vie permet un exotisme réjouissant. Il faut savoir que l'histoire adopte une chronologie une fois de plus réaliste. Le récit est rythmé par les saisons qui défilent. Tandis que l'histoire progresse, et que les personnages évoluent, le lecteur assiste aux fêtes traditionnelles du calendrier nippon, Noël, les vacances scolaires, etc... L'occasion de découvrir le hanami, festival qui célèbre la floraison des cerisiers, ou encore le White Day, qui fait suite à la Saint-Valentin. Il faut d'ailleurs savoir que l'édition française de <b>Love Hina</b> (disponible chez Pika Edition), propose un lexique très précis détaillant tous les points qui peuvent paraître obscurs au lecteur.<br />
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Tous les points énumérés précédemment, à savoir la diversité des personnages, le contexte réaliste, la narration et l'humour omniprésent, résument assez bien ce qu'est <b>Love Hina</b>. Cependant, il existe un autre élément, fondamental, sur lequel Ken Akamatsu s'est appuyé pour créer son récit: la légende de Taro Urashima *. Le premier point qui saute aux yeux est la similitude qui existe entre le nom de ce personnage, et celui du héros de <b>Love Hina</b>, Keitaro Urashima. Hors, et bien que le manga suive sa propre voie, l'ombre du récit original plane tout au long des quatorze tomes qui constituent la série. Et c'est là que tout l'ancrage dans le réel évoqué un peu plus haut prend tout son sens, l'auteur prenant un malin plaisir à créer un conte contemporain construit sur des éléments traditionnels. Ainsi, tout au long des chapitres, plusieurs événements mystiques ou inexpliqués apparaissent régulièrement. C'est le cas des incroyables et heureux hasards qui rythment l'aventure ou, pour donner un exemple plus précis, les étranges transformations de Sû qui s'opèrent lors de certaines nuits. Des points scénaristiques qui, finalement, ne nécessitent pas d'explications rationnelles, tout comme la magie et les manifestations surnaturelles des contes et légendes traditionnels. Ce contraste peut s'expliquer par la culture nippone elle-même, une culture qui symbolise justement ce contraste exacerbé. Le Japon est un pays de contradictions, Tokyo est une ville aux mille reflets, au coeur de laquelle il est possible de croiser deux moines bouddhistes en tenue traditionnelle arpenter les artères du quartier le plus branché et à la pointe technologique de la capitale. <b>Love Hina</b> est un pur produit de cette société. Pour en revenir aux liens qui unissent le manga à la légende de Taro Urashima, on pourrait citer le récit qui débute à la pension Hinata, qui se situe au sein d'une station balnéaire, durant les vacances estivales, tandis que la légende débute un soir d'été. Ce lieu est aussi l'endroit dans lequel se trouve un rotenburo *, l'eau étant un élément central du conte. D'ailleurs, une fois de plus, Ken Akamatsu fait d'une pierre deux coups, en utilisant des faits réels et contemporains pour imaginer cette pension. En effet, à l'origine la pension Hinata était une ancienne ryokan *, reconvertie depuis peu en pension pour filles pour des raisons financières. Ces auberges typiques du Japon ont connu une période difficile, le nombre de ces établissement s'étiolant drastiquement d'année en année. Enfin, le terme "hinata" pourrait se traduire par "maison ensoleillée", ce qui correspondrait à l'île de l'été sans fin énoncée dans le mythe original.<br />
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<i>Urashima Taro</i></div>
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<i>Illustration par Edmund Dulac</i></div>
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* Taro Urashima<br />
<i>Taro Urashima est le personnage principal d'un conte japonais, un pêcheur qui sauve la vie d'une tortue et visite les fonds de l'océan. L'histoire débute sur une plage, alors que Taro chasse une bande d'enfants qui s'en prenait à une tortue échouée. Le lendemain, une immense tortue se présente à lui: en effet, la tortue qu'il avait sauvé la veille était en fait la fille du roi de l'océan, qui souhaitait le rencontrer afin de le récompenser. Cette récompense fut un séjour au coeur de Ry<span style="background-color: white; color: #252525; font-family: sans-serif; font-size: 14px; line-height: 22.399999618530273px; text-align: start;">ūgū-jō, </span>le palais sous-marin de Ryujin (Dieu de la mer dans la mythologie japonaise). La tortue que Taro avait sauvé s'était transformée en une magnifique humaine, et il passa un long moment à ses côtés. Cependant, le mal du pays se faisant de plus en plus présent, il décida de rentrer chez lui. A cet instant, la princesse lui confia un magnifique coffret recouvert de joyaux, coffret qu'il ne devait jamais ouvrir. De retour à son village natal, Taro découvrit que plus de 700 ans s'étaient écoulés ! Plus personne ne se souvenait de lui. Abattu, Taro se rendit sur la plage où tout avait commencé et, ignorant les directives de la princesse, ouvrit le coffret. Un épais nuage de fumée noire s'extirpa de la boîte, tandis que le pêcheur vieillissait à vue d'oeil. Il se changea en grue et s'installa sur le Mont Horai: le coffret renfermait tout son temps de vie qui s'était écoulé durant son séjour sous les mers.</i> </blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
<i>Dans <b>Love Hina</b>, le lecteur retrouve le personnage nommé Urashima, mais aussi la tortue ou un monde isolé (le palais dans le conte, des îles désertes dans le manga). Il est enfin marrant de constater que le conte débute sur une plage de sable fin, tandis que le manga s'ouvre dans un bac à sable, et que les deux récits abordent le thème du temps qui passe.</i></blockquote>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoE6HETuinoubuVvrLPS3SKRGP0Q4DlFSV1p-eg6DHShJmdW0IYBbkkmwN-E_q67wlRnMTAurNmQU3OklcQTkcAGFTMR-fvBvBWw8ySRPL5m0NmnIPnvGe9Y15q7CTriVXXGD1oGFr_Lk/s1600/21.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoE6HETuinoubuVvrLPS3SKRGP0Q4DlFSV1p-eg6DHShJmdW0IYBbkkmwN-E_q67wlRnMTAurNmQU3OklcQTkcAGFTMR-fvBvBWw8ySRPL5m0NmnIPnvGe9Y15q7CTriVXXGD1oGFr_Lk/s1600/21.jpg" height="146" width="200" /></a></div>
<blockquote class="tr_bq">
* Rotenburo<br />
<i>Un rotenburo est un genre d'onsen (une source d'eau chaude) situé en extérieur. Il existe beaucoup d'onsen au Japon, car c'est un pays volcanique, et beaucoup d'entre eux se situent au coeur de villes thermales.</i></blockquote>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgie3aQOgsToYMhvXVlTqKNbhni0Vc-NMSAvb65UAy1k02ZtPvClsqXHcnZZqIN9-mrWJUDPM4UOX5PXkiTVFqF_1jwprIc21H08a9zX6W_75fljnCgjhE1gEJHGpBFnKU6ygzetPg7lWs/s1600/22.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgie3aQOgsToYMhvXVlTqKNbhni0Vc-NMSAvb65UAy1k02ZtPvClsqXHcnZZqIN9-mrWJUDPM4UOX5PXkiTVFqF_1jwprIc21H08a9zX6W_75fljnCgjhE1gEJHGpBFnKU6ygzetPg7lWs/s1600/22.jpg" height="149" width="200" /></a></div>
<blockquote class="tr_bq">
* Ryokan<br />
<i>Les ryokan sont des auberges traditionnelles japonaises. Il en existe à l'heure actuelle environ 70.000 sur tout le territoire japonais. L'esthétisme est essentiellement japonais, car la plupart des ryokan sont construits avec du bois, du bambou ou des cloisons de papier. Le sol est généralement constitué de tatamis, tandis que les clients dorment sur des futons déroulés pendant la nuit par les femmes de chambre.</i></blockquote>
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L'eau, élément central de la légende, est aussi très présente tout au long du manga. Une ville balnéaire, des sources d'eau chaude, des îles tropicales isolées parmi de vastes océans, etc... L'eau fait bien entendu écho, encore une fois, à la légende de Taro Urashima. Source de vie, mais aussi frontière entre la réalité et le rêve. Nos héros, tout au long du manga, se retrouveront plusieurs fois isolés au coeur d'îles tropicales, coupés du reste du monde. Des moments hors du temps, qui rejoignent là encore une thématique abordée par la légende citée précédemment. Ces phases scénaristiques permettent toujours aux personnages d'évoluer, qu'il s'agisse de Keitaro et de Naru, qui se retrouvent ensemble sur ces bouts de terre inexplorés, ou bien lorsque Keitaro quitte seul la pension, dans le but d'effectuer des fouilles archéologiques. Une partie du récit se concentre même sur l'absence de Keitaro, tandis que les filles du groupe sont confrontées au caractère particulier de la propre soeur du personnage.<br />
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Bien rapidement, l'auteur Ken Akamatsu introduira une mascotte au sein de son univers, via la présence de Tama, une tortue d'eau douce. Au Japon, la tortue représente la chance, voire la longévité. C'est un animal qui, contrairement à ce qui est ancré dans la culture occidentale, est associé à des valeurs positives (tandis que chez nous elle est associée à la lenteur). De manière générale, dans les cultures orientales, la tortue représente le support du monde. Dans <b>Love Hina</b>, Tama aura une justification scénaristique dans plusieurs chapitres (par exemple, elle terrorise Motoko, ou bien elle fera ses adieux à toute l'équipe lors d'un passage particulièrement émouvant), mais elle symbolise surtout le rapport qui unie les personnages à l'eau, sans oublier son lien avec le conte de Taro Urashima. Enfin, l'eau est un élément qui, je trouve, représente vraiment les souvenirs. Une infinité de gouttes rassemblées, qui forment un tout, comme une myriade de souvenirs qui construisent une personne. Sur le même postulat, on peut imaginer une onde qui se répand sur une étendue aquatique, et qui s'efface au fur et à mesure qu'elle s'éloigne du centre, tout comme les souvenirs qui s'altèrent tandis que le temps défile.<br />
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L'auteur va jouer, du début à la fin, avec les souvenirs de Keitaro, chaque tome apportant son lot d'altérations et de nouveaux personnages, qui changent la donne du récit. Pourtant, il confie à tous ces événements une nature cyclique, ou de miroir. Les événements se répètent, tandis que les protagonistes s'érigent en reflets les uns des autres. Par exemple, le début du manga s'articule bien sûr autour de la fameuse promesse, mais cette partie met aussi en avant les différentes tentatives de Keitaro à intégrer Todai. Etant donné que l'auteur propose une construction cyclique des événements, le lecteur est absolument incapable de deviner la conclusion de ces tentatives, ce qui permet à la fois de proposer des séquences d'humour imparables, mais aussi des scènes prenantes et touchantes, qui dépeignent avec justesse les sentiments de ces étudiants. Au niveau des personnages, la plupart d'entre eux sont des reflets ou des projections d'autres protagonistes. Le cas de Mustsumi Otohime est intéressant.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGXD5mlNacMEDOa5x4yJycdfGNcGRV9rgyoNx4K7IO5RNbMEqvSi9DSvpTCazlxsFUpwf9PqcMP7MVo-CdOnbflMxIZOx63IXoIysqzRTsTxBjj1UqyRmTPibIvyPdeZ0JMVGGM9tkUtc/s1600/23.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGXD5mlNacMEDOa5x4yJycdfGNcGRV9rgyoNx4K7IO5RNbMEqvSi9DSvpTCazlxsFUpwf9PqcMP7MVo-CdOnbflMxIZOx63IXoIysqzRTsTxBjj1UqyRmTPibIvyPdeZ0JMVGGM9tkUtc/s1600/23.jpg" height="320" width="238" /></a></div>
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Nous l'avons déjà dit, le manga est construit de manière cyclique. Ainsi, on pourrait grossièrement résumer les faits de la sorte: au début de l'histoire, un cycle se termine lorsque Keitaro obtient les résultats de l'examen d'entrée à Todai. Lors de sa seconde tentative, Keitaro échoue à nouveau. Le manga repart sur une nouvelle base, et va répéter ce cycle de révisions jusqu'au prochain concours. Afin de dynamiser son récit, l'auteur introduit alors Mustsumi, qui est une version féminine de Keitaro. La période de révision que le lecteur connaît déjà va alors être renouvelée. Une nouvelle dynamique de groupe s'installe, les sentiments et relations entre Naru et Keitaro évoluent et sont altérées par la présence de Mutsumi. De la même manière, l'arrivée de Seta, dont Naru était amoureuse lorsqu'elle était plus jeune, va à nouveau redistribuer les cartes. Ces personnages, Mutsumi et Seta, se présentent comme les échos des personnages principaux: ils passent eux aussi trois fois l'examen d'entrée à Todai, ils répètent des actions déjà vues ailleurs au cours du récit. Ainsi, Ken Akamatsu concocte un récit intelligent, dans le sens où la nature cyclique des événements lui permet de joueur avec son lecteur, et d'arriver à le surprendre lorsque ce dernier ne s'y attend pas.<br />
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La plupart du temps, l'auteur brise l'attente du lecteur via l'humour. Car l'humour dans <b>Love Hina</b> a souvent des fins narratives, comme dans <b>One Piece</b> d'ailleurs. L'un des exemples les plus frappants se situe lorsque Keitaro passe une épreuve écrite après avoir révisé intensément et fait plusieurs progrès. Face au sujet d'examen, il découvre des questions d'une facilité déconcertante. Rassuré, il se met à imaginer sa réussite, se voit vivre une vie idyllique au sein de l'université, en compagnie de ses proches. Absorbé dans ses rêves, il ne remarque pas le temps qui passe et, lorsqu'il revient à la réalité, l'étudiant se rend compte qu'il a passé toute la session à rêvasser: il ne lui reste que cinq minutes pour tout remplir ! L'absurdité de la situation, accentuée par le trait et la mise en scène de l'auteur, apporte un humour infaillible à cette scène d'une importance capitale.<br />
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La notion de cycle abordée un peu plus tôt peut être vue comme une réminiscence des religions orientales telles que le bouddhisme ou l'hindouisme. Dans ces religions, la vie est abordée de manière cyclique, chaque cycle permettant à l'âme de s'améliorer encore et encore. Il y a un peu de cette idéologie dans le parcours des personnages de <b>Love Hina</b>. Pour autant, le manga ne fait jamais l'apologie d'une religion ou une autre, il s'agit plutôt d'une glorification de l'enthousiasme et de la persévérance, une philosophie de vie. Le manga est un récit qui déborde de valeurs positives. Les cycles dans <b>Love Hina</b> sont dynamisés par les différentes rencontres que font les personnages, ou leurs propres expériences, comme les voyages, au coeur de l'histoire. Les voyages permettent souvent aux personnages de se retrouver avec eux-mêmes, et de rentrer changés (l'exemple le plus marquant étant le retour de Keitaro à la pension, après qu'il soit parti effecteur des fouilles archéologiques: il revient différent, en étant devenu le quasi-sosie de Seta, ce qui fait d'ailleurs une fois encore écho aux personnages qui ne sont que les reflets des autres). Le récit reste cohérent de bout en bout.<br />
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Un morceau de vie qui parle d'amour et d'accomplissement, clamant haut et fort qu'il ne faut jamais dévier de ses objectifs, de ce que l'on veut devenir, voilà ce qu'est <b>Love Hina</b>. Le récit est une ode à la vie, malgré les difficultés qu'elle nous impose, mais pas seulement. C'est aussi un univers et des personnages terriblement attachants auxquels Ken Akamatsu donne vie, un univers débordant d'enthousiasme et d'un humour jubilatoire, le tout enrobé par une maîtrise technique fascinante. Tandis que les pages défilent et développent une intrigue qu'il est difficile d'oublier, les personnages de <b>Love Hina</b> existent réellement, pour quelques instants du moins. Avec eux, nous éprouvons tristesse, joie et incertitude, tandis que sans nous en rendre compte, un sourire se dessine aux coins de nos lèvres.<br />
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Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-24457488895117635572014-05-23T12:51:00.000-07:002016-06-12T05:00:42.327-07:00Cloud Atlas<div style="font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmlEBRiVPM2Vu-3CcLq5DDGPRpohVyBtIQD7wko0V4OAbp98q3R6wlWfuX2xhsF7HRqtn3LVB3UZotwPa1a_vf8Gu9pvx7LFq4l2YEVy8IWLbvDBdWIKX6XGQ-pTjb4vsGj8Idef4CY5M/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="background-color: white; color: #0b5394; line-height: 18.48px; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-decoration: none;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmlEBRiVPM2Vu-3CcLq5DDGPRpohVyBtIQD7wko0V4OAbp98q3R6wlWfuX2xhsF7HRqtn3LVB3UZotwPa1a_vf8Gu9pvx7LFq4l2YEVy8IWLbvDBdWIKX6XGQ-pTjb4vsGj8Idef4CY5M/s640/1.jpg" style="border: 1px solid rgb(241, 241, 241); box-shadow: rgba(0, 0, 0, 0.0980392) 1px 1px 5px; padding: 5px; position: relative;" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<i>Réalisé par Andy Wachowski, Lana Wachowski et Tom Tykwer (2012)</i></div>
<b><span style="color: #cc0000;"><br /></span></b><b><span style="color: #cc0000;">Cet article contient des spoilers.</span></b>
<br />
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<b>Cloud Atlas</b> (ou <b>La Cartographie des Nuages</b> en français) est un roman, écrit par David Mitchell, publié en 2004, et plus grand succès de son auteur. Livre choral abolissant les frontières spatiales et temporelles, le roman dépeint six histoires, et davantage de thèmes ou personnages. Les Wachowski, déjà responsables de la saga <b>Matrix</b> et de <b>Speed Racer</b>, n'ont pas attendu bien longtemps avant d'en acquérir les droits, afin de porter sur grand écran cette fresque démesurée. Très vite, les réalisateurs engagent Tom Tykwer, à qui l'on doit l'adaptation cinématographique du roman <b>Le Parfum</b>, pour les accompagner sur ce projet. En toute logique, le roman original étant constitué de six histoires, Tykwer et les Wachowski se chargent chacun de la réalisation de trois segments. Le résultat adopte des airs de symphonie, avec ses ponts, ses élans et ses refrains, tandis que le métrage abandonne la construction narrative du livre. Dans celui-ci, l'histoire était présentée de manière pyramidale (le roman débute par une histoire, les alterne jusqu'à la dernière, puis revient progressivement sur la première). Pour ce qui est du film, les séquences s'enchaînent sans ordre apparent même si, évidemment, tout est calibré de manière juste et discrète. Ces six histoires permettent d'aborder des genres éloignés les uns des autres. Dans l'ordre chronologique, nous avons donc:</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
- <b>1850</b>: nous suivons la traversée d'Adam Ewing, un jeune avocat voguant des îles Chatham vers San Francisco. Alors que le voyage est relativement calme, Adam est bientôt victime d'un parasite qui le prive de ses forces. Mais ce n'est pas le seul événement qui va venir perturber son périple.</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
- <b>1931</b>: à Zedelghem, près de Bruges, Robert Frobisher est une jeune musicien ambitieux. Alors qu'il travaille pour un célèbre compositeur vivant isolé, Robert développe sa propre symphonie et entretient une correspondance épistolaire avec Rufus Sixsmith, son amant.</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
- <b>1975</b>: Buenas Yerbas, en Californie. Luisa Rey, journaliste, enquête malgré elle sur l'implantation non loin de la ville d'une centrale nucléaire, construite dans le but d'abandonner l'énergie fossile. L'existence d'un mystérieux rapport qui semble échapper inlassablement à la journaliste va déclencher une série d'événements lugubres qui auront pour épicentre Luisa.</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
- <b>2012</b>: Timothy Cavendish, éditeur littéraire, est bientôt poursuivi par les frères de son gangster de client, après que celui-ci soit condamné à une peine de prison. Cet événement est le départ d'une course poursuite dont l'aboutissement se présente sous la forme d'une maison de retraite très spéciale.</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
- <b>2144</b>: à Neo Seoul, en Corée, la société de consommation s'est développée de manière démesurée et exponentielle. Sonmi-451 est un clone génétiquement modifié qui va découvrir malgré elle des fragments du passé. Serveuse dans un restaurant, Sonmi va s'affranchir de sa condition et découvrir le reste d'une société consumériste, ainsi que de terribles secrets.</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
- <b>2321</b>: suite à la Chute, la Nature a repris ses droits sur l'humanité. Certaines traces de technologie existent encore ici et là, mais les hommes des colonies vivent comme des sauvages. Zach'ry est le membre d'une tribu harcelée par une bande de cannibales, mais sa rencontre avec une nouvelle caste d'êtres humains évolués va le conduire dans un périple propice à lui révéler une vérité qu'il n'est pas prêt à entendre.<br />
<br /></div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheevLaDxLBlKhSlLW6-LwmP753oMuIL43Q-ZsJwy2Zvnr_Lb7Uj1jDlroOxcVOG1fGUPf4BGGgICZl8IUtnWByI_axjppMQ7zftmdF5TshviOivpR5-GzEx_PzVO_7-tOl0Fd0u3K19Og/s1600/5.jpg" imageanchor="1" style="color: #0b5394; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-decoration: none;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheevLaDxLBlKhSlLW6-LwmP753oMuIL43Q-ZsJwy2Zvnr_Lb7Uj1jDlroOxcVOG1fGUPf4BGGgICZl8IUtnWByI_axjppMQ7zftmdF5TshviOivpR5-GzEx_PzVO_7-tOl0Fd0u3K19Og/s640/5.jpg" style="border: 1px solid rgb(241, 241, 241); box-shadow: rgba(0, 0, 0, 0.0980392) 1px 1px 5px; padding: 5px; position: relative;" width="640" /></a></div>
<br /></div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
Difficile, au premier abord, de déceler les liens qui unissent ces épopées. De plus, les différentes tonalités qui imprègnent les histoires ne sont pas favorables à l'identification d'une thématique globale. En effet, au début du métrage, alors que ces six segments sont tour à tour mis en avant, l'impression de regarder six films différents se fait vivace. <b>Cloud Atlas</b> aboli les barrières de genre et alterne les tons. Film d'aventure, comédie absurde, science-fiction, récit post-apocalyptique, film d'espionnage, autant de directions différentes empruntées régulièrement par le métrage. La narration demande alors un investissement personnel de la part du spectateur, du moins s'il veut saisir la totalité du propos du film, et toutes les connexions qu'il distille. Car tel est le propos du film: tout est lié. <b>Cloud Atlas</b> n'a aucunement la prétention de développer de nouvelles pensées philosophiques ou d'éclairer nos esprits. Le propos du film est d'une évidence rare. J'oserais presque affirmer que <b>Cloud Atlas</b> est le film le plus évident que je n'ai jamais visionné. Le métrage s'emploie à démontrer, pendant presque trois heures, que tout ce qui nous entoure fait partie d'un grand tout, et que chacune de nos actions, qu'elles soient grandes ou petites, bonnes ou mauvaises, participent à la construction d'un avenir qui concerne chaque âme de cet univers. Les âmes sont d'ailleurs les personnages principaux du film, plus encore que chaque personnage. Le métrage s'emploie à représenter l'évolution de ces âmes qui traversent le temps et l'espace, des âmes qui, selon leurs parcours, apprennent de leurs erreurs. Ainsi, pour parler de ce grand tout, de cette cohérence universelle, <b>Cloud Atlas</b> développe deux thématiques liées: la récurrence universelle et la réincarnation.</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVoCV4vawxm6RajsSTCYf2Vh59EwbBgInhWo1iAuGteIP5Q03bHtZugKfkcMNJ0rN5wcXYChwe59o0l3UYpwPrlEbI4hpjUZaNOG1-L-Vp_Yo7xj6Q8G3mNNC1LUK5p6sKJE9acTqlrFU/s1600/7.jpg" imageanchor="1" style="color: #0b5394; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center; text-decoration: none;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVoCV4vawxm6RajsSTCYf2Vh59EwbBgInhWo1iAuGteIP5Q03bHtZugKfkcMNJ0rN5wcXYChwe59o0l3UYpwPrlEbI4hpjUZaNOG1-L-Vp_Yo7xj6Q8G3mNNC1LUK5p6sKJE9acTqlrFU/s640/7.jpg" style="border: 1px solid rgb(241, 241, 241); box-shadow: rgba(0, 0, 0, 0.0980392) 1px 1px 5px; padding: 5px; position: relative;" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
Pour bien saisir la notion de récurrence universelle, il faut déjà s'intéresser au concept d'éternel retour. Ce très vieux concept, d'origine mésopotamienne, définit la nature cyclique de l'histoire du monde. Le concept originel a été repris ensuite par le philosophe allemand Friedrich Nietzsche, mais son interprétation s'éloigne du sens premier de l'éternel retour. Ainsi, pour les mésopotamiens, il existe un schéma qui se répète de manière cyclique, pour l'éternité. Un schéma que la trajectoire du monde s'entête à suivre inlassablement, de manière à ce que les grands événements universels se répètent pour l'éternité. L'exemple le plus flagrant dans <b>Cloud Atlas</b> se trouve dans les première et avant dernière histoires. Le premier segment tisse le parcours d'Adam Ewing, en 1850, un jeune avocat qui va se battre pour mettre fin à l'esclavagisme. Des centaines d'années plus tard, en 2144, le second segment aborde à nouveau la thématique de l'esclavagisme, peut-être sous une autre forme, mais esclavagisme tout de même. La récurrence universelle développée dans <b>Cloud Atlas</b> reprend les bases de la pensée mésopotamienne, mais y ajoute une notion plus abstraite, mettant en avant le changement. Les personnages de <b>Cloud Atlas</b> évoluent et font évoluer le monde, de manière bénéfique ou maléfique. Une trame cyclique existe bien en arrière plan, mais des éléments perturbateurs comme la peur ou l'amour viennent altérer un schéma qui n'est donc pas immuable. Malgré la nature cyclique des événements et existences, le changement est une valeur importante mise en avant dans le film.</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeEkwMEi8YrOdQEUNmhEp_jG3GXgWzlHuQOmZX4TU7WvDGgUnF_05pHVf-1Ouz2YymAmlBvhpKugxzeLUM_1tu8azr6p4EuwH1mxjJB5n8U2w9QAivsS5W_kxD291QwumuWnc-6Z9g_JE/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="color: #0b5394; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center; text-decoration: none;"><img border="0" height="418" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeEkwMEi8YrOdQEUNmhEp_jG3GXgWzlHuQOmZX4TU7WvDGgUnF_05pHVf-1Ouz2YymAmlBvhpKugxzeLUM_1tu8azr6p4EuwH1mxjJB5n8U2w9QAivsS5W_kxD291QwumuWnc-6Z9g_JE/s640/2.jpg" style="border: 1px solid rgb(241, 241, 241); box-shadow: rgba(0, 0, 0, 0.0980392) 1px 1px 5px; padding: 5px; position: relative;" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
Vient ensuite le concept de réincarnation, ou de métempsychose. Ce terme barbare désigne la migration des âmes, le transvasement d'une âme dans un autre corps. C'est une croyance selon laquelle une même âme peut animer plusieurs corps, humains, animaux ou végétaux. Dans <b>Cloud Atlas</b>, l'ensemble des transmigrations se limite à l'humain. Bien évidemment, la notion de métempsychose se retrouve dans plusieurs religions, l'hindouisme en tête, mais le film ne fait l'apologie d'aucune religion en particulier. Il se contente de mettre en scène le concept de réincarnation, via une méthode habile de distribution des rôles des acteurs. Chaque acteur, dans <b>Cloud Atlas</b>, joue plusieurs personnages. Un personnage par période temporelle. Il est ainsi plus facile, pour le spectateur, d'identifier la même âme au cours de son évolution. A chaque époque, les acteurs reviennent, maquillés et / ou affublés de prothèses, de manière à ce que leur apparence physique soit totalement différente d'un segment à l'autre. Ce choix artistique possède ses avantages et ses inconvénients. En agissant ainsi, les réalisateurs permettent la représentation d'une globalité, en montrant que tout est lié, au-delà des frontières spatiales et temporelles. Tom Hanks peut être un écrivain gangster en 2012, puis le membre crédule d'une tribu indigène dans un avenir dévasté. Les metteurs en scène poussent le concept à son paroxysme, en abolissant les barrières de sexe ou de race. Ainsi, <b>Cloud Atlas</b> revêt une ampleur universelle, démontrant qu'une âme peut à la fois être femme et homme, caucasienne, africaine ou asiatique. Le résultat, à l'écran, est parfois confondant, parfois étrange. Si certains maquillages peuvent être absolument fantastiques et rendre leurs personnages méconnaissables (comme le médecin chirurgien coréen, joué par Halle Berry), d'autres prêtent à sourire (Hugo Weaving, en infirmière pas vraiment commode). Ainsi, l'inconvénient de cette démarche artistique, est que la recherche des acteurs maquillés peut devenir une sorte de plaisir ludique, et sortir le spectateur de l'univers du film. Et Dieu sait qu'il est rapidement possible de rater un élément essentiel dans <b>Cloud Atlas</b>.</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
Tout, dans le film, est lié. Chaque thématique, chaque lieu ou objet, chaque personnage, ne trouve d'importance que vis-à-vis des autres éléments. Ainsi, techniquement, chaque scène reste elle aussi liée aux autres. Pour montrer cette connexion à l'écran, ce lien est représenté par les transitions entre deux séquences, des transitions mises en valeur par un montage confondant. Ces transitions peuvent être thématiques (un personnage parle d'une porte dans une époque donnée, puis l'écran montre justement une porte, lors d'une autre époque), visuelles (un décor, un objet) voire sonores (la musique ou les dialogues). Ces transitions constituent une manière intelligente de rappeler, à chaque instant, que malgré les différences entre toutes ces histoires, celles-ci n'en restent pas moins inexorablement dépendantes les unes des autres. De la même manière, pour achever de démontrer la nature cyclique des événements telles que représentée par le film, les plans d'ouverture et de clôture sont identiques. Il s'agit d'un ciel nocturne étoilé, ou plutôt, tout simplement, de l'univers tout entier. Au début de <b>Cloud Atlas</b>, la caméra descend du ciel pour se poser sur le personnage de Tom Hanks, qui s'apprête à raconter une histoire, tandis que la fin du métrage glisse du personnage (cette fois accompagné par Halle Berry), jusque vers les cieux. Ces deux plans célestes sont identiques, la boucle est bouclée.</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEu8YYo6tUymMLFCR6Jn-xYp4dJ5aFazzEKVEvRAY7AlBq6eE7Dx0auhHFtO38Kkq2S6fmwZ-1Le7a4JiE-UDxsXS4JgqBD5Fh0T7bidxoySEhWJx6kb_d-tszeZzujEgdmpRLu0ePhrw/s1600/8.jpg" imageanchor="1" style="color: #0b5394; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center; text-decoration: none;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEu8YYo6tUymMLFCR6Jn-xYp4dJ5aFazzEKVEvRAY7AlBq6eE7Dx0auhHFtO38Kkq2S6fmwZ-1Le7a4JiE-UDxsXS4JgqBD5Fh0T7bidxoySEhWJx6kb_d-tszeZzujEgdmpRLu0ePhrw/s640/8.jpg" style="border: 1px solid rgb(241, 241, 241); box-shadow: rgba(0, 0, 0, 0.0980392) 1px 1px 5px; padding: 5px; position: relative;" width="640" /></a></div>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrWpTEcPz2DxYLrk80_RBBOQMy7iCZvMVA1QZCg6JoWMDueE_wg1tgFQV41_UmsWrXVKnyP2brROzezufaeR3gtAwGnHqCv3UKrOVN4DqLGTU7RT9uMgPqQnoaD9Owhsu2SO91oVi4Fws/s1600/6.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; color: #0b5394; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center; text-decoration: none;"><br /></a>
<br />
<span style="line-height: 18.48px;"><br /></span>
<span style="line-height: 18.48px;">Cette scène finale a ceci de spécial qu'elle ne se déroule pas sur Terre, mais sur une colonie terrienne dans l'espace. Cette particularité, que le spectateur découvre en toute fin de métrage, précise ainsi que la récurrence éternelle n'a aucune limite géographique. C'est un ordre universel, qui va bien au-delà des limites imposées par notre planète. La scène sert aussi de conclusion au périple accompli par l'âme du personnage incarné par Tom Hanks. Chaque protagoniste suit ainsi un parcours qui lui est propre, il convient donc au spectateur de remettre les pièces du puzzle dans l'ordre afin de saisir les tenants et aboutissants de ces évolutions. S'il n'y a pas de personnage principal dans </span><b style="line-height: 18.48px;">Cloud Atlas</b><span style="line-height: 18.48px;">, il est facile de distinguer cinq âmes aux évolutions majeures: celles de Tom Hanks et Halle Berry, celles de Jim Strugess et Doona Bae, puis celle de Hugo Weaving. Pour bien comprendre le parcours de chacune de ses âmes, il convient d'énumérer progressivement les actions qu'elles entreprennent, avant de dégager une vision d'ensemble.</span><br />
</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
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<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
Tom Hanks incarne d'abord un personnage mauvais et cupide, qui va peu à peu devenir bon, et serein, au fur et à mesure de ses réincarnations. En 1850, Tom Hanks est le Docteur Henry Goose, un médecin qui se fait passer pour l'ami du jeune avocat Adam Ewing. Ce dernier étant tombé malade, Goose s'échine à lui administrer quotidiennement un remède sous forme de potion. Vers la fin du métrage, le spectateur découvre que le Docteur Goose n'est qu'un scélérat, dont le supposé remède n'est en fait qu'un poison destiné à tuer le jeune Adam. Une fois mort, Goose pourrait s'emparer de la clé que le jeune homme de loi porte en collier autour du cou, clé qui ouvre un coffre rempli de pièces d'or. A ce stade de son évolution, l'âme de Tom Hanks est cupide, mauvaise. Dans la destinée suivante, en 1931, cette âme s'incarne sous les traits du manager de l'hôtel où séjourne Robert Frobisher, un compositeur recherché par la police. En découvrant que le jeune homme est recherché, le manager lui fait du chantage, et récupère un gilet de grande valeur. Une fois de plus, la cupidité semble diriger cette âme. En 1975, elle prend les traits d'Isaac Sachs, scientifique d'une centrale nucléaire qu'il sait déficiente et prête à exploser. Cependant, sa rencontre avec l'âme jouée par Halle Berry va commencer à l'éveiller. Sachs décide alors de divulguer un rapport précisant les malfaçons de la centrale, malgré sa peur. Cet acte lui coûtera la vie, mais il aura brièvement abandonné ses propres intérêts pour le bien de tous. Son âme commence à évoluer. En 2012, cette même âme prend vie en Dermot Hoggins, écrivain mafieux dont l'autobiographie ne se vend pas. La cause, un critique assassin qui n'a pas hésité à conspuer le livre. Pour faire parler de lui, et relancer les ventes, Dermot n'hésite pas à tuer le fameux critique en le jetant du toit d'un immeuble. Une fois de plus, l'âme jouée par Tom Hanks n'hésite pas à tuer, par profit. En 2144, on aperçoit rapidement Tom Hanks jouer dans un film. Enfin, en 2321, Zach'ry est un indigène qui, par peur, va laisser mourir des membres de sa famille. Cependant, sa nouvelle rencontre avec l'âme jouée par Halle Berry (le personnage Meronym) va faire de lui un homme bon, courageux et serein. Le concept d'âme soeur est très intelligemment représenté dans <b>Cloud Atlas</b>. L'âme de Tom Hanks n'est bonne que lorsque celle d'Halle Berry est près de lui. On peut d'ailleurs remarquer que les deux âmes se croisent sans prendre le temps de se connaître à deux reprises dans le film, tout d'abord en 1850 (lui en tant que Docteur Goose, elle en esclave), puis en 2012 (ils sont tous les deux présents à la soirée lors de laquelle Dermot va tuer le critique). Leur rencontre en 1975, lors de l'histoire concernant la centrale nucléaire, les apaise incroyablement. Ce court instant va complètement bouleverser la manière de penser de Sachs, celui-ci n'hésitant pas une seconde à trahir ses patrons et à abandonner son poste (et donc son profit), dans le but de sauver des innocents. Le cycle de sa vie se reproduit inlassablement, jusqu'à ce qu'il prenne une voie qui puisse lui permettre d'atteindre la sérénité.<br />
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D'ailleurs, en parlant de cycle, il y a un objet lié à Tom Hanks, à la fois présent en 1850 et 2321: les boutons du chemiser d'Adam Ewing. En 1850, le Docteur Goose, alors qu'il empoisonne peu à peu Monsieur Ewing, découpe discrètement les boutons du chemiser de ce dernier, de somptueux boutons semblables à des bijoux. En 2321, le hasard fait que Zach'ry trouve l'un de ces boutons. Il s'en fait alors un collier, collier qui servira à l'un de ses ennemis pour l'étranger. Près de 500 ans après avoir volé ses boutons, ceux-ci causeront presque sa perte. De la même manière, en 1850, le Docteur Goose veut récupérer le collier de Monsieur Ewing, alors que c'est un collier qui l'enchaîne et risque de le tuer en 2321. Comme si l'univers n'oubliait jamais. Ainsi, l'âme de Tom Hanks est une âme qui évolue de manière positive, supportée par la présence de celle d'Halle Berry.</div>
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Les âmes interprétées par Jim Strugess et Doona Bae sont elles aussi intimement liées. Dans le premier acte, en 1850, Adam Ewing et sa femme, Tilda, vont se battre pour abolir l'esclavagisme. On les retrouve à Neo-Séoul, en 2144, dans la peau de Hae-Joo et Sonmi-451. Enfin, en 1975, dernière histoire dans laquelle tous les deux sont présents, le spectateur apprend qu'ils sont les parents de Megan, un personnage secondaire. Là aussi, le couple se retrouve, peu importent l'époque et l'endroit. Ces âmes-soeurs poursuivent un but cohérent, la lutte contre l'oppression, sous toutes ses formes. De la traite des hommes en 1850 jusqu'au combat mené contre le clonage en 2144, ils se retrouvent éternellement, une fois encore de manière cyclique, pour accomplir quelque chose de plus grand qu'eux-mêmes. A l'opposé de ses deux couples importants, on retrouve Hugo Weaving qui incarne le Mal, sous toutes ses formes. L'âme qu'il incarne va connaître la chute, sans aucune rédemption. En 1850, Haskell Moore est le père de Tilda, c'est un homme effrayant qui rabaisse sa fille et qui fait l'apologie de l'esclavagisme. Lorsque sa fille se rebelle contre lui, il prononce un discours mettant en avant l'ordre naturel du monde, et le fait qu'il ne faut pas l'altérer. Même si cette scène intervient en fin de métrage, le spectateur constate que dès 1850, l'âme incarnée par Hugo Weaving s'érige en figure de la non-évolution. En 1931, Tadeusz Kesselring est un chef-d'orchestre nazi. Durant l'année 1975, cette même âme s'incarne en Bill Smoke, un tueur à gages travaillant pour les lobbyistes de l'huile. Les mêmes individus qui veulent faire exploser la centrale nucléaire, dans le but de faire perdurer l'énergie fossile. Une fois encore, on voit ici une figure de la non-évolution. En 2012, on retrouve la terrible nurse Noakes, tandis qu'en 2144, l'âme s'incarne dans le corps de l'homme qui condamne Sonmi-451 à mort. Sonmi étant la preuve vivante du trafic de clones qui se développe à l'abri du regard du peuple, là aussi on retrouve une notion de stagnation. Enfin, en 2321, cette âme s'est totalement désincarnée, elle est devenue un concept qui peut hanter l'esprit des gens. D'ailleurs, le peuple de la Vallée l'appelle tout simplement le Diable. Le parcours de cette âme n'est que régression, jusqu'à devenir une notion abstraite capable d'altérer le coeur et l'esprit des gens. En ce sens, le personnage joué par Hugo Weaving représente l'exact opposé des âmes de Tom Hanks ou Bae Doona.<br />
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Cependant, le film ajoute une touche poétique via la présence d'une marque de naissance, présente sur plusieurs personnages. Cette marque possède la forme d'une étoile filante (ou d'une comète, comme le mentionne Luisa Rey), et apparaît successivement sur les six personnages principaux. Cette tâche de naissance marque les destinées importantes, celles qui vont faire avancer les choses. C'est un symbole de l'univers, qui change perpétuellement, qui avance inexorablement. D'ailleurs, les réalisateurs vont utiliser cette étoile filante pour détourner intelligemment l'un des clichés les plus éculés du cinéma. Vous avez tous vu un film ou un dessin-animé qui présente une scène idyllique durant laquelle les personnages sont heureux, sous un ciel étoilé, tandis qu'une étoile traverse le voile nocturne avant de disparaître dans un ultime éclat ? <b>Cloud Atlas</b> s'achève de la même manière. Cependant, dans ce film, l'étoile filante transcende son statut de cliché du cinéma, car elle apporte une réelle signification au récit: l'histoire continue, se répète. L'étoile filante se fait témoin de ces cycles imperturbables qui jalonnent l'existence toute entière. Ainsi, ce n'est pas un hasard si le dernier segment du film se passe dans un monde ravagé, au sein duquel l'Homme est redevenu un sauvage. Ce statut renvoie à la période préhistorique, une période sans science, rongée par les superstitions. L'Histoire se répète, tout est connecté. Il est intéressant de noter que la marque de Sonmi-451 se trouve sous son collier en métal, et qu'elle n'apparaît donc qu'au moment ou celui-ci est retiré, symbole de sa libération.</div>
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Toutes ces connexions se permettent d'éclater la linéarité temporelle, grâce au montage du film bien sûr, qui passe d'une époque à l'autre très rapidement, mais aussi à travers la narration. Ainsi, si des éléments du passé peuvent influencer le futur, il se peut que le futur envahisse le passé. Nous prendrons pour exemple le cauchemar qui hante le compositeur Vyvyan Ayrs, dans lequel il aperçoit un café souterrain, peuplé par des serveuses aux visages identiques. Ce songe fait référence au Papa Song, une brasserie dépeinte en 2144, et envahie de clones. Une autre référence à l'année 2144 hante les rues de Buenas Yerbas, en 1975. Sur l'un des murs de la ville, une illustration représente ces fameux clones. Passé, présent et futurs sont liés de la plus intime des façons.<br />
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Un autre thème mis en avant dans le film est la transmission du passé, l'héritage. Par exemple, le périple de Timothy Cavendish donnera lieu à un long-métrage sur l'exil et la solitude. Si l'histoire originale fait plutôt montre d'un humour absurde et possède des airs de virée cocasse (la fuite d'une bande de vieillards qui décide de s'échapper d'un hospice), le film qui en résulte possède un ton plus solennel. 150 ans plus tard, Sonmi-451 et son "amie" Yoona-939 découvrent des bribes de ce métrage, quelques secondes qui passent en boucle et qui vont aiguiller les clones sur leurs voies. De la même manière, le discours que tiendra Sonmi avant sa capture par l'état sera plus tard retrouvé par les tribus de la Vallée. Sonmi sera considérée comme une déesse. On peut voir l'importance du legs que nous laissons à nos descendants, et l'importance du contrôle de l'Histoire. On dit que ce sont les vainqueurs des guerres qui écrivent l'Histoire, c'est un peu vrai dans <b>Cloud Atlas</b>. Les personnages se construisent et sont influencés par des fragments du passé. Robert Frobisher découvre le journal de bord écrit par Adaw Ewing, un journal incomplet (dû au fait que l'avocat soit tombé malade, empoisonné par Goose). C'est ce journal à moitié achevé qui va caler de manière parfaite le piano sur lequel le compositeur va mettre au point son oeuvre. De son côté, Luisa Rey découvre la correspondance épistolaire qu'entretenaient les deux amants en 1931, des courriers qui débordent d'une passion immortelle, et qui vont, en un sens, influencer la journaliste. Les réalisateurs proposent des liens entre chaque segment, des petits détails propres à construire ce grand tout déjà mentionné plus haut. Le film (et le roman) se base vraiment sur la transmission, voire la communication. Aussi, il est intéressant de relever le fait que, bien qu'ils s'aiment et passent du temps ensemble, jamais Robert Frobisher et son amant Sixsmith ne discuteront pendant le métrage. Nous verrons seulement Sixsmith suivre une conversation épistolaire avec son amant. Ou lorsque la communication transcende les sens.</div>
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Les Wachowski se sont occupés, entre autres, des deux segments liés au futur, en 2144 et 2321. Toute la partie se déroulant à Neo-Séoul est ainsi l'occasion pour les auteurs de Matrix de développer un univers de science-fiction cohérent. A cette période, la consommation s'est développée à un point inimaginable, les marques ont pris le pouvoir. Par exemple, on appelle les ordinateurs des Sony. C'est une société beaucoup basée sur les apparences, malgré la décadence qui y règne. Cette notion se retrouve dans la direction artistique. Ainsi, par exemple, les intérieurs des bâtiments sont, à la base, décrépis, ternes et maussades. Grâce à la technologie, les humains peuvent faire glisser des textures sur les parois de ces intérieurs. Ces textures sont absolument magnifiques, en plus d'être animées, et permettent d'oublier la véritable apparence du lieu. Au restaurant Papa Song, le sol imite une surface aquatique, sous laquelle nagent des poissons. A chaque pas posé par les usagers, une onde se crée autour du point d'impact et se répand. Un autre exemple, les murs d'un intérieur peuvent représenter des cerisiers en ombres chinoises, dont les pétales animés tombent et glissent de mur en mur. Le résultat visuel est superbe, en plus d'être cohérent avec la thématique développée. Toujours dans cet univers de science-fiction, il est cocasse de remarquer que le motif de l'étoile, lié aux marques de naissance qui se posent sur les protagonistes, est à nouveau utilisé pour comptabiliser les années de vie des clones. Les clones portent un collier de métal, sur lequel est apposé une étoile à chaque année qui passe. Dans ce cas précis, les étoiles sont synonymes de mort, mais aussi de vie, dans le sens où la chair des clones morts sert à nourrir les vivants. Le nombre d'éléments liés dans Cloud Atlas est tout bonnement incroyable. Toujours en rapport avec la science-fiction, le film ne se gêne pas pour citer de grands classiques de ce genre. Durant le segment consacré à la fuite de Cavendish, lorsque celui-ci s'enfuit de la maison de retraite, il se moque de ses congénères en les traitant de <b>Soleil Vert</b> (<b>Soylent Green </b>en anglais). <b>Soleil Vert</b> est l'adaptation cinématographique du roman <b>Make Room! Make Room!</b> de Harry Harrison et édité en 1966, qui parle d'un avenir dans lequel les gens consomment de la nourriture synthétique. Le twist de ce récit est semblable à celui qui clôture l'histoire de Sonmi-451. D'ailleurs, le nom de Sonmi-451 rappelle un autre roman de science-fiction, <b>Fahrenheit 451</b>, de Ray Bradbury (1953), un roman qui décrit une société basée sur la sur-consommation et l'individualisme, des thèmes semblables au segment futuriste de <b>Cloud Atlas</b>. Enfin, on ne peut décemment pas occulter la ressemblance frappante qui existe entre Hae-Joo Chang et le héros de la grande saga des Wachowski, Neo, dans <b>Matrix</b>. Un petit clin d'oeil pour appuyer le fait que tout est lié ?<br />
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Au sujet de ce titre, d'ailleurs, <b>Cloud Atlas</b>, celui-ci fait référence à la symphonie composée par Robert Frobisher, le <i>Cloud Atlas Sextet</i>. Il semble que les personnages du film éprouvent une certaine émotion, qu'ils n'arrivent pas à décrire, et qui leur fait prendre conscience de ce lien qui traverse les époques et les gens. Une sensation qui explique les connexions entre le futur et le passé (Vyvyan Ayrs qui rêve du Papa Song, etc...). Voilà une manière d'amener sur le tapis le thème du Destin, un thème en contrepartie balancé par le fait que les personnages construisent l'avenir par leurs actes et leurs paroles. <b>Cloud Atlas</b> propose ainsi, concrètement, un univers mêlant destinée et libre-arbitre. Pour en revenir au <i>Cloud Atlas Sextet</i>, il s'agit d'une symphonie que l'on retrouve à différentes périodes du métrage. Cette symphonie, qui inspire et touche les hommes (ou plutôt les âmes), se retrouve à différents niveaux du film (sous une version jazzy, jouée par un artiste des rues en 2144, voire chantée par les clones lors de leur Exultation). La musique rappelle la structure du film, ses transitions, son rythme. Tom Tykwer, accompagné par Johnny Klimek et Reinhold Heil, signe une bande son toute en nuances. Les thèmes principaux sont élégants et mélancoliques, et possèdent une portée épique, sans jamais être guerriers. Certains compositions plus nerveuses, supportées par des cordes endiablées, viennent rythmer les scènes d'action et supporter une mise en scène efficace. L'ajout de choeurs apporte une dimension mystique en accord avec la thématique du film, tandis que le piano reste définitivement l'instrument clé du métrage.</div>
<div style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.479999542236328px; text-align: justify;">
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<b>Cloud Atlas</b> est un film exigeant, de par sa narration explosée ainsi que ses nombreuses thématiques, brassées par des indices fragmentaires. Jouissant d'une réalisation maîtrisée, axée sur un montage novateur et intelligent, et ponctué par quelques fulgurances comme la partie située en 2144 ou la scène de l'accident de voiture, fantastique, le récit s'amuse à déplier une fresque décomposée passionnante à reconstituer. Porté par des acteurs investis, le film ne s'engonce pas dans d'éventuels propos philosophiques déplacés, il s'évertue plutôt à peindre une cartographie aux bordures infinies. Puissant, poétique, parfois cru ou cocasse, <b>Cloud Atlas</b> s'érige sans peine comme une splendide incarnation du cinéma, dans tout ce qu'il a de plus merveilleux.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrYiSKo3BNEqU3YaHeJ8F0-mMgX3_BR1ZKqrEiqh5RMG3EbVYijrUSFS3EnFa32ZBxkJRF2rNeMJZhQzIskVGiasiARGXlEMCz5axRuIGci6EhRSho6pb0C6ze6wZDr0dq6i2MwYZg4t0/s1600/00.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrYiSKo3BNEqU3YaHeJ8F0-mMgX3_BR1ZKqrEiqh5RMG3EbVYijrUSFS3EnFa32ZBxkJRF2rNeMJZhQzIskVGiasiARGXlEMCz5axRuIGci6EhRSho6pb0C6ze6wZDr0dq6i2MwYZg4t0/s640/00.png" width="640" /></a></div>
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<em><span style="color: black;">Ecrit par Alan Moore et dessiné par Dave Gibbons</span></em></div>
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<strong><span style="color: #cc0000;">Cet article contient des spoilers.</span></strong></div>
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Difficile d'aborder Watchmen sur la toile. Deux possibilités: soit le lecteur connaît l'oeuvre et ne cherche qu'un moyen d'en apprendre davantage sur le livre, soit il n'en a jamais lu une seule page et dans ce cas il est ardu d'aborder ce monument tant celui-ci est abyssal. Watchmen est une oeuvre dense qui, en plus de raconter une histoire rythmée et passionnante, se permet de proposer une réflexion aboutie, cristallisée dans une mise en page et une structure graphique réfléchies. Cependant, avant d'aborder l'oeuvre en profondeur, il convient de la replacer dans son contexte. Watchmen est un roman graphique. C'est bête à dire, mais c'est important. La parution a débuté en 1986 et s'est étalée sur six numéros. A l'époque où Watchmen est sorti, Ronald Reagan était président des USA, tandis que Margaret Thatcher siégeait en Angleterre. Les comic books entraient dans une nouvelle période, initiée avec des titres comme The Dark Knight Returns de Frank Miller. Les super-héros étaient figés dans des aventures palpitantes, mais pas encore libérées de plusieurs contraintes morales, ils étaient coincés dans un dogme perpétuel. Pourtant, au milieu de cet immobilisme, certains comics commencent à s'émanciper et deviennent de plus en plus réalistes. Au coeur de cet univers en pleine métamorphose, paré à entrer dans ce que l'on appelle la période contemporaine des comics, Watchmen va faire l'effet d'un boulet de canon.</div>
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Watchmen développe une année 1985 uchronique durant laquelle Richard Nixon est toujours président. Dans cet univers, la menace d'une Troisième Guerre Mondiale pèse sur le monde, le scandale du Watergate a été étouffé et les Etats-Unis ont remporté la victoire lors de la guerre du Viêt Nam. La loi Keene interdit aux super-héros d'exercer leur activité (excepté pour ceux travaillant directement pour le gouvernement), ce qui fait que le groupe de Gardiens Watchmen a été dissolu. Le récit débute alors que l'un de ces anciens super-héros est retrouvé mort. Il s'appelait le Comédien. L'un de ces ex collègues, le déterminé Rorschach, enquête et tente d'avertir les autres Watchmen, partis en retraite. Chacun des six chapitres sont consacrés à un personnage en particulier. Car les personnages sont l'un des points forts de l'histoire. Ces humains costumés, contrairement à Superman ou Spiderman, ne possèdent pas de pouvoirs (sauf un). Ils sont terriblement proches de nous, avec leurs faiblesses, mais aussi parce qu'ils doutent, qu'ils se ramolissent et qu'ils vieillissent.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdnEciDZNPG7V-a6iLN7Qnf948htZkj6o2nGDjNaKj2uA5p9xCqV6FaKvQpxrn3OOv0imoBO2AO_Q8P5XYpIkzGss3qG02zceHV0GdcGNhzkas68thMZTB8TZ3Eswum2kn7eQ61VEVhwU/s1600/01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="356" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdnEciDZNPG7V-a6iLN7Qnf948htZkj6o2nGDjNaKj2uA5p9xCqV6FaKvQpxrn3OOv0imoBO2AO_Q8P5XYpIkzGss3qG02zceHV0GdcGNhzkas68thMZTB8TZ3Eswum2kn7eQ61VEVhwU/s640/01.jpg" width="640" /></a></div>
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Ecrit par Alan Moore * et dessiné par Dave Gibbons *, Watchmen tel que le souhaitait son scénariste devait décrire la réhabilitation de super-héros tombés dans l'oubli. Ainsi, l'histoire s'ouvre sur la mort d'un super-héros. Et comme le dit Moore lui-même, plus le récit avance, plus on plonge dans la réalité de ces individus, et on découvre une réalité très différente de l'image classique donnée par les surhommes. On rencontre des personnages hantés par leurs regrets, leurs erreurs et leurs faiblesses. Les Watchmen meurent, trompent et se trompent. Mais au fait, pourquoi "Watchmen" ? En France, le récit est édité pour la première fois sous le titre "Les Gardiens". "Watch" en anglais signifie "observer", dans le sens "surveiller". La notion de gardien propre à la traduction française était donc plutôt bien trouvée. Toutefois, il faut souligner que "watch" peut aussi désigner une montre. En lisant le récit, on s'aperçoit que les montres, les horloges, le temps lui-même, possèdent une importance significative. Dès le titre de son oeuvre, Alan Moore entame les symboles et métaphores. Le logo aussi raconte beaucoup de choses. Si vous regardez attentivement, vous remarquerez que le sang présent sur le smiley est en forme d'aiguille. L'aiguille d'une montre, ou peut-être même de l'horloge de l'Apocalypse, présente dans le récit. Ainsi, le logo lui-même représente une montre, le "watch" du titre.<br />
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* Alan Moore<br />
<i>Scénariste britannique, Moore est connu pour avoir démocratisé les comics en produisant des oeuvres matures au style littéraire appuyé. Anarchiste déclaré, adepte de magie, Moore écrit plusieurs histoires considérées aujourd'hui comme essentielles: <b>Watchmen</b> bien sûr, mais aussi <b>From Hell</b> ou <b>V for Vendetta</b>. Ses travaux comportent plusieurs niveaux de lecture et peuvent s'apprécier aussi bien au premier degré que pour les différents messages qu'ils renferment. Alan Moore est un auteur fascinant, détenteur de plusieurs prix reçus pour récompenser ses ouvrages.</i></blockquote>
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* Dave Gibbons<br />
<i>Connu en Angleterre pour ses travaux sur les comics, comme par exemple les premiers numéros de <b>Doctor Who</b>, Dave Gibbons est à la fois scénariste et dessinateur. Véritable touche à tout, l'artiste a commencé à travailler sur des numéros de <b>Green Lantern</b>, mais ne s'est pas limité au monde des comics. Gibbons s'est retrouvé sur le projet de jeu vidéo <b>Beneath a Steel Sky</b>, réalisé par Revolution Software, à qui l'on doit déjà la saga des <b>Chevaliers de Baphomet</b>.</i></blockquote>
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Connu en Angleterre pour ses travaux sur les comics (comme Watchmen ou les premiers numéro de Doctor Who), Dave Gibbons est à la fois scénartiste et dessinateur. Véritable touche à tout, l'artiste a commencé à travailler sur des numéros de Green Lantern, mais ne s'est pas limité au monde des comics. Gibbons s'est retrouvé sur le projet de jeu vidéo Beneath a Steel Sky, réalise par Revolution Software (à qui l'on doit les Chevaliers de Baphomet, entre autre).</div>
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Cette montre se retrouve tout au long de la lecture, s'approchant inexorablement d'une heure zéro fatidique. Le temps, et plus précisément cette montre, rythme l'ensemble du récit. Symboliquement, les deux aiguilles vont se superposer et n'en former qu'une seule. Cette unification représente le final de Watchmen, un rassemblement dans la paix, via un sacrifice. Peu à peu, le "V" que forment les deux aiguilles se consume. Seulement, ce n'est pas la première fois qu'Alan Moore utilise cette lettre. Dans le roman graphique V for Vendetta, dont il a commencé l'écriture avant Watchmen, V est un personnage qui symbolise la liberté. Ce V provient en fait d'un roman de Thomas Pynchon, pour qui ce symbole représente les aspirations humaines, nos buts, nos rêves, mais aussi l'écart entre nos objectifs et notre réalité. La disparition de cet espace entre les deux branches, les deux aiguilles, signifie donc l'aboutissement vers un idéal, vers une utopie. Ce symbole est très présent dans Watchmen. On le retrouve sur le badge du comédien, tâché de sang, mais aussi sur les aiguilles de l'horloge de New-York ou dans les abstractions du masque de Rorschach. D'ailleurs, il est intéressant de constater qu'Ozymandias s'appelle en réalité Adrian Veidt *, dont les intiales sont "A" et... "V". Quand on sait qu'il est l'instigateur de tout le plan obscène qui rythme Watchmen, retrouver le "V" dans son vrai nom est loin d'être anodin. Le A, lui, n'est qu'un V à l'envers...<br />
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* Adrian Veidt<br />
<i>Le nom de famille "Veidt" vient certainement de l'acteur allemand Conrad Veidt. Celui-ci joue dans le film <b>Le Cabinet du Docteur Caligari</b>, réalisé en 1920 par Rovert Wiene. Dans ce métrage, Conrad joue le rôle de Cesare, un somnambule qui tente de prévenir les gens qui l'entourent qu'un criminel rôde dans les parages. Cependant, le spectateur apprend finalement que, attention au spoiler, Cesare est lui-même complètement fou. Le parallèle entre Conrad Veidt et Adrian Veidt dans <b>Watchmen</b> est aisément identifiable.</i></blockquote>
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Le nom de famille "Veidt" vient certainement de l'acteur allemand Conrad Veidt. Celui-ci joue dans le film Le Cabinet du Docteur Caligari, réalisé en 1920 par Robert Wiene. Dans ce métrage, Conrad joue le rôle de Cesare, un somnambule qui tente de prévenir les gens qui l'entourent qu'un criminel rôde dans les parages. Cependant, le spectateur apprend finalement que Cesare est lui-même complètement fou. Le parallèle entre Conrad Veidt et Adrian Veidt dans Watchmen est aisément identifiable.</div>
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Les personnages constituent une grande force du roman graphique. Tous représentent quelque chose, une notion abstraite, à commencer par le Docteur Manhattan *. Dans ce monde paranoïaque, le Docteur symbolise la science, voire le pouvoir de la science. Celle-ci supplante aisément, au cours de notre évolution, le mysticisme et les croyances. Dieu dans Watchmen n'est plus la cible d'une foi invétérée, Dieu est américain et il contrôle la physique de notre monde. C'est ce que l'on appelle la religion positive. On retrouve l'importance de la science tout au long de l'Histoire, comme pour les Lumières, puis les communistes ou les nazis. Et qu'est ce qui, dans notre Histoire, symbolise l'entrée du monde dans une période régie par l'absolue puissance de la science ? La bombe nucléaire. Hiroshima *. <br />
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* Docteur Manhattan<br />
<i>C'est sous le nom de code "Projet Manhattan" que se dissimulent les études menées par les Etats-Unis, le Canada et le Royaume-Uni, qui consistaient à effectuer des recherches sur l'arme atomique. Au terme de ce projet, on retrouve les tristement célèbres bombardements de Nagasaki et Hiroshima. Dans l'uchronie de <b>Watchmen</b>, le gouvernement décide de surnommer Jon le "Docteur Manhattan", pour inspirer de la terreur aux ennemis de la nation.</i></blockquote>
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* Hiroshima<br />
<i>Hiroshima représente toute l'horreur dont la science est capable. On retrouve dans <b>Watchmen</b> plusieurs tags qui reviennent sur les murs de New-York. Outre le slogan "Who watches the Watchmen ?", l'image de deux amants qui s'étreignent apparaît régulièrement. Témoin de l'horreur d'une guerre atomique, cette image est commentée par plusieurs personnages au cours du récit.</i></blockquote>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtOJi2oxIn0eh5n4KE9pscK7ilfg6uEefxF3G0DODE_CWl3tbfUVLBhsrUebGLPWWJiGw7pyy_Yla4YUKNxLbIvEbDbnndkHhHWd7n0G93HcuElxpKVq6ePw7XHx2Fltly4VBxYuBuIvE/s1600/02.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtOJi2oxIn0eh5n4KE9pscK7ilfg6uEefxF3G0DODE_CWl3tbfUVLBhsrUebGLPWWJiGw7pyy_Yla4YUKNxLbIvEbDbnndkHhHWd7n0G93HcuElxpKVq6ePw7XHx2Fltly4VBxYuBuIvE/s200/02.jpg" width="143" /></a>Le Docteur Manhattan symbolise tout ce progrès scientifique. Ce n'est pas par hasard que Jon Osterman (le véritable nom du Docteur Manhattan) est fils d'horloger, tout comme Einstein (créateur de la bombe atomique). Tandis que les pages défilent, le pouvoir du Docteur semble repousser inlassablement toutes les limites connues. A la fin du récit, il s'en va même pour tenter de créer la vie. Parallèle suivant, le Docteur est accusé de provoquer des effets indésirables, comme des cancers, à l'instar des nouvelles technologies (qui n'a jamais entendu parler des ondes nocives des téléphones portables, par exemple). Enfin, dernier point flagrant, les conséquences des apports de la science. Celle-ci améliore notre niveau de vie, notre confort, mais l'Homme, à force de se plonger dans la science, finit par se déshumaniser, à oublier ce qu'il est. Dans Watchmen, le Docteur Manhattan s'éloigne de plus en plus des considérations humaines. Il n'apporte aucune considération à la pudeur, il voit la mort comme une simple conséquence physique, il n'arrive plus à se situer dans une ligne temporelle. Il se perd. Il est clair que le Docteur Manhattan représente, dans Watchmen, le concept de Science, avec tous ses apports et ses conséquences.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6uwJZs_12_hatsSOBdIYaSTsNocNZFjVZ-EpDpMdmnl_LYhzAhyiGsJBeTVb7E4Wkgdd-SsJvzpxMJOCMkOekF_dEJcjbvtcl0Ua4_HtJIRRzNsHKZSRsjyfXRCiHpvzm0Ojc4Dpw3jg/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6uwJZs_12_hatsSOBdIYaSTsNocNZFjVZ-EpDpMdmnl_LYhzAhyiGsJBeTVb7E4Wkgdd-SsJvzpxMJOCMkOekF_dEJcjbvtcl0Ua4_HtJIRRzNsHKZSRsjyfXRCiHpvzm0Ojc4Dpw3jg/s200/03.jpg" width="145" /></a>Au début de l'histoire, Manhattan partage son existence avec celle de Laurie Juspeczyk. Ce personnage, unique membre féminin parmi les six Watchmen du récit, symbolise clairement le concept de la Paternité, et par extension de la société patriarcale. Dans nos sociétés, les jeunes filles ont comme premier modèle leurs mères, qui leur apprennent (consciemment ou non), à survivre dans ce monde. Le père, lui, se place davantage en tant que représentant de la rigueur, de l'obéissance. Dans Watchmen, le père de Laurie est mort. Le personnage de Laurie, qui au début ignore son identité, veut en finir avec le manque se son père, mais aussi avec ce dernier. La découverte de l'identité du père, et les rapports qu'entretenaient celui-ci avec la mère, se font dans la violence. L'innocence et l'incertitude de Laurie sont brisées et irréparables. Cette notion de destruction se retrouve à de nombreuses reprises, dans des éléments cassés: le flacon de parfum Nostalgie brisé, le verre lancé sur le Comédien, la boule de cristal mais aussi et surtout l'immense palais construit sur Mars, où Laurie apprend toute la vérité. Mais Watchmen raconte la fin d'une époque, la fin d'une société gouvernée par les hommes, le début d'une nouvelle ère. Le Comédient est mort, et avec lui toute notion de régulation, de contrôle. Pour Laurie, c'est la fin d'une vie dans l'anonymat, à suivre les règles. Elle reprend du service sous les traits du Spectre Soyeux, et renie ainsi la loi Keene, et donc l'autorité patriarcale. De la même manière, elle reprend sa vie affective en main, quitte Jon et entame une relation avec Dan.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbxWbZMTimMzIMYA2uTHrlO0Hp46WEj9NOBVnFHFQZ2dxLB4UdXA3tJLFXpJLVRsrKH5-28-p7m8YCmz6MAOMQ4PgjxtTx_07FQ3gABPDFfIxJNzV3Tvy5e9Nvc2gCgaefMlfqUFxmL-o/s1600/04.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbxWbZMTimMzIMYA2uTHrlO0Hp46WEj9NOBVnFHFQZ2dxLB4UdXA3tJLFXpJLVRsrKH5-28-p7m8YCmz6MAOMQ4PgjxtTx_07FQ3gABPDFfIxJNzV3Tvy5e9Nvc2gCgaefMlfqUFxmL-o/s200/04.jpg" width="144" /></a>Dan Dreiberg justement, est le Watchmen surnommé le Hibou *. Outre la référence dans le costume au Batman d'Adam West, des années 60, Dan peut être la représentation de l'insignifiance. En effet, dans Watchmen, Dan n'existe qu'à travers son costume. Une fois la loi Keene votée, une fois le costume ôté, Dan n'a plus aucune raison d'être. D'ailleurs, il passe son temps libre à retrouver Hollis Mason, le premier Hibou qui faisait à l'époque partie des Minutemen (le groupe qui précède aux Watchmen). Avec lui, il parle de ce temps où les super-héros pourchassaient les criminels. Hollis a d'ailleurs rédigé une autobiographie revenant sur son statut de super-héros. Dan poursuit un passé qui n'est plus, il se cherche un but, une identité. Dan en tant qu'homme anonyme ne peut pas s'épanouir, la véritable identité de Dan est en fait son côté Hibou. Pire, Dreiberg n'a même pas eu la primeur de devenir lui-même un super-héros, il poursuit en fait le parcours de Mason, en reprenant l'identité du Hibou. Dan n'existe pas. Tout ce qu'il entreprend, qui fait avancer le récit et le personnage, il le fait sous les traits du Hibou. Même lorsqu'il fait l'amour avec Laurie, ce sera après s'être travesti. De son côté, son mentor Hollis Mason, parfait contraire du Comédien et représentant d'une justice et de valeurs oubliées, s'éteindra sous les crocs d'une meute en furie.<br />
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<blockquote class="tr_bq">
* Hibou<br />
<i>Le hibou apparaît dans plusieurs cultures et peut avoir une connotation positive ou négative selon l'endroit et la période où il est présent. Par rapport à <b>Watchmen</b>, on peut se rapprocher de l'évocation du hibou dans l'Egypte antique. Il exprime le froid et la nuit, mais aussi la sagesse. Hors, dans le livre, Dan le Hibou apparaît en pleine nuit dans les rues de New-York, puis dans le froid en Antarctique. L'animal symbolise aussi la réflexion et l'intelligence: Dan sera l'un des seuls survivants du plan d'Ozymandias (avec Laurie). Dans l'iconographie hindoue, dont on retrouve des relents à la fin de <b>Watchmen</b> (l'entité extra-terrestre représente un mouvement new-age hypnotique), le hibou est attribué à la Mère. Quand on sait que le plan d'Ozymandias consiste à décimer la notion de Père, dans le but de développer une société maternelle, on comprend que Dan s'insère parfaitement dans sa nouvelle vie, à la fin du récit. D'ailleurs, le personnage se teindra les cheveux (en blond, ce qui est une analogie avec la race aryenne, Ozymandias étant la réprésentation d'Hitler). Enfin, il faut savoir que le personnage du Hibou a été pensé comme un possible reflet de Batman, le hibou étant un prédateur de la chauve-souris. Ce concept sera repris par Grant Morrison, dans <b>L'Autre Terre</b>, ou par Scott Snyder dans la <b>Cour des Hiboux</b>.</i></blockquote>
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Le Hibou apparaît dans plusieurs cultures et peut avoir un sens positif ou négatif selon l'endroit et la période où il est présent. Par rapport à Watchmen, on peut se rapprocher de l'évocation du hibou dans l'Egypte Antique. Il exprime le froid et la nuit, mais aussi la sagesse. Hors, dans le livre, Dan le Hibou apparaît en pleine nuit dans les rues de New-York, puis dans le froid en Antarctique. L'animal symbolise aussi la réflexion et l'intelligence, et Dan sera l'un des seuls survivants du plan d'Ozymandias (avec Laurie). Enfin, dans l'iconographie hindoue, dont on retrouve des relents à la fin de Watchmen (l'entité extra-terrestre représente un mouvement new-age hypnotique), le hibou est attribué à la Mère. Quand on sait que le plan d'Ozymandias vise à décimer la notion de Père, pour développer une société maternelle, on comprend que Dan s'insère complètement dans sa nouvelle vie finale. D'ailleurs, le personnage se teindra les cheveux (en blond, ce qui est une analogie avec la race aryenne, Ozymandias étant la représentation d'Hitler).</div>
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* Test de Rorschach<br />
<i>Le test de Rorschach est un test psychologique constitué d'illustrations représentant des tâches d'encre symétriques. Ce test comporte dix panneaux, dont 7 monochromatiques, essentiellement noirs. L'idée d'utiliser l'abstraction pour déterminer ce que voit l'individu est très ancienne, Léonard de Vinci y faisait déjà référence dans ses textes.</i></blockquote>
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Le Test de Rorschach est un test psychologique constitué d'illustrations représentant des tâches d'encre symétriques. La tâche de gauche reflète celle de droite, le noir fait écho au noir, comme une multiplication du pessimisme. Le test comporte dix panneaux, dont 7 monochromatiques essentiellement noirs. L'idée d'utiliser l'abstraction pour déterminer ce que voit l'individu est très ancienne, Leonard de Vinci y faisait déjà référence dans ces textes.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDirYVlpd9XWuJgtc2mmwMAtEtdKBCzXNY6g2ljmgpGTwNEEBk7RmfD1krQWFgJ4skB3bcUsVmOXdiULJ8s6LfJbEYgmxlsoA6NP97SHY5Ks13bSBthTqCHANCGjia6QaAypFjEOCjF-Q/s1600/07.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDirYVlpd9XWuJgtc2mmwMAtEtdKBCzXNY6g2ljmgpGTwNEEBk7RmfD1krQWFgJ4skB3bcUsVmOXdiULJ8s6LfJbEYgmxlsoA6NP97SHY5Ks13bSBthTqCHANCGjia6QaAypFjEOCjF-Q/s200/07.jpg" width="145" /></a>L'utopie. Un thème largement abordé dans la littérature. Mais l'utopie doit-elle se concrétiser ? Pour Ozymandias, aucun doute là-dessus, peu importent les sacrifices. Le passé doit disparaître, et avec lui toutes les valeurs étriquées, comme la société patriarcale. Le nouveau monde doit être porté par la science. L'opposition doit être abattue. Le monde doit faire son deuil. Toutes ces notions sont illustrées par les Watchmen. Le surnom que se donne Adrian Veidt, Ozymandias, ne vient pas de n'importe où. Messager d'une Egype Antique révolue *, Ozymandias souhaite bâtir un nouveau monde avec un retour aux sources. Mégalomane dangereux, Adrian représente plusieurs notions à lui tout seul. La consommation, avec les objets dérivés qu'il produit, les sectes, avec son statut de gourou illuminé, et bien sûr le délire religieux contemporain. Il manipule la science (en la personne de Docteur Manhattan), il supprime le vieux monde (en tuant Blake), il contrôle les masses. Et pour ce qui est de l'entité extra-terreste envoyée à New-York ne représenterait-elle pas un mode de vie incompris, tel que le New-Age ? Avec son apparence de plante verte, ses pouvoirs de médium et sa fonction pacificatrice ? Ce monstre peut-il représenter une culture du "zen" écolo et apaisant ? Le mouvement qu'il représente n'est-il là que pour nous endormir ? C'est en tout cas ce que pense Ozymandias. Il endort, il est le Watchman, le Gardien, d'une masse zombifiée. Grâce à lui, le peuple consomme, abandonne les rixes, et fait tomber les masques.<br />
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<blockquote class="tr_bq">
* Egypte antique<br />
<i>Les civilisations antiques sont très présentes dans notre monde contemporain. Le symbole de la Pyramide se retrouve chez les francs-maçons, les arts communistes et fascistes reprennent les caractéristiques des sculptures gréco-romaines, les grandes sectes s'approprient une iconographie antique et développent un intérêt pour les mystères issus de ces civilisations, etc... Ozymandias se voit comme le pharaon de cette nouvelle société, d'où son pseudonyme, qui n'est autre que l'un des noms donnés à Ramsès II.</i></blockquote>
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Les civilisations antiques sont très présentes dans notre monde contemporain. Le symbole de la Pyramide se retrouve chez les francs-maçons, les arts communistes et fascistes reprennent les sculptures gréco-romaines, les grandes sectes reprennent une iconographie antique et développent un intérêt pour les mystères issus de ces civilisations, etc... Ozymandias se voit comme le pharaon de cette nouvelle société, d'où son pseudonyme, qui n'est autre qu'un autre nom donné à Ramsès II.</div>
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Ozymandias a gagné. </div>
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Ozymandias a gagné, vraiment ?</div>
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Peut-être pas après tout. En effet, tout au long du récit, Moore et Gibbons distillent des indices concernant l'avenir du plan de ce post-Ramsès II. Le plus évident est la conclusion même de la saga, lorsque le manuscrit de Rorschach, son journal, est découvert par Seymour, jeune travailleur au New Frontiersman. Les extraits de ce journal accompagnent d'ailleurs la lecture du roman graphique. Le jeune Seymour et son patron vont-ils publier le journal ? Vont-ils dévoiler toute la vérité ? Le plan de Veidt est-il condamné à échouer ? Aucune réponse n'est clairement donnée, mais un indice flagrant apparaît. Le t-shirt de Seymour représente le smiley qu'arborait le Comédien. Dans une case, le vêtement est souillé par du ketchup, ce qui forme une tâche semblable à la trace de sang sur le badge de Blake. Comme si l'image finale renvoyait à la toute première, comme si l'Histoire allait se répéter. De plus, le Docteur Manhattan affirme ceci lors de ses dernière paroles: "Rien ne finit jamais". Il faut rappeler que ce simili-Dieu possède un regard omnipotent sur le passé, le présent et l'avenir. Sait-il que toute cette histoire n'est qu'une farce ?</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjFXMO7SJu_ofZkKtYvEhZRx35UZLZsn3fK36dkxq6H2PdhiHzL_d_r0MAUkijLdKlaey1Y3UzVx7opkBlFtScOoe6JBoni3G8-FRruQIi3LkoQBDLLdA-9U6tN-MRzu6c-YgXxs8tKjA/s1600/08.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="394" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjFXMO7SJu_ofZkKtYvEhZRx35UZLZsn3fK36dkxq6H2PdhiHzL_d_r0MAUkijLdKlaey1Y3UzVx7opkBlFtScOoe6JBoni3G8-FRruQIi3LkoQBDLLdA-9U6tN-MRzu6c-YgXxs8tKjA/s640/08.jpg" width="640" /></a></div>
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Avec Watchmen, Alan Moore porte un avertissement. Il dénonce une société maternelle, qui nous force à satisfaire des envies qu'elle-même tend à faire naître. Les individus ne sont plus que des engrenages uniformes, qu'il faut remplacer quand l'un d'entre eux se met en tête de tourner à contre-sens. Watchmen est une comédie absurde, une tragédie positive. Il faut apprendre à penser et agir par nous-mêmes, lutter à nos échelles, comme Seymour qui a le choix entre ouvrir et lire le long journal de Rorschach, ou bien se contenter de lire une lettre dont la longueur n'excède pas quelques lignes.</div>
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html"><b><span style="color: #cc0000;">Cliquer ici pour revenir à l'index</span></b></a></div>
Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-29772910632432716592014-05-22T16:50:00.000-07:002016-06-12T05:29:05.882-07:00Marvel ICONS: Spider-Man, Tome 1<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkUtetvFyn0YS0vNjDCvcq6ag4D7jMCfW2IG0-4ZE53nTgU67P8-P9x4SShQCzBdH0rAD86MoIaTFqnfRf7NzxH9vYSxTf-o7RVelV6AZRCMMRSZDOSHTtLsBbUnBxTDqSGfXrR4FchMq8/s1600/Couv_215805.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkUtetvFyn0YS0vNjDCvcq6ag4D7jMCfW2IG0-4ZE53nTgU67P8-P9x4SShQCzBdH0rAD86MoIaTFqnfRf7NzxH9vYSxTf-o7RVelV6AZRCMMRSZDOSHTtLsBbUnBxTDqSGfXrR4FchMq8/s1600/Couv_215805.jpg" width="213" /></a></div>
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<i>Scénarisé par J.M. Straczynski</i></div>
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<i>Dessiné par John Romita Jr.</i></div>
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<b><span style="color: red;">Cet article contient des <span style="color: #cc0000;">spoilers</span>.</span></b></div>
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<i>Note: un "run" désigne, dans le monde des comics, tout le travail continu d'un scénariste sur une série régulière. Quand on parle du run de Straczynski sur Spider-Man, on fait référence aux numéros 471 à 545 de la série <b>The Amazing Spider-Man </b>(qui s'étend d'avril 2001 à décembre 2007).</i></div>
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En 2014, Panini inaugure une nouvelle collection dont le but sera de mettre en avant de grandes sagas, écrites de mains de maîtres par de tout aussi grands auteurs. Marvel Icons, c'est le nom de cette collection, se donne pour but de rendre disponibles des travaux aussi prestigieux que le <b>Daredevil</b> de Frank Miller ou le <b>Marvels</b> de Kurt Busiek et Alex Ross. Pour lancer les hostilités, c'est le fantastique run de J.M. Straczynski consacré au Tisseur qui est choisi. Une saga qui a osé l'impossible, un auteur qui a simplement redéfini tout un personnage sans jamais en altérer l'essence même, des dessins d'une efficacité rare, voici quelques uns des cadeaux que nous offre ce premier tome de <b>Spider-Man</b>.</div>
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Cet album regroupe les quinze premiers numéros de <b>The Amazing Spider-Man</b> scénarisés par J.M. Straczynski, soit près de 400 pages rédigées avec talent et audace. Grâce à sa main mise sur le personnage, l'auteur va dynamiter une continuité vieille de plusieurs dizaines d'années, dans le but de moderniser une icône un peu trop figée, tout en développant une approche inédite du Tisseur et de son univers. Une approche qui se voudra beaucoup plus mystique. En premier lieu, et c'est un point qui a enflammé les cercles de fans, l'auteur redéfinit complètement l'origine les pouvoirs de Peter Parker, alias Spider-Man. Tout le monde connaît l'histoire, celle d'une araignée radioactive qui mord le jeune étudiant, lui transférant ainsi une myriade d'habilités arachnéennes. Straczynski pose la question simple, mais vicieuse, qui suit: et si l'araignée avait délibérément mordu Peter ? Et si à travers cette morsure se jouait une trame bien plus ancienne et plus gigantesque que ce que les apparences le laissaient à supposer ? C'est ainsi que le scénariste inocule au récit la notion de totems, se basant d'une manière très intelligente sur une mythologie vieille de plusieurs dizaines d'années. L'auteur pointe ainsi les liens évidents qu'entretiennent les ennemis de l'homme-araignée avec les animaux, comme le Docteur Octopus ou le Vautour. Il tisse un lien entre l'Homme et la Nature. Ce n'est pas nouveau de créer des super-héros inspirés d'animaux, citons Batman ou Ant-Man par exemple. Ce qui est nouveau, c'est de créer un lien ténu entre ces hommes et les animaux qui les guident, au niveau mythologique, car tout le travail de Straczynski prendra appui sur cette base mystique.</div>
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Pour accompagner ce nouveau départ thématique, des personnages inédits sont habilement introduits dans le Spider-verse. Le premier d'entre eux se nomme Ezekiel, c'est un homme mûr disposant des mêmes dons que Peter Parker. Mais celui-ci n'a pas mis à profit ses pouvoirs pour combattre le crime, il en a profité pour construire un empire financier inébranlable. Dans l'Ancien Testament, Ezechiel est un prophète dont le nom veut dire "Que le Seigneur te fortifie". Dans <b>Spider-Man</b>, son statut de guide est assumé dès ses premières apparitions, en effet, le personnage a dépensé une fortune colossale dans le but de fabriquer une pièce spéciale qui devait servir à protéger Peter Parker. Le protéger de quoi ? La question serait plutôt: le protéger de QUI ? La menace initiale créée par Straczynski s'appelle Morlun, c'est un être immortel, un chasseur qui se nourrit de l'énergie totémique que porte en lui l'homme-araignée, et c'est autour de lui que s'articule le premier arc du run du scénariste.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFQbagClCxGywhFH8iEHR2NW_Vlc5oFolBSHFJiCgZRvuVVhb4YkcRwF92ehbL6PUYF5sn72Z3F6_2qk0vdeeg0nlh92Dly4obEBNfs7gyigIenNfBfQpQP8C5ZhMbekhiiQdd0Dq4H8O7/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFQbagClCxGywhFH8iEHR2NW_Vlc5oFolBSHFJiCgZRvuVVhb4YkcRwF92ehbL6PUYF5sn72Z3F6_2qk0vdeeg0nlh92Dly4obEBNfs7gyigIenNfBfQpQP8C5ZhMbekhiiQdd0Dq4H8O7/s1600/1.jpg" width="372" /></a></div>
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Ainsi, l'auteur écarte volontairement les ennemis traditionnels de Spider-Man afin d'introduire une sorte de menace "suprême", un danger extirpé des ténèbres et issues de temps plus anciens que ce que Peter pourrait imaginer. La narration et la mise en scène font de Morlun un être terrifiant, monolithique et imparable. Les dialogues soulignent bien la puissance colossale de Morlun, notamment durant le combat qui oppose cet adversaire à Spider-Man, où ce dernier avoue que jamais on ne l'a cogné aussi fort. En fait, Morlun est une créature sauvage, qui fonctionne à l'instinct et porte en elle des lois anciennes et mystiques. Il ne met pas en place de plan tarabiscoté pour défavoriser sa proie, il ne réalise aucune attaque psychologique, il est la puissance brute, une force de la nature. Il avance, chasse et traque sans jamais se reposer, tel un vampire implacable. Un vampire, voici d'ailleurs une inspiration évidente en ce qui concerne le travail de Straczynski sur le personnage de Morlun. Son design, premièrement, ne trompera personne. Longs cheveux noirs comme une nuit sans lune, visage blanc comme les premières neiges et yeux rouges comme l'Enfer, Morlun se pare de crocs aiguisés et d'une cape menaçante. De plus, le personnage arrive en ville en bateau (un clin d'œil évident à la légende de <b>Dracula</b>) et se nourrit des âmes (ou force vitale) des malchanceux. Si la liaison est évidente, Morlun n'est pas qu'un pastiche du célèbre comte. Il symbolise tout ce contre quoi lutte Peter Parker. En effet, les convictions du personnage vont être mises à mal par l'existence de cet être surnaturel. La terrible joute qui oppose les deux protagonistes se conclue sur un immonde dilemme moral pour Peter: doit-il tuer son adversaire ? Doit-il envoyer voltiger une règle qu'il s'impose depuis des années ? Doit-il bafouer ses convictions et tuer Morlun ? La réponse a cette question se veut classique, voire décevante, en apparence seulement. Ainsi, un personnage secondaire épargne l'acte à Spider-Man et achève Morlun à sa place. Pourtant, lorsque l'on creuse un peu, on se rend compte d'une chose terrible: Peter Parker devra vivre en sachant qu'il avait choisi de tuer.</div>
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Outre la face Spider-Man, le récit n'oublie jamais de développer son opposé: la vie privée de Peter Parker. Ainsi, le jeune homme devient enseignant dans l'école de son enfance. Le bâtiment qui abrite ses souvenirs a changé, des tags recouvrent désormais les murs décrépis, et les professeurs se succèdent à un rythme effrayant, vaincus par la délinquance qui règne en ces lieux. Pourtant, Peter va faire de son mieux afin d'apporter son aide à cette jeunesse qui se recherche. Ces jeunes seront d'ailleurs parfois le point de départ d'intrigues dont les thématiques finiront par s'imbriquer dans le plan général du scénariste. Outre son emploi, Peter Parker est marié à son amour de toujours, Mary Jane Watson. Quand débute l'histoire, le couple est cependant séparé. L'auteur va étudier l'impact d'une vie super-héroïque sur la vie quotidienne (obligations de justicier, mise en danger de ses proches, etc...). Ainsi, Straczynski délie peu à peu deux intrigues et arrive même à les connecter. Ce procédé permet de favoriser l'attachement envers le personnage, mais aussi, finalement, l'ancrage dans le réel voire l'identification. En donnant vie à un individu confronté aux mêmes événements que nous, l'implication du lecteur est décuplée (ce qui est d'autant plus favorisé par la présence de monologues intérieurs de la part du personnage principal). Ce cadre personnel et intime est ainsi développé via la vie professionnelle de Peter, ses sentiments envers Mary Jane, mais aussi les liens qu'il entretient avec sa tante, la touchante May. Tante May est un personnage mythique de l'univers de <b>Spider-Man</b>, à la fois confidente la plus proche et la plus éloignée de Peter. Aussi, si le scénariste dynamite allègrement la mythologie du personnage, il bouleverse aussi le statut-quo qui régit cet univers depuis tant d'années. Après un combat titanesque contre Morlun, Peter rentre chez lui et s'effondre, exténué, sur son lit. Tante May, comme l'auteur l'avait prédit quelques planches plus tôt, se rend chez son neveu et découvre avec stupeur que ce garçon qu'elle protège depuis tant d'années n'est autre que le Tisseur. Ou comment cet éprouvant arc narratif, en plus de remettre à neuf un personnage iconique et une mythologie entière, s'accapare en plus le luxe d'être le déclencheur de l'un des plus importants bouleversements de l'univers Marvel, dont les conséquences seront développées un peu plus tard.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7-Z9tYaYmq8t7YTSOkQa2EIAH0ZTK3uFRX-yXMmNlbk6gLmz_Nuxy0cdQOXItnRMns84Sawgqz602PW_0FI5R-muSKSPwZ1WuuXEvOzs0RYPA8e8b8KhN6GlvSzEAOYMDBTrMNMIoIyvu/s1600/3-23.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="398" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7-Z9tYaYmq8t7YTSOkQa2EIAH0ZTK3uFRX-yXMmNlbk6gLmz_Nuxy0cdQOXItnRMns84Sawgqz602PW_0FI5R-muSKSPwZ1WuuXEvOzs0RYPA8e8b8KhN6GlvSzEAOYMDBTrMNMIoIyvu/s640/3-23.jpg" width="640" /></a></div>
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En effet, avant de reprendre le fil de sa trame principale, Straczynski et Romita donnent vie à l'historique numéro 477 de <b>The Amazing Spider-Man</b>, un numéro à la couverture entièrement noire, écrit à la dernière minute suite aux terribles événements du 11 septembre 2001. Durant cet épisode, le scénariste rend un hommage poignant aux véritables héros, ceux qui vivent en dehors des pages, les surhommes du quotidien. Ces héros sans cape ni collant, anonymes. Les pages décrivent les heures passées à extirper les corps de sous les gravats, à prêter secours aux victimes. Pompiers, secouristes, policiers, super-héros et mutants se rassemblent pour affronter l'impossible. Coup de génie de la part du scénariste, les antagonistes de l'univers Marvel rejoignent le peuple dans cette tragédie. Comment ne pas frissonner face à cette case qui représente le Docteur Fatalis tout simplement en train de pleurer. L'épisode entier est rythmé par un monologue de Spider-Man, qui retranscrit clairement l'état d'esprit de l'auteur, et son analyse de la situation. Il écrit ici un très beau discours de paix qui dépasse les frontières du patriotisme. Les planches de Romita sont magnifiques dans leur horreur. Une double page dévoile Spider-Man qui découvre les tours effondrées et le chaos environnant, et sont parmi les plus marquantes du livre. Le dessinateur possède un style à la fois expressif et grossier, difficile à définir, mais d'une efficacité rare. Dans ce chapitre, il apporte une multitude de détails évocateurs et arrive à offrir des compositions très efficaces. Selon ses propres dires, Romita a affirmé avoir fait des cauchemars durant l'élaboration de ces planches, à force d'écouter les récits des survivants. En effet, l'artiste était continuellement à la recherche d'informations de manière à produire des planches détaillées, pertinentes et à même de retranscrire la terrible ambiance de cette journée noire. Le résultat est prodigieux, c'est un discours à cœur ouvert et empli d'espoir qui vient illuminer ces heures sombres, dont la force évocatrice se retrouve décuplée par les personnages utilisés et la justesse touchante de la narration.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1szTibq4JF_P71aB4T3vw6hVPixdP7icU0lgsdJ_DZfW2ylJyE17MqYPUuBUlUBUq65kNFgRNs6ZC7-C0Smz4W8EzDgU6T-RZPX1mBvPrXuJvT9VaQuPCNPN6gHIyUTEzqyt1DdnZripx/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="489" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1szTibq4JF_P71aB4T3vw6hVPixdP7icU0lgsdJ_DZfW2ylJyE17MqYPUuBUlUBUq65kNFgRNs6ZC7-C0Smz4W8EzDgU6T-RZPX1mBvPrXuJvT9VaQuPCNPN6gHIyUTEzqyt1DdnZripx/s640/2.jpg" width="640" /></a></div>
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Une fois ce sublime et triste interlude achevé, les auteurs reprennent la suite de leur histoire, qui s'arrêtait alors que Tante May découvrait l'identité secrète de Peter. La confrontation entre les deux personnages se fera attendre quelques pages de plus, Straczynski préférant développer un autre axe scénaristique, de manière à ce qu'une certaine tension accompagne la lecture des pages. Peter va faire son possible pour aider une enfant SDF de sa classe, Jennifer, confrontée à un monde qu'aucun enfant ne devrait connaître. Cet épisode permet de développer un peu plus l'univers dans lequel évoluent Peter et son double masqué, à la rencontre d'une population qui n'a pas été épargnée par la vie. Mais ces planches sont aussi les prémices d'une intrigue qui ne tardera pas à s'étoffer. C'est alors que surgit la tant redoutée confrontation entre Peter et sa tante. Et là, Straczynski se concentre une nouvelle fois sur son écriture, à travers des dialogues fabuleux et justes, où l'on se rend compte que l'amour peut parfois nous rendre égoïstes. L'intégralité de l'épisode se déroule dans l'appartement de Peter. La scène aborde des thématiques qui reviendront plusieurs fois dans le run du scénariste, telles que la difficulté de communiquer, la culpabilité ou tout simplement l'amour. Les secrets volent en éclat, Straczynski parvient même à surprendre le lecteur en apportant une lumière nouvelle sur l'oncle de Peter, Ben. En effet, le lecteur apprend que quelques instants avant de mourir, l'Oncle Ben s'était disputé avec Tante May. Une nouvelle fois, l'auteur bouleverse les acquis sans toucher aux événements, il s'adapte d'une continuité énorme pour étoffer son propos et ses idées. Une nouvelle dynamique s'instaure alors dans la série. Il est alors temps pour le scénariste de faire le point sur la situation.</div>
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Pour ce faire, Straczynski réalise un épisode entièrement muet (le numéro 480). L'auteur triche un peu et inclut quelques lignes de texte, notamment via un échange de courriers électroniques, mais aucun dialogue ne vient perturber la narration. Le personnage de Mary Jane fait alors sa véritable première apparition, à travers son quotidien relativement morose entièrement consacré à sa vie professionnelle (mannequin et actrice) ainsi qu'à regarder les exploits de Spider-Man à la télévision. Les personnages ne communiquent pas directement: on s'envoie des e-mails, on s'observe dans les médias, on lit les journaux, mais on ne se dit pas ce qu'on a sur le cœur. Ce manque de communication trouve bien sûr écho dans l'absence de dialogues. C'est au dessinateur Romita Jr. qu'il incombe une nouvelle fois de donner vie à ce chapitre, à travers ses dessins efficaces qui savent mettre l'accent sur une émotion ou un élément en particulier. C'est un épisode qui se lit vite mais qui parvient à établir le bilan concret de la situation des personnages.</div>
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Plus loin, le scénariste développe l'intrigue amorcée autour du personnage de Jennifer, l'élève de Peter. S'en suivra une enquête rondement menée et la rencontre entre Spider-Man et Shade, un ancien détenu vivant caché dans le monde astral, inaccessible pour les humains. Si cette partie du scénario parvient à développer une histoire qui se suffit à elle-même, concise et efficace, elle sert aussi à préparer les événements à venir. Durant cet arc scénaristique, Spider-Man retrouve une connaissance, le Docteur Strange, maître des arts mystiques et obscurs, qui va lui permettre d'atteindre le monde astral. Ce voyage ne sera pas sans conséquence, Peter y rencontrant une entité totémique primordiale, tandis que de funestes machinations se mettent en place. Encore une fois, Straczynski distille au compte goutte des éléments qui paraissent parfois anodins, mais qui font partie d'une fresque encore difficile à contempler dans son intégralité.</div>
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Mais pour l'heure, J.M. Straczynski conclut la première partie de son run d'une manière fort habile, révélant au lecteur une partie de son plan. Tous les épisodes précédents ne menaient qu'à la reconstruction du trio de personnages principaux qui va porter la suite de l'histoire: Peter Parker, Mary Jane et May. En premier lieu, le scénariste a entièrement redéfini le personnage, à travers sa nouvelle profession et ses origines mystiques, puis il a inclut May dans la confidence et enfin il réunit le couple marié que forment Peter et MJ. La réunion s'opère au sein d'un arc narratif qui fait intervenir un ennemi emblématique de Spider-Man, le Docteur Octopus, tout en s'amusant à briser le quatrième mur. En effet, quand l'action débute, Mary Jane est actrice dans un film à gros budget, elle joue le rôle de la compagne d'un super-héros, l'homme-homard. Ou quand Straczynski se fout allègrement de lui-même et de l'approche totémique qu'il a conféré au récit. C'est une histoire qui joue beaucoup sur la dualité, l'antagoniste principal étant même un "second" Docteur Octopus, étant donné que cet individu, Monsieur Carlyle, vole la technologie développée par Octopus (rappelons qu'Octopus possède des bras mécaniques greffés sur le corps et contrôlés par la pensée). Les situations et dialogues de ces épisodes reflètent les situations traversées par les personnages principaux, tandis que l'auteur se permet de répondre indirectement aux fans à travers le film de l'homme-homard. Cette histoire est rythmée à la perfection, tout en possédant des enjeux forts (comme lorsque May découvre la véritable identité d'Octopus, un super-criminel).</div>
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C'est à travers tous ces récits cohérents et maîtrisés que Straczynski inculque de nouvelles bases au personnage phare des éditions Marvel. La fluide succession de plusieurs arcs scénaristiques sans liens apparents, mais qui pourtant partagent des thèmes communs, permet au scénariste d'ériger un nouveau départ dont les piliers sont les trois personnages réunis en fin de volume. Ce n'est pas un hasard si la toute dernière image représente Peter, MJ et May attablés, ensemble, échangeant quelques lignes de dialogues d'une banalité renversante. Pourtant, suite à toutes les épreuves endurées précédemment, ces échanges signifient bien plus que ce que les quelques mots prononcés peuvent laisser croire. La scène est en place, les acteurs sont réunis, les choses sérieuses vont pouvoir commencer. Mais en l'état, avant même de se projeter vers les infinies possibilités qui se terrent entre les pages des prochains épisodes, ce premier volume de <b>Spider-Man</b> renferme des moments de grâce poignants, dissimulés parmi des scènes d'action fantastiques et d'autres séquences expérimentales sensationnelles.</div>
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<b><a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html"><span style="color: #cc0000;">Cliquer ici pour revenir à l'index</span></a></b>Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-19855532430387429922014-05-22T16:14:00.000-07:002016-06-12T05:10:15.451-07:00Pacific Rim<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_8zCOVFeQKztDzdvFKTxi_DM7dufMqE1omKkV1rfjhIdX4AnTChCPGnpMAzX3nFW7Rah4pOG0vEABL3_ntgjutgJgq8lUGS76fx2RqviOoKmphrrLqXovSLQy49KL8_xWIdtJr6oFVL0/s1600/02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_8zCOVFeQKztDzdvFKTxi_DM7dufMqE1omKkV1rfjhIdX4AnTChCPGnpMAzX3nFW7Rah4pOG0vEABL3_ntgjutgJgq8lUGS76fx2RqviOoKmphrrLqXovSLQy49KL8_xWIdtJr6oFVL0/s640/02.jpg" width="640" /></a></div>
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<i>Réalisé par Guillermo del Toro (2013)</i></div>
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<b><span style="color: #cc0000;">Cet article contient des spoilers.</span></b></div>
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Au-delà de sa nature même de blockbuster, <b>Pacific Rim</b> ose le pari fou de cristalliser la rencontre entre deux cinémas que tout oppose. Ou comment marier le symbolisme et la subtilité d'un cinéma oriental qui peine à dépasser ses frontières, à la grandiloquence et au gigantisme propres à son voisin américain. Cette ambition démesurée repose sur les épaules du réalisateur mexicain Guillermo del Toro, connu pour son diptyque consacré à <b>Hellboy</b> ou son crépusculaire <b>Le Labyrinthe de Pan</b>. Avec Pacific Rim, Guillermo del Toro ne réalise pas seulement son kaiju eiga, il réalise le premier kaiju eiga américain.</div>
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Pour rappel, "kaiju eiga", en japonais, signifie littéralement "film de bête étrange", le plus fier représentant du genre étant le colossal <b>Godzilla</b>. Guillermo del Toro va, pour <b>Pacific Rim</b>, s'approprier les codes du genre, auxquels vont s'ajouter une dimension "too much" propre à la culture cinématographique occidentale. Le but avoué du réalisateur: revaloriser le kaiju eiga, revigorer un genre en pleine décrépitude, et ce même dans son pays natal. Il y a bien eu quelques tentatives américaines de surfer sur la vague, comme justement avec le <b>Godzilla</b> US de Roland Emmerich, qui n'a jamais réussi à saisir toute la portée du<b> Godzilla</b> original, ou bien <b>Cloverfield</b>, une tentative originale de raviver la flamme, mais dont l'approche s'éloignait là aussi des bases nippones du genre. Aussi, <b>Pacific Rim</b> assume clairement son statut de véritable kaiju eiga américain.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-6L2WJpkUn7cDWLwDfN9SZIHvimAR_9VVxIKjEsF91vFIU8TSVH-mMoKQkLLv5UzvC6FVOb8Tekj-oYsoACKkCm8d4z8laaHxwZj7ShuAAjyF4nkEQ5coApN6eVkEKJIAA-mhXT4tU3I/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-6L2WJpkUn7cDWLwDfN9SZIHvimAR_9VVxIKjEsF91vFIU8TSVH-mMoKQkLLv5UzvC6FVOb8Tekj-oYsoACKkCm8d4z8laaHxwZj7ShuAAjyF4nkEQ5coApN6eVkEKJIAA-mhXT4tU3I/s640/03.jpg" width="640" /></a></div>
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La faille du pacifique directement évoquée par le titre du film est en fait un portail sous-marin apparu en 2013 au fond de l'océan. Depuis, de gigantesques créatures baptisées kaijus (comme quoi, le film affirme clairement ses intentions) s'en extirpent régulièrement et ravagent les côtes. Afin de faire face à cette invasion, l'humanité a inventé de colossaux robots, les Jaegers. Pour piloter ces machines de guerre, il faut deux pilotes connectés par un lien neuronal, appelé la jonction. On remarque déjà une volonté de s'éloigner de tous les films de robots américains, pour se diriger vers une approche issue de la culture manga, à savoir les méchas, immenses robots pilotés par des humains. Par ce choix scénaristique, l'auteur humanise radicalement les enjeux narratifs, tout en abordant divers thèmes comme le lien entre l'homme et la machine bien sûr, mais aussi entre deux individus, via la jonction neuronale qui permet de partager à la fois les émotions du co-pilote, mais aussi ses souvenirs. En gros, les deux pilotes sont les deux hémisphères d'un cerveau qui donnent vie à une troisième entité: le Jaeger. A noter que le terme "Jaeger" est un dérivé de "jäger", un terme allemand signifiant "chasseur". La chasse aux monstres est déclarée.</div>
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Cette chasse ne sera pas le seul élément important du film. La première grosse confrontation intervenant relativement tard. Car del Toro l'a bien compris, présenter une grosse scène d'action sans enjeux n'est pas important. C'est tout le parcours émotionnel et le développement des personnages pendant la première partie du film qui injectent une puissance rare dans les affrontements suivants. Mais avant d'en arriver là, de nombreuses épreuves vont construire la psyché des protagonistes. Le prologue du film est d'ailleurs une sacrée leçon de cinéma, car en quelques minutes il arrive à résumer la situation mondiale, poser les enjeux, introduire le personnage principal et expliquer le fonctionnement des Jaegers. Suite à une confrontation, le frère du héros est tué, avant que le gigantesque Jaeger, impossible à manier, vienne s'échouer sur une plage. C'est un homme accompagné d'un enfant, probablement son fils ou petit-fils, qui découvre la carcasse du robot. L'enfant tient un jouet, qui contraste immédiatement avec l'énorme mécha, un jouet taille XXL. Cette courte scène créé un parallèle évident entre l'imaginaire qui nous accompagne tout au long de la vie, tandis que la réalité de celle-ci nous rattrape bien vite, via le personnage principal qui réalise la perte qu'il vient de subir. Le script est simple, mais d'une maîtrise absolue.</div>
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Dans <b>Pacific Rim</b>, c'est l'émotion qui dicte l'action, et non l'inverse. Loin des blockbusters décérébrés, Guillermo del Toro pioche plutôt du côté de Steven Spielberg, James Cameron ou bien sûr Hideaki Anno (créateur de <b>Neon Genesis Evangelion</b>, un manga étant pour beaucoup dans la genèse de <b>Pacific Rim</b>). Toutes ces inspirations sont comprises et digérées, elles aboutissent à un produit à la fois synthétique et novateur. L'intrigue de <b>Pacific Rim</b> est linéaire, simple mais solide. A l'instar du travail de James Cameron sur <b>Avatar</b>, le film prouve que la simplicité prévaut la complexité quand elle est bien faire. Les thèmes du métrage sont universels, sa construction et cohérente et son développement réfléchi. C'est cette simplicité qui décuple la portée des éléments les plus extrêmes et funs, comme lorsqu'un Jaeger se saisit d'un paquebot échoué pour frapper son adversaire avec. Le contraste entre la retenue et la grandiloquence forme un couple d'une efficacité redoutable.</div>
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Cette simplicité se retrouve à tous les niveaux, le film ne s'embarrassant jamais de développements fastidieux. <b>Pacific Rim</b> possède même des relents de chevalerie, dans le sens où le film ne parle pas de conspirations ni ne s'emploie à décrire les bureaucrates qui se cachent derrière les grandes décisions militaires. On n'assiste qu'au spectacle des chevaliers, les Jaegers, qui partent occire le dragon, les kaiju. Une fois de plus, la thématique est universelle, tout comme l'atteste la présence de plusieurs nations au sein du Shatter Dome, le gigantesque hangar qui abrite les Jaegers. Ceux-ci sont d'ailleurs les témoins d'une obsession du réalisateur, la mécanique. Engrenages et mécanismes donnent vie à ces monstres de métal, et ce n'est pas un hasard si seul le Jaeger analogique pourra sauver le monde, au détriment des Jaegers numériques. Ce n'est pas la machine et la technologie qui font gagner la partie, c'est le métal et le travail de l'Homme. L'humanité est clairement au centre du récit.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhS2sei8IH8kGl-pPSq_2SonEUQe436aVKEXLwde7iklm9ZdrZlrkezijuAqQ6a8sPjTXjcCd9ttzUKjbCzhnk6Mh-pey9fa-WqwCW7jk_1JmztnD4uB87sLCbSWfHS4tDXoPwh4cx6kvw/s1600/00.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="352" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhS2sei8IH8kGl-pPSq_2SonEUQe436aVKEXLwde7iklm9ZdrZlrkezijuAqQ6a8sPjTXjcCd9ttzUKjbCzhnk6Mh-pey9fa-WqwCW7jk_1JmztnD4uB87sLCbSWfHS4tDXoPwh4cx6kvw/s640/00.jpg" width="640" /></a></div>
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Cette humanité est symbolisée par le personnage de Mako Mori, qui cristallise à la fois les épreuves endurées par l'humanité mais aussi ce lien si fort que Guillermo del Toro tente d'instaurer entre l'Orient et l'Occident. Mako, incarnée par la talentueuse Rinko Kikuchi, est un personnage hanté par un traumatisme que le protagoniste principal va revivre via la jonction neuronale. Lorsqu'elle était enfant, Mako a subi les assauts d'un kaiju baptisé Onibaba, dans un Tokyo ravagé. Elle sera sauvée par Stacker Pentecost (joué par Idris Elba), qui adoptera alors les traits d'une figure paternelle pour Mako. Cette scène est cruciale pour plusieurs raisons. La première est la mise en scène elle-même, douce et éthérée, emplie d'une poésie contrastant avec la cruauté des événements. Les cadrages et mouvements de caméra sont magnifiques, tout comme la composition des plans, qui revêtent une beauté picturale incroyable. Cependant, la scène est aussi une métaphore sur l'Histoire et le traumatisme engendré par la bombe atomique au Japon.</div>
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Revenons en 1954. Le Japon se relève doucement des deux atrocités qu'ont été Hiroshima et Nagasaki, mais le choc est toujours là. Le premier film <b>Godzilla</b> ne sera pas seulement un film de monstre classique, il exploitera cette peur du nucléaire à bon escient et abordera de forts thèmes écologiques. Godzilla est lui-même une représentation palpable de cette puissance nucléaire que les japonais parviendront à dompter, car de prédateur il deviendra allié des humains dans les films suivants. Quoi qu'il en soit, ce traumatisme est désormais propre à la culture nippone, nous autres occidentaux pouvons faire preuve de compassion mais nous ne pouvons pas vraiment comprendre ni ressentir la douleur qui en résulte. Dans <b>Pacific Rim</b>, le personnage principal nommé Raleigh Becket (et incarné par Charlie Hunnam), plonge littéralement dans les souvenirs de Mako. Dans son traumatisme. Guillermo del Toro tisse alors un lien indéfectible, unissant métaphoriquement les deux cultures, au coeur d'une scène à la portée phénoménale. Au spectateur de comprendre que Raleigh, pourtant le personnage principal, n'est pas le héros de cette histoire.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitHPVDyEi9-R3Gcgk3rehyphenhyphenweyHlLIVgMUBr2gfXgbP-EV_O1lVMso21N0fgBi83urwhWkVJtSnzx5hGKijUBjeZM_xGI4trWZYvOCxngOgWrZXudwCwadLRcFXFp6gTwzYX8LZC9XZO1I/s1600/04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitHPVDyEi9-R3Gcgk3rehyphenhyphenweyHlLIVgMUBr2gfXgbP-EV_O1lVMso21N0fgBi83urwhWkVJtSnzx5hGKijUBjeZM_xGI4trWZYvOCxngOgWrZXudwCwadLRcFXFp6gTwzYX8LZC9XZO1I/s640/04.jpg" width="640" /></a></div>
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L'attention portée à Mako et, dans une moindre mesure, à Raleigh, ont néanmoins une contrepartie, en l'occurence: les personnages secondaires. Tous ces protagonistes ont un rôle bien précis. Pentecost joue le rôle d'un père de substitution condamné, la perte de la figure paternelle, du mentor, poussant les personnages centraux à se révéler. Les pilotes étrangers prouvent l'union du monde, de l'humanité. Les scientifiques apportent la touche d'humour nécessaire au métrage, ainsi que deux approches de la science (à savoir la théorie et la pratique). Ou encore le trafiquant d'organes, qui dévoile comment l'économie s'organise depuis l'apparition des kaijus, et permet de s'approcher un peu plus du peuple qui vit en dehors du Shatter Dome. Malheureusement, tous ces personnages ne resteront que des clichés, certes réussis, mais qui jamais ne dépasseront leurs rôles. D'un autre côté, la dernière partie du film occulte ces entités secondaires, afin de proposer un climax parmi les épiques jamais vus sur un écran de cinéma.</div>
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La direction artistique qui accompagne le final débridé du film permet de différencier largement Pacific Rim des autres blockbusters. Les combats se passent de nuit sous un éclairage artificiel, qu'il s'agisse des projecteurs des hélicoptères qui bourdonnent autour des Jaegers, ou bien des néons fluorescents de la ville. Les couleurs contrastent avec la gravité de la situation, mais correspondent à la générosité du réalisateur et donc au plaisir qui ressort de la vision de telles scènes. Si les décors s'inspirent de véritables lieux, comme l'avenue centrale qui accueille un long duel, les infographistes ont triché pour doubler voire tripler numériquement la taille des lieux et permettre aux colosses de se mouvoir. Car c'est bien de colosses dont il s'agit, le film puisant d'ailleurs certaines de ses inspirations dans la peinture, telle la toile "<i>Le Colosse</i>" de Goya. Les chorégraphies sont alors adaptées aux terrains de jeux, et dévoilent des mouvements incroyables agrémentés de surprises euphorisantes. Découvrir les armes dissimulées dans les Jaegers (le sabre !) ou bien les pouvoirs des ennemis (le déploiement des ailes, qui mène à un combat dans l'espace !), autant de surprises qui entretiennent un intérêt majeur de la part du spectateur. La cerise sur le gâteau étant le final qui suit le combat sous-marin, dans lequel nous plongeons dans un monde parallèle !<br />
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Certains critiques ont qualifié Pacific Rim de creux. Une attaque injustifiée si l'on se met à regarder le film au-delà du spectacle. Comme nous l'avons vu, le film tisse un lien entre les cultures orientales et occidentales, mais il fourmille de détails évocateurs, pour peu que l'on prenne la peine de s'y attarder. Avant toute chose, le Pacific Rim est d'une cohérence visuelle étourdissante. Revenons sur le personnage de Mako, clairement le coeur du film. Lors de la scène flashback, Mako enfant est vêtue d'un manteau bleu, qui se repère facilement au milieu des teintes grises composant le décor en ruines autour du personnage. Lorsque nous retrouvons Mako Mori adulte, des années plus tard, celle-ci a teint quelques mèches de cheveux en bleu. Une manière de ne pas oublier. Et c'est un élément rouge, la couleur opposée du bleu, qui symbolisera sa volonté de combattre, comme nous le verrons un peu plus bas. Des exemples comme ça, qui ne sont jamais clairement mis en avant, le film e Guillermo del Toro en regorge. Citons par exemple le personnage russe de Sasha Kaidanovsky, joué par Heather Doerksen, qui adopte des gestes très protecteurs envers son mari, souvent en arrière plan de l'image, ce qui en quelques mouvements étalés sur une poignée de secondes permet de cerner immédiatement le caractère du personnage. De la même manières, jamais le film ne dévoilera un baiser entre Raleigh et Mako. Ce n'est pas leur amour qui prime, mais leur lien, leur union. Enfin, la scène durant laquelle la petite japonaise rencontre Pentecost, après que celui-ci ait tué Onibaba, est très iconique: elle présente le personnage masculin en contre-plongée (ce qui le place en hauteur), sous un halo de lumière. C'est une scène dont le traitement visuel, montrant le personnage comme un sauveur tombé du ciel, qui influencera la volonté de Mako de devenir pilote, un trait de caractère qui aura une utilité scénaristique. Un film creux ? Mais bien sûr...</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7WCIjBt9EUiwL6v01Nhq6I5rzq4Hl8ECv6Dt1F-k_9WmfUtPg41E6lLYSk9kk8Xp-F356Xa0FOu9FpGpN7mUEl8wuk2gUBbdhGqiLgL3GyCwuHL8hAEFSS7pSRQmQGZ2gejWriuTK5yI/s1600/05.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="486" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7WCIjBt9EUiwL6v01Nhq6I5rzq4Hl8ECv6Dt1F-k_9WmfUtPg41E6lLYSk9kk8Xp-F356Xa0FOu9FpGpN7mUEl8wuk2gUBbdhGqiLgL3GyCwuHL8hAEFSS7pSRQmQGZ2gejWriuTK5yI/s640/05.jpg" width="640" /></a></div>
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Pour confier une identité musicale à <b>Pacific Rim</b>, Guillermo del Toro a fait appel aux talents de Ramin Djawadi, particulièrement connu pour être le compositeur attitré de la série <b>Game of Thrones</b>. Le compositeur signe ici une composition pêchue et nerveuse, agrémentée d'élans guerriers puissants. Disciple d'Hans Zimmer, Djawadi est ici accompagné de Tom Morello, guitariste du groupe <b>Rage Against the Machine</b>, qui apporte sa participation sur quelques thèmes, dont le principal. Ce dernier démarre fort dans l'aspect guerrier, avec des riffs de guitare efficaces, bientôt rejoints par des ajouts électroniques et orchestraux. Un très bon thème qui confère une identité forte au film. C'est d'ailleurs le seul morceau qui marque durablement les esprits, la plupart des autres compositions dévoilant des boucles atmosphériques utilisées pour dépeindre les ambiances, tandis que les scènes les plus équipes sont accompagnées par une réutilisation des notes du thème principal. L'accompagnement sonore reste très efficace pendant la vision du film, mais reste plus anecdotique lorsqu'il est écouté sans les images.</div>
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Lorsque le film plonge dans la passé de Mako, il y a un élément qui lie Mako Mori à Stacker Pentecost, un élément qui dénote clairement dans le cadre visuel du moment : une chaussure rouge. Cette chaussure symbolise la détermination de Mako, le fait d'avancer. L'essence même de <b>Pacific Rim</b> repose dans la représentation de cette petite chaussure rouge. Le film est le premier pas vers l'union de deux cultures qui peuvent se nourrir l'une de l'autre, dès le moment où elles parviennent à se comprendre. En plus d'être d'un ludisme stupéfiant, <b>Pacific Rim</b> incarne la réunion de deux mondes que tout oppose, à travers un message d'une pudeur et d'une honnêteté bouleversantes.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq93R6Eglana-L0f4YPqpqWKBg5jnxSWRL833NnSsxEMpvfHo6ahFdA-Qpp1eo0rLYJz-817mlbFQD5AZhCp2RITxz24CDuvf1dnLn3hyphenhyphen7CSsUJHYoRfuVN2B9FRZL2D2kpxzAK5OsuaSY/s1600/01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiq93R6Eglana-L0f4YPqpqWKBg5jnxSWRL833NnSsxEMpvfHo6ahFdA-Qpp1eo0rLYJz-817mlbFQD5AZhCp2RITxz24CDuvf1dnLn3hyphenhyphen7CSsUJHYoRfuVN2B9FRZL2D2kpxzAK5OsuaSY/s1600/01.jpg" width="214" /></a></div>
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<i>Scénarisé par Jonathan Hickman</i></div>
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Cet article contient des <b><span style="color: red;">spoilers</span></b>.</div>
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<i style="background-color: white; color: #565656; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.4799995422363px;">Note: un "run" désigne, dans le monde des comics, tout le travail continu d'un scénariste sur une série régulière. Quand on parle du run de Jonathan Hickman sur Avengers, on fait référence aux numéros qu'il écrit depuis la reprise de la série. Jonathan Hickman réalise aussi un run sur New Avengers, à ne confondre avec celui qui est traité dans ces lignes.</i></div>
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Les éditions <i>Marvel </i>ont clairement fait du scénariste Jonathan Hickman leur chef d'orchestre. C'est à lui que sont confiés les événements majeurs récents de la firme, d'<b>Infinity</b> à <b>Secret Wars</b>. L'auteur a un plan sur le long terme, et pour le mener à bien, le voilà projeté à la tête des deux plus grandes séries du moment: <b>Avengers</b> d'un côté, et <b>New Avengers</b> de l'autre. Lorsqu'il a pris les rênes du Marvel-verse, Hickman a clairement annoncé savoir vers quoi il se dirigeait, un projet qu'il se voyait mener à bien à travers une soixantaine de numéros ! <i>Panini Comics</i> édite donc en France les épisodes initiaux d'<b>Avengers</b>, à travers ce premier tome renfermant les six premiers numéros, portés par Hickman bien sûr, mais aussi deux fabuleux dessinateurs. Jerome Opeña s'occupe des épisodes un à trois, accompagné du coloriste Dean White qui réalise ici un travail extraordinaire. C'est ensuite Adam Kubert qui donne vie aux épisodes quatre à six, accouchant de planches satisfaisantes, bien qu'assez éloignées de la magnificence des épisodes précédents. Mais tous participent à un début de saga qui se veut aussi épique que possible, une introduction orchestrée par Tony Stark (alias Iron Man) et Steve Rogers (Captain America).</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNzzXKhAQzvcPU0msJwS7W55k9IhpO5OVfofCgSF725xCQP4meEmeTvVGhyPvOSKuN3Q6Q8HSTkEqh-rDSoZXjm0Cl4q7cm4Vmr3x1RtZxMEV6NLsNIoS4XZ-qYK2-BedI75kwrUHv-QBr/s1600/06.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNzzXKhAQzvcPU0msJwS7W55k9IhpO5OVfofCgSF725xCQP4meEmeTvVGhyPvOSKuN3Q6Q8HSTkEqh-rDSoZXjm0Cl4q7cm4Vmr3x1RtZxMEV6NLsNIoS4XZ-qYK2-BedI75kwrUHv-QBr/s640/06.jpg" width="610" /></a></div>
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Les deux hommes ont un objectif simple: l'expansion. Suite à la prolifération de menaces en tous genres, Stark pense qu'il faut voir plus grand. Les Avengers, le plus grand groupe de super-héros du monde, doit pouvoir affronter tous les dangers possibles et imaginables, qu'ils viennent de la Terre, de l'espace ou bien d'autres univers. Steve Rogers valide cette idée, il est peut-être temps d'agrandir le groupe au A majuscule. Les premières planches adoptent un ton solennel (les détracteurs du scénariste diront "pompeux"), renforcé par de grandes phrases sentencieuses et des illustrations descriptives très réussies. Hickman n'épargne pas le lecteur et décoche ses flèches à une vitesse ravageuse, noyant son hôte sous une cascade d'informations. En seulement une planche sont évoqués des personnages comme Hyperion, Smasher ou encore un nouvel ennemi du nom d'Ex Nihilo. Cette narration surchargée révèle l'ampleur démesurée de l'univers que va arpenter le lecteur. Mais avant d'en arriver là, il convient de détailler les bases de cette nouvelle saga. Tout commence alors que trois êtres mystérieux arrivent sur Mars: le fameux Ex Nihilo, un monolithe doré qui n'aspire qu'à créer la vie, Abyss, sa sœur ténébreuse et Aleph, un robot destructeur plutôt entêté. Ce trio atypique attaque la Terre à l'aide de projectiles d'un genre spécial, des bombes originelles qui s'écrasent aux quatre coins du globe, libérant d'étranges entités qui reprogramment le code génétique de leurs victimes. Les Avengers ne perdent pas l'once d'une minute et, sous la menace, prennent Mars d'assaut. Ce groupe initial rend hommage à l'adaptation cinématographique et se constitue de six membres, les six que l'on retrouve dans le film du même nom: il y a Captain America et Iron Man bien sûr, mais aussi Black Widow (la Veuve Noire en français), Hawkeye (Œil-de-Faucon), Bruce Banner (alias Hulk) et enfin Thor. Cette équipe connue des cinéphiles ne va pas tarder bien longtemps avant de s'étoffer de manière fulgurante.</div>
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Jonathan Hickman divise ce premier tome en deux parties bien distinctes. Les trois premiers numéros posent les bases de son run, tout en présentant la construction de l'équipe que le lecteur va être amené à suivre pendant toute la saga. Les trois numéros suivants, qui concluent ce volume, sont chacun consacrés individuellement à un personnage en particulier. Cette construction narrative permet au scénariste d'embarquer le lecteur à une vitesse prodigieuse. En effet, les trois premiers numéros dessinent un arc narratif dédié à Ex Nihilo et le danger qu'il représente. La menace est concrète, tout se joue dans l'urgence, le rythme est effréné. Les questions se bousculent dans l'esprit du lecteur, qui découvre à la fois de nouveaux personnages (ces ennemis), mais aussi plusieurs points scénaristiques qui ne seront développés que plus tard (certaines phrases mystérieuses et allusions qui viennent perturber le récit). Cependant, l'action prime dès le départ. Lors de la première joute entre le trio martien et les Avengers, qui intervient très tôt dans le récit, ces derniers subissent une défaite cuisante. Si une partie du groupe parvient à s'enfuir, l'autre reste prisonnière sur Mars, dont Hulk complètement subjugué par le pouvoir de la terrifiante Abyss. Hulk auquel le dessinateur Opeña confère d'ailleurs un design très simiesque, vibrant hommage au personnage inventé par Jack Kirby (le personnage ayant été très humanisé ces dernières années). Suite à cette première défaite, la narration éclatée dévoile que Tony Stark et Steve Rogers ont recruté une pléthore de possibles Avengers aux quatre coins du monde.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAlgkrwwfnd_lDV1F82vy1S68GJU_mwIii7PxgRcnUIStYWgTvjsdM3PcY_BZz8n_Z0NrOKlsOgwsLz-63Q0V0xTCqJvwdeTlVV8j7UPbTDSkq0UAkDWpbUV4XtDpR0RY-3m8XmGBhBvRy/s1600/05.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAlgkrwwfnd_lDV1F82vy1S68GJU_mwIii7PxgRcnUIStYWgTvjsdM3PcY_BZz8n_Z0NrOKlsOgwsLz-63Q0V0xTCqJvwdeTlVV8j7UPbTDSkq0UAkDWpbUV4XtDpR0RY-3m8XmGBhBvRy/s640/05.jpg" width="640" /></a></div>
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Il est alors temps pour l'auteur de dévoiler le casting de son grand-œuvre, à travers une phase de recrutement habilement construite autour d'ellipses bien intégrées au récit. Cette séquence joue sur l'humour, tout en présentant de manière concise le caractère des différentes recrues. La narration peut alors sembler froide, distante et uniquement descriptive. Les plans et scènes isolées s'enchaînent, le nombre de protagonistes présents frôle l'overdose, mais tout ceci retranscrit de manière admirable l'ampleur et l'ambition du projet de Jonathan Hickman. De manière moins explicite, ce recrutement souligne la motivation de Stark et Rogers, qui utilisent de féroces arguments pour convaincre leurs potentiels alliés. Le scénariste se paie le luxe de piocher dans l'abyssal catalogue de personnages Marvel pour constituer une équipe atypique et hétéroclite. Cerise sur le gâteau, Hickman convie l'une de ses créations, Manifold, apparu dans sa série précédente <b>Secret Warriors</b>. Se joignent à la fête des personnalités aussi diverses que Spider-Man ou Spider-Woman, le Faucon, Wolverine (recruté à coups de bières), Shang-Chi ou Captain Marvel. Malin, Hickman ne mettra jamais en avant les personnages stars de <i>Marvel</i>, comme Wolverine ou Spider-Man, ceux-ci possédant déjà plusieurs séries dédiées, et mettra en avant les rôles secondaires.</div>
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Ces personnages seront développés au cours des trois derniers chapitres du tome. Une fois que les enjeux ont été posés de manière fluide et rapide, l'auteur prend en effet le temps de consacrer des chapitres entiers à trois nouvelles recrues; Hyperion, Smasher et Captain Universe. De plus, même si ces numéros s'articulent clairement autour de ce trio de protagonistes, l'histoire globale évolue par à coups tandis que le lecteur en découvre davantage sur ces nouvelles têtes. Mais surtout, les coups de projecteurs posés sur ce trio ont une utilité scénaristique évidente: élargir davantage encore les limites de cette saga. Smasher permet d'amener le récit vers des élans cosmiques, tandis que la présence de Captain Universe accorde au titre une ampleur inconcevable, en faisant intervenir rien de moins que la Mère de l'univers. Enfin, l'aspect divin de l'univers <i>Marvel</i> est évoqué à travers Thor et sa confrontation avec Abyss. Il est clair que l'objectif premier de Jonathan Hickman, à travers ces premiers numéros, est de conférer à son nouveau jouet une amplitude encore jamais vue dans les sagas <i>Marvel</i>. L'auteur ne semble s'imposer aucune limite, que ce soit spatiale ou temporelle. En effet, Ex Nihilo et ses comparses iront jusqu'à évoquer les origines mêmes de l'univers. Enfin, l'auteur va articuler son récit autour de deux notions : la vie et la mort.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh91qyMjfUuvdg5HryjExAK6OBgGVzAnUwuoP3WOB5mwa6XGgVI_7P2lBhxgU3-EYnE_FCMtiCu6NaYlQsXHTX2argryDK06nDLRlpmf64cIEGrAkkRk6bf-cRBHK0GSD5VDIGKOfomxb8z/s1600/04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh91qyMjfUuvdg5HryjExAK6OBgGVzAnUwuoP3WOB5mwa6XGgVI_7P2lBhxgU3-EYnE_FCMtiCu6NaYlQsXHTX2argryDK06nDLRlpmf64cIEGrAkkRk6bf-cRBHK0GSD5VDIGKOfomxb8z/s640/04.jpg" width="482" /></a></div>
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Ex Nihilo n'est en effet aucunement une menace comme les autres. Son but est de servir la vie. Il peut faire évoluer l'ADN déjà existant, mais aussi donner naissance, comme il le fera avec le personnage d'Adam. S'il représente la vie, son comparse Aleph n'existe que pour détruire. Cependant, la vie et la mort s'agitent aussi dans ce personnage, étant donné que c'est lui qui a justement donné naissance à Ex Nihilo et sa sœur Abyss. Le scénariste, à travers tous ces petits détails, n'oublie jamais que la vie et la mort sont les deux concepts qui régissent l'univers, et que tous deux se mêlent et s'entremêlent. Du côté des Avengers, Captain America représente clairement la vie (Hickman nous rappelle d'ailleurs ses origines, retrouvé dans un bloc de glace et ramené à la vie), tandis qu'Iron Man symbolise la mort (Tony Stark est un inventeur capable de créer les armes les plus impressionnantes, la première d'entre elles étant son armure). A noter que le colossal Ex Nihilo envoie des graines (source de vie) pour "améliorer" les humains, tandis qu'Aleph dispose du Jardin, capable de transformer un monde. Le Jardin évoque bien entendu le Jardin d'Éden, havre de paix et symbole de vie, tandis que le trio se trouve sur Mars, planète aride et dévastée, symbole de mort. Jonathan Hickman a pensé à tous les détails pour faire en sorte que vie et mort s'oppose perpétuellement.</div>
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Pour en revenir aux personnages secondaires que le scénariste va prendre le temps de présenter, il faut se concentrer tout d'abord sur Hyperion. Ce personnage a été inventé à l'époque comme une réponse au Superman de <i>DC Comics</i>, le concurrent direct de <i>Marvel</i>, bien que jamais il n'arriva à atteindre le quart de la célébrité de l'Homme D'acier. Un postulat clairement assumé par Hickman, qui dépeint une origine semblable à son personnage, rescapé d'une planète anéantie. La mise en page adopte beaucoup de panneaux verticaux, comme pour souligner un aspect "céleste" ou "divin" (Hyperion est d'ailleurs, dans ce chapitre, accompagné de Thor), voire la magnificence du personnage. A l'opposé, certaines scènes illustrant le passé du personnage sont toutes dessinées à l'horizontale, elles tassent alors l'action, l'écrasent. C'est très bien pensé, en plus de ne pas être immédiatement identifiable par le lecteur. Ce chapitre s'achève sur un Hyperion en proie au doute avec lui-même, alors qu'il découvre une nouvelle race d'être vivants. Il se retrouve confronté à la vie.</div>
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Le numéro suivant est dédié à Isabel Dare, alias Smasher, et s'ouvre sur un flashback. Celui-ci prend ses origines dans la saga des <b>New X-Men</b> écrite par Grant Morrison. Smasher va être la toute première humaine à rejoindre la Garde Impériale de l'Empire Shi'ar (l'un des trois plus grands empires galactiques de l'univers <i>Marvel</i>). Comme évoqué précédemment, la présence de ce personnage permet au scénariste d'amener sa saga vers des sommets cosmiques. Simple humaine fermière, perdue dans l'Iowa, Isabel se retrouve en quelques pages propulsée vers le monde de Chandilar. S'en suivront quelques scènes intimistes sur Terre, qui étofferont le personnage de Smasher, ainsi que des séquences cosmiques, saupoudrées d'action. D'ailleurs, lorsque Smasher cogne, elle cogne fort, ce qui se traduit par une onomatopée qui coule de source: un immense SMAAASH qui déchire la page. Le chapitre s'achève en divulguant de nouvelles informations au lecteur, à savoir la présence d'une menace intergalactique qui a poussé un peuple tout entier à fuir. A travers ce chapitre, Hickman rend hommage aux grandes sagas cosmiques de <i>Marvel</i>, comme <b>Annihilation</b> ou <b>Les Gardiens de la Galaxie</b>, tout en étendant de plus en plus sa propre épopée.</div>
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Le dernier chapitre de ce tome est dédié à Captain Universe. Ce personnage est l'incarnation de l'univers, qui s'approprie différents hôtes pour interagir avec le monde. En ce sens, ce personnage est sensé être froid et insaisissable, pourtant Hickman va tenter de le rendre sympathique, à travers son nouvel avatar, une jeune femme dénommée Tamara Devoux. C'est un personnage tout en contradiction, détenteur d'une puissance cosmique incommensurable, mais aussi aveuglé par son amour démesuré... des tartes. L'auteur dévoile peu à peu le passé du personnage humain qui accueille cette puissance, à travers des souvenirs qui se reconstruisent peu à peu. Se dessine alors un passé obscurci par la douleur et la mort. Tandis que l'univers est source de vie. La cohérence des thématiques abordées par Hickman se retrouve à nouveau à travers ce personnage. Il n'oublie pas non plus d'ancrer son récit dans l'univers <i>Marvel</i> actuel, en faisant intervenir le Spider-Man supérieur (pour plus d'informations, n'hésitez pas à consulter l'article dédié en ces pages, mais gare aux révélations). Ce tome se conclue sur l'apparition de Nightmask, un personnage lié au New Universe (un univers parallèle à celui qui accueille les aventures des Avengers). Cette révélation s'imbrique parfaitement dans le plan que met en place Jonathan Hickman depuis le début de son run.</div>
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Enfin, le récit est ponctué par certains dialogues retranscrits dans un alphabet extra-terrestre, le code des bâtisseurs. Une concordance entre notre alphabet et celui-ci est disponible en fin d'ouvrage, afin de pouvoir comprendre ce qu'énoncent les différentes créatures tout au long du récit. Il est intéressant de noter que cet alphabet est composé de symboles eux-mêmes constitués de cercles et de traits, une imagerie qui correspond aux symboles dont est parcouru le "costume" de Captain Universe. C'est plutôt bien pensé encore une fois.</div>
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Ce premier tome des <b>Avengers</b> à la sauce Hickman est clairement une introduction. Les pions se mettent en place, tandis que le scénariste élargit peu à peu son terrain de jeu, ainsi que ses ambitions. Les premières pages sont claires, les Avengers doivent embrasser l'expansion, s'étendre jusqu'aux confins de l'univers. Un univers qui s'incarne lui-même dans cette équipe, à travers un personnage paradoxal mais terriblement attachant. Ensuite, le scénariste offre une portée phénoménale à son intrigue, en incluant un aspect cosmique grandiloquent (il étend les limites spatiales de sa saga), et en évoquant l'aube des temps (il repousse les limites temporelles). Enfin, il assène un dernier coup en faisant allusion au multivers et ses mondes parallèles, révélant par là-même son ambition de tisser une fresque aux frontières infinies. Grandiloquente, c'est le terme qui convient peut-être le mieux à cette entrée en matière, tant les enjeux (qui ne sont pas encore complètement définis) sont encore hors de portée de la compréhension du lecteur. Mais ces enjeux ne seraient rien sans des personnages réussis, personnages que le scénariste prend le temps de décrire à travers trois chapitres qui retracent les origines des plus puissants d'entre eux. </div>
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<b><span style="color: #cc0000;"><a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a></span></b></div>
Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-46937103493201644482014-05-22T15:05:00.000-07:002016-06-12T05:23:30.209-07:00The Binding of Isaac<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCC6UV39XnwtwcJ0-wT6vsXyStoV1dhAuvlSRZb1DdsyYfH_Gn3NcO8x08t2kF0EE9O5szbSIFscDarABnSvMfgCNzqN1s0jusEIwVbt4EMGQll01dsdqqkr_qAcCe4oFgn2VU1stj004/s1600/0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><br /><img border="0" height="248" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCC6UV39XnwtwcJ0-wT6vsXyStoV1dhAuvlSRZb1DdsyYfH_Gn3NcO8x08t2kF0EE9O5szbSIFscDarABnSvMfgCNzqN1s0jusEIwVbt4EMGQll01dsdqqkr_qAcCe4oFgn2VU1stj004/s640/0.jpg" width="640" /></a></div>
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<i>Développé par Edmund McMillen</i></div>
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<b><span style="color: red;">Cet article contient des spoilers.</span></b><br />
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En un jeu seulement, à savoir le démoniaque <b>Super Meat Boy</b>, la <i>Team Meat</i> s'est rapidement imposée comme une équipe à surveiller de près. Le deuxième jeu d'un studio constitue toujours une étape charnière, à même de confirmer, ou d'infirmer, le talent des développeurs. En publiant <b>The Binding of Isaac</b>, non seulement la <i>Team Meat</i> ne déçoit pas, mais en plus elle renouvelle l'exploit de créer un jeu exigeant, long et possédant un gameplay calibré à la perfection. Sorti fin 2011, le jeu a eu droit à une extension, baptisée <b>Wrath of the Lamb</b>, qui vient rallonger une déjà considérable durée de vie. <b>The Binding of Isaac</b> est un jeu aux mécanismes simples, qui n'hésite pas à ajouter une profondeur bienvenue dans son propos, ainsi que des références intarissables, jusque dans son titre, en français "Le Sacrifice D'Isaac".</div>
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Un titre qui renvoie bien entendu à un célèbre passage biblique, au cours duquel Dieu demande à Abraham de lui sacrifier son fils Isaac. Abraham se rend dans le pays de Moriah, accompagné de deux serviteurs, son âne et, bien sûr, son fils. Une fois arrivé à l'endroit indiqué par Dieu, Abraham construit un autel, avant d'y installer Isaac. Tandis que son bras menaçant se lève, couteau en main, un Ange de Dieu apparaît et l'arrête. Abraham n'a nul besoin de continuer son acte, il vient de prouver sa foi infaillible envers le Seigneur. A la place, un bélier est sacrifié, puis tout le groupe retourne là d'où il venait. Cet épisode biblique met en avant deux points qui seront intéressants, à mettre en parallèle avec le jeu vidéo <b>The Binding of Isaac</b>. Premièrement, jamais Abraham ne conteste l'ordre divin qu'il reçoit. Deuxièmement, Isaac est décrit comme un jeune homme relativement costaud, apte à lutter contre son père, mais il ne le fait pas.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-BoKcdD7DULlTJZP283hdBERxF4xkx9mBSrvChAM-SCtr69J0VemtLJwfNUGxEzxJOQMGp2tAENx04pNRnEszVf_7Xi_4chfJaLuQoyeh4u_EgF-M5Qelxr8Jj61Ju1n7O98Et60oK8M/s1600/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" height="356" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-BoKcdD7DULlTJZP283hdBERxF4xkx9mBSrvChAM-SCtr69J0VemtLJwfNUGxEzxJOQMGp2tAENx04pNRnEszVf_7Xi_4chfJaLuQoyeh4u_EgF-M5Qelxr8Jj61Ju1n7O98Et60oK8M/s640/2.jpg" width="640" /></a></div>
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Maintenant, place à l'histoire du jeu. L'aventure commence tandis qu'Isaac joue dans le salon, à côté de sa mère, affalée dans son fauteuil et totalement lobotomisée par la télévision. Soudain, tout comme Abraham, la mère d'Isaac entend Dieu lui parler, celui-ci lui demande de protéger Isaac de tout ce que ce monde a d'impur. Progressivement, et suivant les directives du Seigneur à la lettre, la mère d'Isaac lui retire toute possession matérielle et l'enferme, totalement nu, dans sa chambre. Mais Dieu se manifeste à nouveau et demande cette fois à ce que le petit Isaac lui soit sacrifié. Sans rechigner, la mère d'Isaac s'empare d'une lame affûtée et pénètre dans la chambre de son fils. In extremis, ce dernier découvre dans le sol une drôle de trappe, qui lui permet de s'enfuir et de s'enfoncer profondément sous terre. En mettant en parallèle ces deux contextes, il est pertinent de noter que dans le jeu ce n'est pas le père qui doit exécuter son fils, mais sa mère. Une mère qui, d'ailleurs, ne porte pas de nom, et qui est désignée dans tout le jeu en tant que "Maman". Ensuite, et contrairement à l'épisode biblique, dans le jeu vidéo Isaac est un très jeune enfant, persécuté par ses "camarades". En ce sens, il dégage une certaine notion de pureté, d'innocence voire de martyr.</div>
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Le jeu en lui-même s'apparente à un jeu d'action-aventure, de dungeon-RPG, voire de shoot. La progression se fait par niveaux, composés de salles représentées par une vue de dessus. La conception graphique se base sur celle du tout premier épisode de la saga <b>The Legend of Zelda</b>, sorti sur NES (tout comme <b>Super Meat Boy</b> s'inspire de <b>Super Mario Bros.</b>). L'aspect dungeon-RPG provient du fait que <b>The Binding of Isaac</b> ne propose QUE des donjons à explorer. Jamais de zone de repos, jamais de village, rien. Cependant, il existe une grande variété d'objets disponibles, conférant à Isaac toutes sortes de pouvoirs. Le garçon est alors capable d'améliorer ses capacités et statistiques, d'où la composante RPG. Enfin, l'aspect shoot se retrouve dans le moyen de défense d'Isaac, ses larmes. Celles-ci peuvent être "tirées" sur ses ennemis, dans quatre directions différentes (haut, bas, gauche, droite). Les salles que traverse Isaac sont remplies d'objets mais aussi d'ennemis, tandis que chaque palier s'achève par un duel contre un boss. Un gameplay classique donc, mais qui brille par le vaste choix d'objets et d'ennemis présents dans les niveaux. Chaque niveau est construit de manière aléatoire: formes et agencement des salles, ennemis et objets, tout ceci varie d'une partie à l'autre. Achever tous les niveaux du jeu ne signifie pas que le jeu est fini, de nouveaux éléments se débloquant à chaque aventure complétée.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwngz_CRyob9WQljFpkx8fO3gkXFfMXH7ea9HdeRYixCiIrwTxAO_NSAbgKMBLrcGvvabuU30hi-QWTbf9rIAHefSZk6rqItEqm31MTOIp3rr1s5eH52FxvobievpAmmTALKAc3KCDcdk/s1600/3.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" height="486" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwngz_CRyob9WQljFpkx8fO3gkXFfMXH7ea9HdeRYixCiIrwTxAO_NSAbgKMBLrcGvvabuU30hi-QWTbf9rIAHefSZk6rqItEqm31MTOIp3rr1s5eH52FxvobievpAmmTALKAc3KCDcdk/s640/3.png" width="640" /></a></div>
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Le monde d'Isaac est un monde noir, glauque et dépressif. Pas seulement dans les profondeurs des abysses que va explorer Isaac, mais aussi dans le monde "réel". Premièrement, on constate qu'Isaac vit dans une famille monoparentale, au moment où se déroule le jeu, il n'a pas de père (alors que la figure du Père est justement prédominante dans la Bible). Sa mère est, soyons clairs, un légume. Quotidiennement affalée dans son fauteuil, inactive, grasse, dédiant sa vie à son Seigneur Télévisuel, on peut se douter qu'elle n'a pas grand chose à faire de son fils. L'attitude de cette mère renfermée sur elle-même rappelle un peu le personnage de Sara Goldfarb dans le dépressif <b>Requiem for a Dream</b>. L'exploration du jeu donne d'ailleurs quelques clés pour comprendre le personnage de la mère. Au cours de sa fuite, Isaac pourra trouver de drôles d'objets: Brother Bobby et Sister Maggy, soit Frère Bobby et Soeur Maggy. Ces objets sont en fait des familiers, qui suivent Isaac et l'aident à échapper à toute la horde de monstres qui hantent ces caves. Bobby et Maggy sont, tous les deux, des fantômes, les âmes d'enfants décédés avant Isaac. Les appellations "Brother" et "Sister", de l'aveu même des créateurs du jeu, n'ont pas été choisis au hasard. Serait-il possible qu'il s'agisse en fait des précédents frère et soeur d'Isaac ? D'autres fantômes peuvent venir en aide à Isaac, comme Abel ou les Babys, mais ceux-ci ne sont jamais mentionnés en tant que frère ou soeur. Ainsi, la mère d'Isaac a déjà affronté la mort d'un enfant, avant ce qu'elle tente de faire subir à Isaac.</div>
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Des explications concernant le scénario sont partiellement distillées tout au long de l'aventure, notamment lors des différentes fins. Ainsi, il est suggéré qu'à la base Isaac était un garçon très jaloux de sa soeur, tellement jaloux qu'il lui est arrivé de souhaiter sa mort. Malheureusement, un jour, la soeur d'Isaac trépasse. Brisé par cet évènement, le père d'Isaac quitte sa famille. De la même manière, la mère d'Isaac ne s'en remet pas, il lui arrive même d'habiller son fils en fille, à cause du traumatisme. Plongeant chaque jour un peu plus dans la folie, il lui arrive de frapper Isaac lorsque celui-ci tente de se rebeller. Elle a même essayé de le tuer. Le jeu présente plusieurs séquences très courtes mettant en scène Isaac, dans une position de soumission. Si Isaac se laisse toujours faire, s'il est aussi malheureux, c'est parce qu'il culpabilise pour la mort de la petite Maggy. Il a souhaité sa mort, il pense donc que sa soeur est partie par sa faute. Lors de plusieurs séquences venant conclure l'aventure, Isaac se retrouve face à un coffre dans lequel le joueur trouve d'ailleurs le personnage "???", un fantôme bleu. Il est aisé de comprendre que cet enfant est en fait Isaac lui-même, cet enfant rongé par la peur, les regrets, un enfant mort à l'intérieur. Ce n'est pas pour rien qu'Isaac, au cours de sa traversée, va devoir affronter les représentations de tout ce que le monde a de négatif, comme les incarnations des sept pêchers capitaux, les Cavaliers de L'Apocalypse, etc... Isaac combat en fait les démons qui se cachent dans son âme.</div>
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L'aspect religieux est très présent dans le jeu, par son titre bien sûr, son scénario, ses personnages jouables (Isaac, Magdalena, etc...) mais aussi grâce à une multitude d'objets en rapport avec la religion, comme la Bible. Pourtant, les créateurs du jeu ont vite démenti le fait qu'on leur reprochait d'attaquer le christianisme. Voici la traduction d'une déclaration d'Edmund McMillen, parue en janvier 2012:</div>
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<i>Il n'y a pas, dans le jeu, d'éléments réellement contre le christianisme. On peut voir les choses de cette façon, c'est sûr, mais le jeu n'a pas été réalisé dans cette optique, une grande partie des éléments du jeu provient directement de la Bible, sans détournement ou critique. C'est davantage un jeu dont le propos révèle de la religion en général, plutôt qu'une dénonciation du christianisme. C'est plus comme "Hé, parlons un peu de la religion, réfléchissons. Je vais y jeter quelques trucs, définir un contexte et vous laisser voir comment vous vous sentez, ce que vous y voyez ou pas". Ce n'est vraiment pas un coup de poing asséné envers cette religion en particulier.</i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsXwfIGF5K_UjLbKlEgTfmHggoyJ-sWBokj6o2GssoDAhq8HHnpLqPW3BVA4Xz0LqMCWau-t4FptpcwqExiY6c4nxofwyJge6BT2puTO2IoeKXHy4LuTcH_xMePX-A5iwx5oVB_vijQUo/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" height="374" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsXwfIGF5K_UjLbKlEgTfmHggoyJ-sWBokj6o2GssoDAhq8HHnpLqPW3BVA4Xz0LqMCWau-t4FptpcwqExiY6c4nxofwyJge6BT2puTO2IoeKXHy4LuTcH_xMePX-A5iwx5oVB_vijQUo/s640/1.jpg" width="640" /></a></div>
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Ainsi, le christianisme, dans <b>The Binding of Isaac</b>, n'est qu'une toile de fond, tissée pour aborder un propos différent. Outre le désespoir de cet enfant et son combat contre tout ce qu'il y a de néfaste en lui (et dans le coeur des hommes en général), <b>The Binding of Isaac</b> aborde un thème plus original, et très présent tout au long de l'aventure, bien que beaucoup ne l'aient pas remarqué: le corps. Le jeu raconte bien sûr une histoire, dont il faut remettre les pièces dans l'ordre, dont chaque indice n'est dévoilé que petit à petit, mais il est aussi supporté par cette thématique pertinente du rapport que l'Homme entretient avec son corps. Beaucoup d'éléments ramènent à cette thématique. Déjà, il convient de mettre en avant que dès l'introduction du jeu, le corps est mis en avant car Isaac se retrouve entièrement nu. Comme nous l'avons déjà vu, ceci pourrait évoquer l'innocence, voire la pureté du personnage, cependant, le détail du scénario nous apprend qu'Isaac est rongé par la culpabilité, parce qu'il avait des pensées néfastes envers sa soeur. Ainsi, Isaac doit se mettre à nu, physiquement et métaphoriquement, pour justement regagner cette innocence, en abattant ses démons intérieurs. L'autre point important concernant le rapport au corps est bien entendu la présence étouffante de TOUTES les sécrétions du corps humain tout au long du jeu. Sans aller chercher bien loin, l'arme de base d'Isaac n'est rien d'autre que ses larmes. De la même manière, la quasi-totalité des ennemis possède une apparence organique repoussante. Il n'est pas rare pour le joueur de croiser des tas de chair en mouvement, des ennemis qui laissent apparaître un bout de leur cervelle ou des monticules d'organes. Et tout ceci, sans compter les boss ou les attaques de tout ce petit monde, des attaques basées sur le vomi, l'urine ou carrément du sang menstruel. Ce n'est pas un hasard non plus si les différents niveaux contiennent parfois des excréments qu'il faut détruire. <b>The Binding of Isaac</b> propose ni plus ni moins de lutter contre tout ce qu'un corps physique a de "terrifiant". Le corps est aussi grandement mis en avant dans le gameplay même du jeu.</div>
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Evidemment, les allusions au corps ne s'arrêtent pas ici, étant donné que c'est le propos central du jeu (si l'on excepte l'histoire d'Isaac à reconstituer). Mais pour continuer d'en parler, il faut approfondir un peu le fonctionnement du jeu en lui même. A la base, une partie de <b>The Binding of Isaac</b> s'étale sur plusieurs niveaux, avant d'atteindre le boss final. Une fois le boss de fin terrassé, les parties suivantes proposeront de nouveaux niveaux à explorer, qui s'ajoutent à ceux qui existaient déjà. Plus le joueur complétera le jeu, plus de nouveaux paliers (comme Utero, un nom qui n'a pas besoin d'explications) viendront s'ajouter à l'aventure. Et de nouveaux boss de fin. Lors de la première partie, le boss de fin est, bien évidemment, la Mère. Celle-ci a d'ailleurs perdu son physique bedonnant comme celui qui la représentait lors de la séquence d'introduction du jeu. On ne voit de la mère d'Isaac qu'une jambe immonde, couverte de varices et de pustules poilues. La mère étant l'ennemi du jeu, son corps apparaît comme une chose repoussante et, littéralement, horrible. Seulement, le raisonnement ne s'arrête pas là, car lorsque la mère est détruite, les parties suivantes mèneront Isaac à un nouveau boss: le coeur de sa mère. Le coeur est bien sûr l'élément central nécessaire à la survie d'un corps. Enfin, un troisième boss fera ensuite son apparition, nommé "It Lives". Ce boss est une version améliorée du coeur de "Maman", qui est représenté par une sorte de bébé relié à des organes. Lors d'une interview, Edmund McMillen a confirmé que cet ennemi est en fait la représentation d'Isaac dans le ventre de sa mère. Ainsi, et en toute logique par rapport à la thématique du corps, Isaac lutte face à un autre aspect du corps: donner la vie. Nous avons vu précédemment que le jeu met en avant tout ce que le corps peut créer, qui est considéré comme maléfique dans le jeu. La naissance d'un autre corps est ainsi l'ennemi ultime lié à la thématique principale du jeu. Un corps qui crée un autre corps. C'est d'ailleurs en tuant ce boss une première fois que le joueur débloque le personnage de "???", à savoir Isaac mort. Comme si Isaac s'était lui-même tué dans le ventre de sa mère. Pourtant, vaincre tous les ennemis organiques de <b>The Binding of Isaac</b> n'est pas à prendre au sens premier, à savoir Isaac qui tue son adversaire. Ces combats représentent plutôt la volonté d'Isaac qui arrive à accepter ce corps qui l'effraie tant, ce corps qui le répugne. Et si ce corps fait tellement peur à Isaac, c'est parce qu'il est suggéré dans le jeu que cet enfant a subi plusieurs sévices corporels, de la part de sa mère. Ainsi, toute la thématique du corps qui hante l'intégralité des parties de l'aventure, provient de la lutte d'Isaac envers ce traumatisme qui le poursuit.</div>
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Cette acceptation de son propre corps est d'ailleurs elle aussi représentée intelligemment dans le jeu. En effet, lorsque le personnage principal utilise les différents objets qu'il trouve tout au long de son périple, ceci entraîne des modifications physiques directement visibles. Certaines sont agréables ou originales, tandis que d'autres sont clairement répugnantes. Ceci démontre bien l'acceptation d'Isaac en ce qui concerne son corps, et le fait que celui-ci peut-être beau et effrayant à la fois. <b>The Binding of Isaac</b> propose de jouer avec d'autres personnages, à débloquer suivant certaines conditions, comme Magdalene, Eve ou Cain. Cependant, il apparaît clairement que ces autres personnages sont bel et bien Isaac, déguisé. Ceci peut s'expliquer par la volonté de sa mère à l'habiller en fille dès le décès de sa soeur. Ainsi, Magdalene (ou Maggy), est en fait Isaac portant une perruque et maquillé, certainement forcé par sa mère à se vêtir de la sorte. Là aussi, on retrouve la notion de corps, Isaac travesti. En se déguisant en Cain, il fuit son propre corps, qui le dérange. Si certains doutent encore que tous ses personnages soient en fait Isaac, il convient de rappeler que, bien sûr, l'apparence physique de tous ces protagonistes est identique (si l'on enlève les accessoires), mais surtout qu'une fois arrivé au boss "Maman", celle-ci continue à appeler TOUS les personnages en hurlant: ISAAC. Enfin, dans toute cette thématique corporelle, certains ennemis et éléments ne trouvent pas leur place, comme les Cavaliers de L'Apocalypse, Satan ou les Pêchers Capitaux. Ces ennemis sont présents non pas pour rappeler le corps, mais plutôt pour représenter les pulsions et frayeurs intérieures d'Isaac (même si là aussi, Satan est représenté par une jambe disgracieuse, et donc enc ce sens Satan est la représentation ultime de tout ce que le corps a d'effrayant).</div>
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Durant les séquences qui introduisent les combats contre les boss, on peut voir Isaac (qu'il soit avec ou sans déguisement) recroquevillé en position foetale, tremblant, à terre devant le boss. Cette position est celle communément adoptée par le corps d'un individu lorsque celui-ci se développe dans l'utérus. En dehors de cette particularité pré-natale, la position foetale dans la vie quotidienne exprime différentes choses. Une étude réalisée par le Professeur Chris Idzikowski (directeur du "Sleep Assessment and Adivsory Service", un centre basé sur l'étude du sommeil) stipule que les personnes qui dorment en position foetale sont des personnes timides, réservées et à la sensibilité exacerbée. Plus largement, cette position peut être adoptée après un traumatisme. Enfin, cette position permet de se protéger, comme c'est le cas lors d'une attaque d'ours, où se mettre en position foetale fera abandonner le combat à l'animal. Isaac est traumatisé, il se recroqueville avant chaque boss comme pour fuir ce démon. La seule exception à cette scène dans le jeu, est "???" qui ne se recroqueville pas sur lui-même, mais qui gît sur le sol, sans bouger.</div>
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Isaac est un jeu grotesque, qui détourne le regard du joueur vers la religion pour dissimuler son vrai propos. Si critique de la religion il y a dans le jeu, ce n'est pas envers le christianisme, mais une attaque dirigée plutôt vers la foi aveugle des adeptes. Le réel propos est plus viscéral, universel. <b>The Binding of Isaac</b> parle d'une lutte contre soi, ses peurs. Ce n'est pas un hasard si l'un des boss du jeu est Isaac lui-même, représenté de manière angélique. Isaac doit détruire cette apparence innocente pour s'accepter. Pour accepter ses désirs morbides lorsqu'il souhaitait la mort de sa soeur. Pour accepter sa culpabilité et comprendre que souhaiter une chose, même horrible, arrive à tout le monde, tandis que passer à l'acte est une chose clairement différente. Enfin, Isaac doit détruire cette image angélique, si parfaite, pour accepter ce corps, avec toutes les imperfections que ceci implique. Profond, terriblement humain, <b>The Binding of Isaac</b> est un jeu rare, capable de mêler des mécaniques de jeu proches de la perfection à un discours qui relève de l'intime, le tout sublimé par une direction artistique qui ose et une bande-son délicieusement rétro.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQpnQ8acJniGMxA10IW9MLQH3rRr_cnFThyphenhyphenoqEoZ1w-ef2ObetIQ7l_hOm6rjmyiCwIqW2rds-ggqk2e30OUUxyliFjPgAsoIvpzzwJ-FBU1euzXCbzmhcHHp-zOBnSpOz6zeivTKVrHc/s1600/5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="462" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQpnQ8acJniGMxA10IW9MLQH3rRr_cnFThyphenhyphenoqEoZ1w-ef2ObetIQ7l_hOm6rjmyiCwIqW2rds-ggqk2e30OUUxyliFjPgAsoIvpzzwJ-FBU1euzXCbzmhcHHp-zOBnSpOz6zeivTKVrHc/s640/5.jpg" width="640" /></a></div>
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<span style="color: #cc0000; text-align: justify;"><a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html"><b>Cliquer ici pour revenir à l'index</b></a></span></div>
Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-75677526173606025792014-05-22T13:32:00.000-07:002016-06-12T05:26:02.729-07:00CE - Volume 1: L'Immortel qui rêve<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZiHu-8OhSStrfjdbDRlCr80aRknUFvovkwOyF61g32FRWn8PTyostbG0jWp1Sm0-7ifshPj9azS3TbZiuYCTBU1KOauY8gtyiqaLKMD3Qqb_djFdA4EfL1UR5NhXRncREcMp-gRUxD-zd/s1600/ce1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZiHu-8OhSStrfjdbDRlCr80aRknUFvovkwOyF61g32FRWn8PTyostbG0jWp1Sm0-7ifshPj9azS3TbZiuYCTBU1KOauY8gtyiqaLKMD3Qqb_djFdA4EfL1UR5NhXRncREcMp-gRUxD-zd/s1600/ce1.jpg" width="283" /></a></div>
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<i>Écrit et dessiné par José Roosevelt</i></div>
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<b><span style="color: red;">Cet article contient des <span style="color: red;">spoilers</span>.</span></b></div>
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Premier tome d'une saga qui en comportera treize, <b>L'Immortel qui rêve</b> s'érige comme la porte d'entrée menant vers le projet de toute une vie du talentueux José Roosevelt: <b>CE</b>. Fable fantastique transcendant les limites de la réalité, à travers la construction d'un monde aux règles insaisissables, ce livre pose les bases encore floues d'une trame nimbée de mystères. Le volume décrit le parcours d'un immortel de classe C, rapidement rebaptisé Ce, immortel qui possède une faculté absolument unique et impossible: rêver. Ce va alors s'extirper du carcan de sa vie monotone, régie par les chiffres, et plonger dans le terrier d'un monde souterrain caché, le Secteur Crécy. Là, les rencontres et les révélations vont tisser une histoire improbable, aux multiples ramifications.</div>
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Publié en 2007 et désormais disponible sous la forme d'une intégrale réunissant les trois premiers tomes de la série, <b>L'Immortel qui rêve</b> dépeint un monde surréaliste fait de noir et de blanc, peuplé de personnages tout sauf anodins. Le livre en lui-même dévoile un format particulier, plus grand qu'une bande-dessinée traditionnelle. En effet, las des contreparties exigées par les différents éditeurs, l'auteur José Roosevelt a fondé lui-même sa propre maison d'édition, baptisée <i>Les Éditions du Canard</i>. Ceci lui permet de diffuser <b>CE</b> sous un format qui lui convient, c'est-à-dire de 25 par 32 centimètres, tout en adoptant une couverture souple. La taille du livre permet d'apprécier pleinement le dessin soigné que l'artiste dévoile tout au long des planches qui habillent l'album. Ce qui n'est pas un luxe étant donné que Roosevelt exploite son talent à travers une mise en page recherchée et des illustrations en pleines pages gorgées de détails. L'illustrateur peintre maîtrise clairement son sujet, il s'amuse avec le vide, déconstruit et reconstruit sa narration avec une malice rare, s'amusant de la perception que peut avoir le lecteur par rapport à l'œuvre.</div>
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En effet, le lien entre la réalité et l'onirisme n'est déjà pas très clair tandis que les premières pages défilent. Pourtant, au fur et à mesure de la lecture, tout se complexifie. Faut-il seulement diviser l'univers de <b>CE</b> en deux couches, ou bien est-ce plus subtil que ça ? L'auteur joue sur les codes de la narration de manière à faire douter le lecteur. <b>L'Immortel qui rêve</b> s'ouvre sur une scène à la fois banale et énigmatique: une unique case, centrée, présente un homme de dos marchant à travers une plaine vers un but aussi lointain qu'évident, représenté par une immense bâtisse au loin. Cette simple image, qui ne pourrait être qu'une illustration, ouvre tout un champ de possibles, avant de devenir une histoire alors que lecteur tourne la première page et assassine le mystère de cette case. Un damier illustre ainsi la page suivante, tandis qu'une case située au sommet de la page donne un visage au personnage. L'aventure commence alors. Plus loin, après un dialogue succinct, le personnage chute et s'assomme. Page suivante. Notre héros se réveille dans ce qui semble être une chambre d'hôpital. Est-ce la suite des premières pages survolées ? Ou bien tout ceci n'était qu'un rêve ? L'auteur ne laisse pas le temps au lecteur de s'interroger, car le personnage sombre à nouveau dans l'inconscience, avant de se réveiller une nouvelle fois. Déjà, la réalité est chamboulée, le lecteur ne pouvant que se laisser transporter par le périple qui va suivre. Ainsi, le personnage principal, Ce, va découvrir les endroits cachés de la ville qu'il habite, et c'est au cours de son cheminement que le lecteur peut esquisser l'univers surréaliste dans lequel baigne le récit. Tout le tome n'est qu'une marche vers l'avant, tantôt silencieuse, parfois bavarde. José Roosevelt s'amuse à décrire ce monde non seulement par les dialogues, parfois hermétiques, mais aussi par les visuels, mélange saugrenu d'éléments issus de la science-fiction, de la fantasy ou de la mythologie.</div>
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L'œuvre emprunte clairement un style que l'artiste Mœbius a contribué à faire connaître, surtout dans la première moitié du récit consacrée à la découverte de la Ville. Cette phase, qui occupe plusieurs planches, suit Ce tandis qu'il sillonne la cité bureaucratique qui l'entoure. Les bâtiments ne sont pas sans rappeler ceux qui envahissent le monde de L'Incal (du susnommé Mœbius), érigés dans une sorte de désordre cohérent et parcourus de dizaine de tubes, telles des artères qui transpercent la mégalopole. Ces tubes sont équipés de sortes de cabines, et servent de moyen de transport à travers les différents quartiers. Les inspirations transpirent dans chaque case, qu'elles soient littéraires ou cinématographiques (la ville évoquant le <b>Brazil</b> de Terry Gilliam). Pourtant, une fois la lecture entamée, jamais ces inspirations ne dépassent leur statut, elles stagnent au niveau de l'hommage et ne phagocytent pas le récit. Cette épopée urbaine silencieuse présente un monde froid et relativement homogène, mais bientôt Ce rejoint le fameux Secteur Crécy, une "sous-ville" peuplée par une faune disparate et surprenante. Les humains se mêlent aux animaux anthropomorphes, tandis que des créatures issues de la mythologie surgissent ici et là. C'est l'occasion pour José Roosevelt d'adopter un trait particulièrement détaillé, qui contraste grandement avec la ville traversée quelques pages plus tôt. On retrouve une ambiance alors proche de ce que dégage <b>Le Roi et L'oiseau</b> (film d'animation de Paul Grimault), c'est-à-dire un onirisme mélancolique et surréaliste à la fois.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiptQsDfZxoc_VaP66sVN4tdEVh5Ubhs_d4sA7fzzkSIVaZuM2RzBKJ0X83Gd7JTkTAiX0Y80vQJW4raryAjJy9mPhFpdL8Facs7tLVstXT1KxQ5KDYp90PPxFe1KP24tRXqKbtbBxzBzvx/s1600/02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiptQsDfZxoc_VaP66sVN4tdEVh5Ubhs_d4sA7fzzkSIVaZuM2RzBKJ0X83Gd7JTkTAiX0Y80vQJW4raryAjJy9mPhFpdL8Facs7tLVstXT1KxQ5KDYp90PPxFe1KP24tRXqKbtbBxzBzvx/s640/02.jpg" width="526" /></a></div>
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C'est en arrivant au sein du Secteur Crécy que Ce rencontre de véritables personnages secondaires, tandis qu'une solitude individuelle planait sur le personnage lorsqu'il errait dans sa cité. Le lecteur découvre alors Merlin, une figure qui lie l'univers du livre à un patrimoine culturel bel et bien réel. Dans <b>CE</b>, Merlin possède les mêmes attributs que le Merlin original, comme la métamorphose, un don que retranscrit Roosevelt en jouant sur la répétitivité de certaines cases. Dans le récit, il est le personnage pivot qui révèle à Ce des secrets inavouables, il est celui qui lance la machinerie en prophétisant la mort de son peuple. Autre incursion notable, celle de deux personnages félins, Blanqueau et Noireaud, allusions aux personnages principaux du manga <b>Amer Beton</b>, gardiens et protecteurs de leur ville. L'auteur ne se privera jamais de ces ajouts issus d'autres œuvres, comme il le fera avec <b>Alice au Pays des Merveilles</b>, dans un autre tome. Le personnage de Victoria, qui apparaît peu avant que le tome ne s'achève, est de son côté un transfuge d'un autre personnage créé par Roosevelt, la sublime Vi. L'auteur continuera dans l'auto-citation lors des prochains volumes, comme s'il réalisait une impressionnante mise en abyme, tout en jouant sur plusieurs niveaux de réalité, tous articulés autour d'un effet de symétrie cohérent. Enfin, le Secteur Crécy lui-même tire certainement son nom de Nicolas de Crécy, auteur par exemple de la sublime trilogie intitulé <b>Le Bibendum Céleste</b>.</div>
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En effet, toute l'œuvre de José Roosevelt est symétrique. La construction même de la saga <b>CE</b> l'est elle aussi, la série se développant en treize épisodes séparés par un septième volume qui n'hésitera pas à bouleverser les acquis. <b>L'Immortel qui rêve</b> est, lui aussi, érigé sur une base en miroir. Les Immortels, qui vivent en haut, vivent parmi les chiffres, Les Humains, en bas, ont les mots. Les Immortels n'ont pas de nom, ils s'appellent par leurs matricules. Ils ne rêvent pas. Ils travaillent. Les Humains offrent son nom à Ce, ils rêvent et festoient. Les thématiques se répondent et se reflètent tout au long du récit. Le réel et le concret s'opposent à l'imaginaire et à l'émotion. Tout ce volume conduit à la libération de Ce, qui s'extirpe de la société et abouti dans une salle étrange, relié à une machine, laquelle va dévoiler ses rêves. Sans que l'auteur n'oublie jamais de perturber la perception du lecteur. En effet, dans les derniers dialogues, Merlin (qui avoue ne pas réellement s'appeler Merlin, comme s'il avait emprunté ce nom vu quelque part...) cite les ancêtres des Humains qui peuplent le Secteur Crécy. Il dit alors que ceux-ci, à l'époque, élevaient des bêtes dans le but de les tuer et de s'en nourrir. Et si Merlin faisait référence à nous autres ? Et que <b>CE</b> se déroulerait donc dans un futur hypothétique ? A l'ombre de quelques allusions discrètes, l'auteur parvient à instaurer le doute et le questionnement chez le lecteur qui tourne peu à peu les pages du volume.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYnBHI7W3V1KGywJzvyXv3FwTvCGKkLQWv2WMDoh_H8r04GcyI0jPPzlXytcPofab36W56LYajAUfXazdzFn8CcHMl4zGmc17FUbxmDn89Pqgf8ClP5-SKDLYUpHBfxfFeqW7U8gXZkYai/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYnBHI7W3V1KGywJzvyXv3FwTvCGKkLQWv2WMDoh_H8r04GcyI0jPPzlXytcPofab36W56LYajAUfXazdzFn8CcHMl4zGmc17FUbxmDn89Pqgf8ClP5-SKDLYUpHBfxfFeqW7U8gXZkYai/s1600/03.jpg" width="262" /></a>Outre les thématiques passionnantes qui animent le récit, <b>CE</b> est aussi une œuvre visuelle, dont le dessin dégouline de maîtrise sur chaque case. Le trait de José Roosevelt est hachuré perpétuellement, de manière à permettre un travail sur les ombres, la perspective et la profondeur d'une rigueur folle. Les aplats de noir sont très rares, pour tout dire ils n'illustrent que les cases dénuées de lumière ainsi que les vêtements que portent Ce lorsqu'il est éveillé. Sa présence dans la ville des Humains contraste ainsi naturellement avec les décors et les personnages mis en scènes par le dessinateur, comme pour surligner ses origines et sa nature d'Immortel. Le blanc des planches sert d'ailleurs la mise en page, pour permettre au récit de respirer ou bien mettre en avant certaines cases. La mise en scène est, elle, très dynamique, l'artiste jouant avec la perspective de manière à dynamiser les dessins, mais jamais de manière gratuite, chaque illustration étant réfléchie et en accord avec ce que veut exprimer Roosevelt. Par exemple, lorsque Ce s'extirpe de l'entité administrative nébuleuse incarnée par son bureau, il se retrouve au sommet de la Cité, triste paysage urbain terne et désincarné. Là, le plan le présente en contre-plongée, tandis que la perspective sombre vers des profondeurs diffuses, desquelles il est difficile d'apercevoir l'esquisse du sol. Ce est un Immortel, certes, il trône au sommet, mais pour vivre une existence vide. C'est pour cela que les événements le mènent à explorer les sous-sols d'une ville cachée et oubliée, comme le prouve l'angle choisi par le dessinateur. L'ensemble du volume conserve la même cohérence, en plus de participer à créer des illustrations expressives et intéressantes d'un point du vue purement esthétique.</div>
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Tel le voile qui cache une infinité de portes menant à des mondes différents, <b>L'Immortel qui rêve</b> n'est que l'esquisse de <b>CE</b>. Tous les éléments sont déjà là, tout en brillant par leur absence. C'est un curieux univers que déplie José Roosevelt, à la fois construit et alambiqué. En découle une lecture quasiment sensorielle, qui ne communique que dans l'intime, une lecture qui se vit davantage qu'elle ne se raconte. En quelques planches, l'auteur donne naissance à des personnages énigmatiques mais attachants, mystérieux mais entiers. Le lecteur devine un univers qui s'étire bien au-delà des limites des cases, tandis que les questions s'empilent et s'enchevêtrent. Le fait que le volume se lise diablement vite est heureusement compensé par la profondeur des dessins et la subtilité des références et autres indices qui peuvent surgir au détour d'une réplique, offrant au livre une attrayante possibilité de relecture enrichissante. Le voyage se poursuit désormais dans le volume deux, <b>L'Immeuble H</b>.</div>
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<b><span style="color: #cc0000;"><a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/index.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a></span></b>Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-78731975398667795172014-05-22T13:31:00.000-07:002016-06-12T04:45:00.073-07:00It Follows<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVaWwcMjOKiF1vIIDCN9H6nt6O9YEFuUhYxumyPCg9CcMlxQ73mX8iQjpfV_zksaRW6Wq-NyTH8dCbhuORxUC97hhuoH2y4vkbegfzTQEO8ka25Njj7bE0EaM_cisaXDf8UTHn-LDqy56B/s1600/08.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="304" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVaWwcMjOKiF1vIIDCN9H6nt6O9YEFuUhYxumyPCg9CcMlxQ73mX8iQjpfV_zksaRW6Wq-NyTH8dCbhuORxUC97hhuoH2y4vkbegfzTQEO8ka25Njj7bE0EaM_cisaXDf8UTHn-LDqy56B/s640/08.png" width="640" /></a></div>
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<i>Réalisé par David Robert Mitchell</i></div>
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<b><span style="color: red;">Cet article contient des spoilers.</span></b></div>
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<b>It Follows</b> s'ouvre sur une vision à la fois banale et anxiogène. Lors de ce tout premier plan, la caméra est fixée au centre d'une rue anonyme, artère d'un quartier résidentiel qui l'est tout autant. Malgré la teneur familière de ce cadre, la mise en scène sobre mais étouffante concourt à métamorphoser ce banal tableau du quotidien en une toile oppressante. Soudain, un personnage apparaît à l'écran, en même temps que la caméra commence un travelling circulaire et se met à filmer la rangée de maisons qui habillent le bord de la route. Ce personnage, une jeune fille piégée dans l'adolescence, semble en état de choc, et tandis qu'elle tente d'échapper à une présence indicible, les premières notes d'une musique insistante se mettent à résonner. La demoiselle parcourt les jardins du voisinage, traverse la route, et repousse l'aide d'une voisine qui ne comprend pas la situation. Bientôt, après avoir négligé les interrogations de son propre père, et tandis que la caméra poursuit sa rotation inexorable, la jeune fille grimpe dans la voiture familiale et prend la route, pied au plancher. Sa fuite en avant la mène au bord de la mer, tandis que la nuit étreint le décor. Assise au bord de l'eau, éclairée par les phares de sa voiture, l'enfant engage une conversation téléphonique avec son père. Conversation qui possède les sombres relents d'un adieu. Enfin, une transition soudaine montre le cadavre de la jeune fille, dans un plan fixe insistant, alors que son corps brisé repose dans une posture grotesque et impossible. Cette introduction d'une efficacité redoutable passée, le film démarre et nous invite à suivre le quotidien d'une autre jeune fille, Jay.</div>
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Second film du jeune réalisateur David Robert Mitchell, après l'intriguant <b>The American Myth of Sleepover</b>, <b>It Follows</b> est un long-métrage fantastique précédé par sa réputation. La faute au succès rencontré dans les différents festivals où le film a été projeté (par exemple au <i>Festival du Film Fantastique de Gérardmer</i> en 2015, où il décroche le Grand Prix et le Prix de la Critique). On retrouve dans ce second film l'atmosphère onirique qui enveloppait les plans de <b>The American Myth of Sleepover</b>, une production qui semblait déjà lorgner vers le fantastique, sans jamais y sombrer. Ici, le réalisateur plonge de plein pied dans l'horreur et délivre un objet filmique qui n'est pas sans rappeler les grands classiques du cinéma fantastique de la fin du siècle dernier. Il y a du Wes Craven et du John Carpenter dans <b>It Follows</b>, évidemment, mais aussi du Sofia Coppola lors des élans contemplatifs du métrage, des plans sur lesquels le temps ne semble avoir aucune emprise. Stephen King semble aussi être inspiration évidente, le "it" du titre ne pouvant s'empêcher ne rappeler l'antagoniste principal du (fantastique) roman éponyme.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6o6fx6Rnq0f3JaD0Ha8QO6q6-WNf2GV9olQizDej4BEkzRedYnCSmYpYA-9ktX7FyDfbqrl9lrI0-9BBBWBuR8fXV1zPvEg-XRzpy3v9GXkG5WNjcQozd9Uu0R-X6kPacwnEzTe337AI5/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6o6fx6Rnq0f3JaD0Ha8QO6q6-WNf2GV9olQizDej4BEkzRedYnCSmYpYA-9ktX7FyDfbqrl9lrI0-9BBBWBuR8fXV1zPvEg-XRzpy3v9GXkG5WNjcQozd9Uu0R-X6kPacwnEzTe337AI5/s640/03.jpg" width="640" /></a></div>
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Évidemment, les influences ne font pas un film, et <b>It Follows</b> s'impose sans mal comme un tournant dans le cinéma horrifique, s'érigeant comme une antithèse insolente face aux errances des récents torture porn (les suites indigestes de<b> Saw</b>) et autres found footage (<b>Paranormal Activity</b>) qui polluent nos cinémas depuis trop longtemps. Au contraire d'une débauche de gore et autres jump scares avariés, <b>It Follows</b> joue la carte du malaise constant, un malaise qui ne fonctionne qu'avec l'accord tacite du spectateur tant le film de Mitchell se dote d'un aspect ludique intelligent et rafraîchissant. Ludique car premièrement, la menace du film se dévoile progressivement. Supporté par une bande-annonce judicieuse qui ne révélait rien du scénario, le film délivre ses scènes introductives en maintenant un flou volontaire et angoissant. Finalement, Jay, l'héroïne, rencontre un jeune homme avec lequel elle se liera très vite. Bientôt, ce jeune homme la drogue et la séquestre, le spectateur pense alors que la menace du film sera incarnée par cet individu. Pourtant, quelques éléments tendent à infirmer cette hypothèse, comme la fameuse scène d'introduction bien sûr, mais aussi un étrange dialogue entre les deux personnages, au cinéma. Une conversation durant laquelle le jeune homme semble voir quelqu'un d'invisible aux yeux de sa compagne. En effet, quelques instants après la séquestration de Jay, la véritable menace apparaît, tandis que son amant d'une nuit déblatère un discours pressé et difficile à cerner. Il y est question d'une sorte de malédiction qui se transmet par le sexe, et non plus par cassette vidéo (voir le film <b>Ring</b>, de Hideo Nakata, qui rappelle <b>It Follows</b> à de nombreuses reprises). L'entité qui hante alors la victime peut prendre l'apparence de n'importe qui, qu'il s'agisse d'un anonyme ou d'une proche. Seule constante : elle marche en direction de la personne qu'elle poursuit, d'une lenteur terrifiante, inexorablement. Une approche qui n'est pas sans évoquer les films de zombies, surtout les plus anciens, encore une fois, à l'époque où ces créatures ne savaient ni courir ni communiquer entre elles.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvjj8V6rkoLl4XjwjJY1LqL3ZqFAttznsyqmKFjME9-gTnuEdBKDCfHgRbL9xtPencQyZS-RLO51xW9Q5LIFRMVhw7jc35y9RQCymWd0nFJfzyGbMv_RtbBXUoQemr6aE9M_uWJ0YP3vUV/s1600/02.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="396" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvjj8V6rkoLl4XjwjJY1LqL3ZqFAttznsyqmKFjME9-gTnuEdBKDCfHgRbL9xtPencQyZS-RLO51xW9Q5LIFRMVhw7jc35y9RQCymWd0nFJfzyGbMv_RtbBXUoQemr6aE9M_uWJ0YP3vUV/s640/02.png" width="640" /></a></div>
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Ludique, donc, car le reste du film ne déroulera aucun moment de sursaut (à part une petite blague d'un personnage secondaire, qui ne sert nullement l'horreur et se veut plutôt comme un pied de nez à l'encontre de ce gimmick trop usité). La peur se dissimulera sur l'écran et pourra survenir dans une simple scène de dialogue entre les protagonistes. Dans <b>It Follows</b>, la menace est perpétuelle, elle peut prendre la forme de n'importe quel figurant présent à l'écran. Le spectateur, pour peu qu'il soit plongé dans l'univers du long-métrage, ne peut s'empêcher de scruter chaque élément du décor, à la recherche d'une présence qui, fatalement, finira par apparaître. Intelligent, car ce n'est pas le film qui instaure le malaise chez le spectateur, c'est ce dernier qui s'enferme lui-même dans sa paranoïa, et chaque individu pourra stresser à différents moments de la pellicule. Bien entendu, le film conserve des scènes fortes et stressantes. Toutes les confrontations avec "ça" versent dans l'angoisse la plus instinctive, comme le prouvent les scènes qui se déroulent de nuit, chez Jay, mais aussi en plein jour. Ainsi, le film contourne les codes du cinéma horrifique qui allie perpétuellement l'horreur à la nuit, ou alors en évitant l'aspect racoleur de plusieurs productions. Pas de nudité racoleuse dans <b>It Follows</b>, les quelques scènes de sexe sont tournées avec un détachement et une froideur cliniques. Le sexe est désincarné dans le film, il n'est d'ailleurs pas lié à l'amour, ou alors seulement à sens unique. Pire, il est le vecteur même de la malédiction. Certains ont d'ailleurs vu dans le film une dénonciation des maladies sexuellement transmissibles, mais cette vision du film semble totalement hors de propos quand on voit le long-métrage dans son intégralité. La grande force du film est de ne se cloisonner à aucune interprétation. Chacun pourra y déceler ce qui lui parle, selon son expérience et ses croyances. Certains ont vu dans l'entité maléfique une sorte de punition divine, d'autres y voient une mort de l'innocence (symbolisée par le sexe dans le film), d'autres encore y décèlent la personnification du regret. Le long-métrage dissimule des indices et des non-dits, qu'il est facile de rater lors d'une première vision. Par exemple, la dernière forme prise par l'entité adopte les traits du père de Jay, que l'on aperçoit sur l'une des photographies, dans la maison de l'héroïne, et que le spectateur peut facilement occulter. Ces non-dits s'illustrent dans la mise en scène par la présence d'ellipses, comme celle qui survient alors que Jay se rendait vers un bateau en pleine mer, dans le but de transmettre la malédiction. Encore une fois, c'est au spectateur de se forger son propre avis, non seulement en ce qui concerne l'aspect mythologique du film (l'origine de la chose, ce qu'elle est, etc) mais aussi les actions des personnages. <b>It Follows</b> résonne ainsi de manière différente pour chacun de nous, une caractéristique qui n'est pas, entre autres, sans rappeler les créations d'un réalisateur comme David Lynch. Cette liberté d'interprétation se retrouve jusque dans la conclusion du film. Après avoir tenté de piéger l'entité dans une embuscade que n'aurait pas renié le scooby gang (d'ailleurs toute la bande de personnages évoque clairement les protagonistes de <b>Scooby-Doo</b>), le dernier plan présente Jay et son nouveau petit ami, main dans la main, tandis qu'ils marchent en avant, face à la caméra. Derrière eux, au loin, se dessine la forme indistincte d'un personnage, qui marche dans la même direction qu'eux. Évidemment, le doute subsiste, c'est à chacun de conclure cette histoire de la manière qu'il lui plaira.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPFu02ygLnYnFatilhxAdmtheqQpcvLs9H2siC3p2TZVfZagv6MSFlXHiyneMM_oDvIdg5NdqmNQEzO4LswPO6hr-VN7-FMFx1qlps5VXLFBbGNv2jTlHTmtk-Ov2FVak5wbTpT9r80yZr/s1600/04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPFu02ygLnYnFatilhxAdmtheqQpcvLs9H2siC3p2TZVfZagv6MSFlXHiyneMM_oDvIdg5NdqmNQEzO4LswPO6hr-VN7-FMFx1qlps5VXLFBbGNv2jTlHTmtk-Ov2FVak5wbTpT9r80yZr/s640/04.jpg" width="640" /></a></div>
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Le "combat final" se déroule d'ailleurs dans une piscine municipale, écho évident au plan d'introduction qui présentait Jay au spectateur, lequel découvrait la jeune fille dans sa piscine de jardin, épiée par ses petits voisins. Piscine que l'on retrouvera plus tard, sale, comme souillée, après que Jay ait couchée avec celui qui lui transmettra la malédiction, Greg. Plus tard, cette même piscine sera présentée complètement vide. Retrouver une piscine pleine en fin de métrage renvoie à Jay telle qu'elle était en début de film, quand elle se sentait en sécurité dans son cocon aquatique. Il est évident que Jay, quand débute le film, sort d'une épreuve difficile. L'absence du père, le fait de s'isoler du reste du monde, rien n'est prouvé, tout reste, une fois de plus, sous entendu.</div>
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<b>It Follows</b> est, pour moi, un film sur l'enfance. Il faut voir la manière dans les adultes sont évincés du récit, délibérément. Toujours dans l'ombre, au sens propre comme au figuré, les adultes sont les plus grands figurants du métrage, dont ils semblent totalement absents. Les adolescents du groupe de personnages principaux semblent vivre hors du monde, enfermés devant de vieux films à la télévision, noyés dans leurs liseuses électroniques (dont le design a été créé spécialement pour le film, ce qui participe à cette notion de côtoyer un univers soit irréel, soit intemporel), ou bien se rendent dans des endroits isolés ou abandonnées (la plage ou la maison en ruines). D'ailleurs, le film se déroule dans un cadre qui n'est jamais cité, même s'il s'agit de la ville de Detroit (comme le prouve le titre de l'un des morceaux de la bande-son), le cadre du métrage perdant alors tout repère spatial ou temporel. La bande-son, justement, dévoile un univers sonore électronique et angoissant, qui une fois encore cite avec justesse et respect les films d'horreurs typiques de la fin du siècle dernier. Signée <b>Disasterpearce</b>, qui a déjà réalisée les OST de jeux "musicaux" comme <b>FEZ</b> ou <b>Runner 2</b>, en plus d'albums solo. Le résultat est juste intense, admirable lorsqu'il est couplé aux images. Une écoute en dehors du visionnage du film est plus délicate. Cette bande-son étale ses atmosphères parfois planantes, parfois stressantes, avec une rigueur incroyable. Bien loin des standards actuels, les thèmes musicaux du film sont souvent constitués de sons, au détriment de mélodies, mélodies qui surviennent à quelques rares endroits, et n'en restent que plus efficaces. Il y a une nostalgie certaine qui s'extirpe de ces courtes mélodies (voir le thème baptisé "Detroit" justement, à écouter de nuit, au volant, en traversant la ville endormie), et il n'est pas rare de songer à <b>Donnie Darko</b>, un film de Richard Kelly avec lequel <b>It Follows</b> partage plusieurs points communs.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivYiIsFFJLIbYz5oWOZP8d4UorNUxybmpbtYLK-8RWUao4Wnua8r_73A8o_f2bJjZSL6X8CcARBS0MVBEOXXIJ9jxIgBlS_kX9-NrYEoo7tcwCyHsYQQTgxEhFSpKkCd1PxWf9k4eY3Tkq/s1600/05.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" height="232" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivYiIsFFJLIbYz5oWOZP8d4UorNUxybmpbtYLK-8RWUao4Wnua8r_73A8o_f2bJjZSL6X8CcARBS0MVBEOXXIJ9jxIgBlS_kX9-NrYEoo7tcwCyHsYQQTgxEhFSpKkCd1PxWf9k4eY3Tkq/s640/05.jpg" width="640" /></a></div>
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Inspiré d'un cauchemar fait lorsqu'il était enfant, David Mitchell réalise avec<b> It Follows </b>un film d'horreur atypique, ne se privant pas d'envoyer paître les ténors du moment ainsi que les codes du cinéma horrifique contemporain. Mû par une ambiance et une âme uniques, le long-métrage s'éloigne des canons et s'insinue dans l'esprit du spectateur d'une manière sournoise et pernicieuse, à l'image de sa créature. Soutenu par une direction artistique primant les ambiances et atmosphères éthérées, ainsi que par des acteurs investis, <b>It Follows</b> parle d'abandon de l'enfance au profit de l'entrée violente dans l'âge adulte, la découverte des responsabilités, de la nostalgie, de la mort inéluctable. Pourtant, c'est sur une image d'amour que se conclut cette histoire, présentant la naissance d'un couple qui, pour la première fois depuis le début du film, s'aime réellement.</div>
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<b><span style="color: #cc0000;"><a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/accueil.html">Cliquer ici pour revenir à l'index</a></span></b>Fragmenthttp://www.blogger.com/profile/13909185129019939721noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-300326380272380328.post-73981065779796102602014-05-22T13:13:00.000-07:002017-02-11T08:31:47.239-08:00Les incontournables<div style="text-align: justify;">
Grâce à ce modeste article, je vous propose un petit tour des oeuvres que je juge comme indispensables, des travaux qui, je crois, méritent d'être découverts. Bien évidemment, cette liste ne sera pas exhaustive, je ne vais me limiter qu'à cinq titres par catégorie. Cela ne signifie pas que toutes les oeuvres absentes ne méritent pas d'être partagées, mais il faut bien faire un choix, au détriment des autres. En de très rares occasions, il est possible que cette liste soit susceptible de changer.<br />
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<span style="color: #a64d79; font-size: x-large;"><b>Cinéma</b></span></div>
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<b>5) Edward aux Mains D'argent</b><br />
<i>Réalisé par Tim Burton</i><br />
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Le chef-d'oeuvre de Tim Burton, le film qui déploie avec justesse toutes les obsessions thématiques et esthétiques de son auteur. Une fable contemporaine, aussi cruelle que les contes classiques, qui n'hésite pas à pointer du doigt les travers de l'Homme et de la société qu'il s'évertue à construire. Le film est sublimé par les compositions intouchables de Danny Elfman, qui signe ici son travail le plus abouti et donne vie à des scènes désormais cultes, comme la séquence de la danse sous la glace, l'une des plus belles jamais vues sur un écran de cinéma.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWUwxtiMlcmZbkhieIdRFB6p3liEmp2kmNzqH9NgnZqMYeV3Op95Galvvq2CSpFoRsarzSKGlSjMgGhz3hcnP6dA9LSVckqxfVV68qBu2jK3ADf9p1s02WqXnBvwU0qyhma8akkNjmLc0/s1600/02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="274" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWUwxtiMlcmZbkhieIdRFB6p3liEmp2kmNzqH9NgnZqMYeV3Op95Galvvq2CSpFoRsarzSKGlSjMgGhz3hcnP6dA9LSVckqxfVV68qBu2jK3ADf9p1s02WqXnBvwU0qyhma8akkNjmLc0/s640/02.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>4) Donnie Darko</b><br />
<i>Réalisé par Richard Kelly</i><br />
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Richard Kelly déploie un film univers insondable. Premier long-métrage d'un réalisateur hanté par ses propres fantômes, <b>Donnie Darko</b> est un film indescriptible, qui dégage une atmosphère unique, sorte de croisement improbable entre David Lynch et Philip K. Dick. D'une audace et d'une franchise insolentes, le film n'hésite pas à croiser les questionnements d'une adolescence qui se cherche à des thèmes totalement autres, tels que le voya ge dans le temps, la physique quantique et la comédie pure. Enveloppé dans une ambiance onirique tout du long, <b>Donnie Darko</b> peine à se définir, multipliant les pistes scénaristiques et les personnages, sans jamais négliger sa portée émotionnelle, qui va crescendo au fur et à mesure que les minutes défilent. Mais malgré l'incompréhension qui habite le métrage, l'expérience reste hypnotique et viscérale, tandis qu'à force d'implication, les barrières symboliques et conceptuelles qui émaillent le métrage finissent par voler en éclats. Une prouesse.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzspIy0f1jKv2atzdX-oy9h-Mb3gH_a8hjMRH6PJBuqjLT8IQd6e9A4U_y1NAbyUHqedJyABOus6Z2Fb-CGJfMAjS_sWZ8VduRrbQBq31bccQSIBkE-7akzz6RmKT6iwkmmErAXR0xhlc/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="402" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzspIy0f1jKv2atzdX-oy9h-Mb3gH_a8hjMRH6PJBuqjLT8IQd6e9A4U_y1NAbyUHqedJyABOus6Z2Fb-CGJfMAjS_sWZ8VduRrbQBq31bccQSIBkE-7akzz6RmKT6iwkmmErAXR0xhlc/s640/03.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>3) Cloud Atlas</b><br />
<i>Réalisé par les Wachowski et Tom Tykwer</i><br />
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Un film qui transcende son matériau de base, à savoir un roman de David Mitchell, et profite des possibilités offertes par ce nouveau média avec brio. Les nombreuses références entre les différents segments du film apporte un ludisme et une profondeur au métrage, lui-même entièrement soutenu par un montage ingénieux et novateur. La direction artistique est maîtrisée de bout en bout, bien qu'elle culmine dans les segments orientés science-fiction. En effet, le film est divisé en six histoires qui se mêlent et s'entremêlent, afin de tisser une remarquable fresque affranchie des limites du temps et de l'espace. Supporté par une bande-son somptueuse, <b>Cloud Atlas</b> est un film rare, un diamant du cinéma contemporain.<br />
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Cliquez sur la bannière ci-dessous pour accéder à l'article <b>Cloud Atlas</b>:<br />
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<a href="http://lestoilesnoires.blogspot.fr/2014/05/cloud-atlas.html" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="38" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiytXLVSUgETqWGLcEYdiamwJDrB4Ybqqp9_qmYbsO8QeIbfXWDvmgiKjhD6GcujU76_VMtTLJH1cQ03ymusqO8rXaqe5rjzo2Y4GQES8TPJzscHK1OyL_L5DPnqWanG-F5QORa015I7Xg/s1600/1.jpg" width="640" /></a></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEix8QwzAL4vdFH59UMT4OhOFP2tnBkWIIwrosN12jUUnH9NY5jiuKGfEQ1cSvpOCkaAL8tNlsQtSrHkgd0VPxwHEHZcKjlJDXXecyJbTyjitQKb_FkQxXIDeqBZVEd_AbiqiJvOpiREdkk/s1600/04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="139" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEix8QwzAL4vdFH59UMT4OhOFP2tnBkWIIwrosN12jUUnH9NY5jiuKGfEQ1cSvpOCkaAL8tNlsQtSrHkgd0VPxwHEHZcKjlJDXXecyJbTyjitQKb_FkQxXIDeqBZVEd_AbiqiJvOpiREdkk/s1600/04.jpg" width="320" /></a></div>
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<b>2) The Lovers</b><br />
<i>Réalisé par Tsui Hark</i><br />
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<div style="text-align: justify;">
Le chef d'oeuvre de Tsui Hark. <b>The Lovers</b> est une énième adaptation de la célèbre légende chinoise des amants papillons, ici transcendé par la maestria et la sensibilité de son réalisateur. Le film mélange habilement les thématiques issues de la fable originale, à d'autres approches plus modernes, sans oublier de dévoiler une esthétique renversante. Folklore, amour et comédie forment une diversité de tons qui ne cesseront de s'alterner à la perfection, jusqu'à un final incontournable, d'une puissance infernale. Enfin, le compositeur James Wong adapte un célèbre opéra de 1958, basé sur la légende des amants papillons, et signe ici une bande son envoûtante, d'une beauté incroyable. <b>The Lovers</b> est un incontournable du cinéma hongkongais.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFbRpUuhlrr1xTzgeU9EC5FBKuLccR0ys2z3dNwj-k8Dhw9XUoPfl-jgHdnCD0-8vcZCBN5hrabr9L5pdeWrebEDQN3P6LvrhzkTG9t3v2CZkfsY1ZduzFc6YZvA7GyDrkA8QEz0RL3aA/s1600/05.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="134" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFbRpUuhlrr1xTzgeU9EC5FBKuLccR0ys2z3dNwj-k8Dhw9XUoPfl-jgHdnCD0-8vcZCBN5hrabr9L5pdeWrebEDQN3P6LvrhzkTG9t3v2CZkfsY1ZduzFc6YZvA7GyDrkA8QEz0RL3aA/s1600/05.jpg" width="320" /></a></div>
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<b>1) Le Seigneur des Anneaux: Le Retour du Roi</b><br />
<i>Réalisé par Peter Jackson</i><br />
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<div style="text-align: justify;">
La trilogie de Peter Jackson est incontournable. Trois films pensés pour donner vie à un univers riche, des personnages développés et une intrigue épique. De la magnificence des décors naturels, à la précision des costumes et accessoires, sans compter par les décors artificiels somptueux, toute la direction artistique est à tomber par terre. Ajoutons à tout ça un enrobage musical qui frôle la perfection et emprunte diverses tonalités afin de coller au mieux au différentes ambiances, et nous obtenons la saga cinématographique la plus belle jamais vue sur un écran. Le fond n'est pas en reste, grâce à un scénario d'une efficacité improbable, aux ramifications passionnantes, le tout soutenu par un rythme incroyable. <b>Le Retour du Roi</b>, dernier opus de la trilogie, propose des scènes anthologiques, servies par des batailles dont la démence visuelle et dramatique restent à ce jour inégalées. L'essence même du cinéma, celui qui fait rêver, celui capable de nous mettre à terre.</div>
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<b><span style="color: #a64d79; font-size: x-large;">Jeux vidéo</span></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNXQH11y5didGry_17rUCc8f2UI65f5OloOcDKTOldlrR_VMCifGcPXJmgXEzCO-Xw3MWY30kVSsi5pGGQSLVAmIFdH0pIZYgTwwIEmmde6A8IShL_F8G9IOkDymgp6M5yJXkBqSAw4Vo/s1600/001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNXQH11y5didGry_17rUCc8f2UI65f5OloOcDKTOldlrR_VMCifGcPXJmgXEzCO-Xw3MWY30kVSsi5pGGQSLVAmIFdH0pIZYgTwwIEmmde6A8IShL_F8G9IOkDymgp6M5yJXkBqSAw4Vo/s1600/001.jpg" width="320" /></a></div>
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<b>5) Shadow of the Colossus</b><br />
<i>Réalisé par la Team Ico</i><br />
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<div style="text-align: justify;">
En seulement deux jeux, la Team Ico a réussi à conquérir bien des cœurs. <b>Shadow of the Colossus</b> est un jeu autre, qui ne souffre d'aucune concurrence dans le milieu. Visuellement et techniquement, il est unique. L'aventure nous mène au sein d'une terre hostile et abandonnée, les quelques ruines croisées ici et là se retrouvant noyées sous la flore envahissante. Forêt, lac, plaines, désert et vestiges donnent vie à un monde mélancolique mais magnifique. L'exploration n'est pas la seule composante du jeu, le principal attrait venant des colosses. En effet, Shadow of the Colossus met le joueur dans des situations perdues d'avance: seul ou à cheval, le héros de cette aventure doit faire choir de gigantesques créatures, hautes de plusieurs dizaines de mètres pour la plupart. C'est un jeu épique qui propose une ambiance et des sensations croisées nulle part ailleurs. La solitude et le désespoir se mêlent à l'accomplissement et la bravoure, dans un mélange étonnant mais qui arrive à faire sens par rapport aux thèmes abordés par le jeu. Pour son ambiance, son scénario tout en non-dits et les combats surréalistes qu'il propose, Shadow of the Colossus est une perle, une preuve que le média jeu vidéo offre des sensations impossibles à trouver ailleurs.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjO-cy528YPZxeUNB4vy6Lf_TYQTJCKAJkGUTg366dIT2Glg6KeeQffsE4WktAuPEwFDh7t-9Kbx6dA7yl-cQCVAzLXi_i1zA8gvK0dtRgp_w0c8qzacm747uXyLzkfpih2th7watFA8Tk/s1600/002.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="279" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjO-cy528YPZxeUNB4vy6Lf_TYQTJCKAJkGUTg366dIT2Glg6KeeQffsE4WktAuPEwFDh7t-9Kbx6dA7yl-cQCVAzLXi_i1zA8gvK0dtRgp_w0c8qzacm747uXyLzkfpih2th7watFA8Tk/s1600/002.jpg" width="320" /></a></div>
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<b>4) Ace Attorney: Phoenix Wright - Trials and Tribulations</b><br />
<i>Réalisé par Capcom</i><br />
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<div style="text-align: justify;">
<b>Ace Attorney</b> est une saga malheureusement peu vendeuse en France, la licence étant purement et simplement annulée sur nos terres, c'est vers l'import et les traductions de fans qu'il faut se tourner pour profiter de cette série. Simulation d'avocat prenant place dans un Japon fictif, Ace Attorney comporte plusieurs épisodes qui ne se suivent pas forcément. <b>Trials and Tribulations</b> est l'épisode qui vient conclure la trilogie consacrée au dénommé Phoenix Wright. Ainsi, grâce à deux opus parus avant lui, le jeu possède déjà un univers développé et des personnages connus du joueurs, ce qui permet l'élaboration d'un scénario articulé autour du background du jeu. Des éléments instaurés dès le premier épisode sont ici usités à la perfection, tandis que les affaires auxquelles sont confrontés nos personnages recèlent de surprises et de révélations éblouissantes. Véritable chef-d'oeuvre de narration, le jeu aborde une multitude de thématiques, tout en dévoilant petit à petit son histoire, passionnante à découvrir. Un humour irrésistible et une bande-son proche de la perfection achèvent de classer le soft dans le podium des aventures les plus exaltantes qui soit.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEzQVd175TLOwWSrUBaFxnbt6fIZlBPot-oEGDnhGbtCuRkq5wgTn3qE6RY6jb68kEivFW0zadAUBo_8T8jE_F8qRt6fVCcP2NewSGj2V4QAnOpSRcKT7MDQUkTmccKoSAq1hE7Ji-JJY/s1600/00.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEzQVd175TLOwWSrUBaFxnbt6fIZlBPot-oEGDnhGbtCuRkq5wgTn3qE6RY6jb68kEivFW0zadAUBo_8T8jE_F8qRt6fVCcP2NewSGj2V4QAnOpSRcKT7MDQUkTmccKoSAq1hE7Ji-JJY/s640/00.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>3) Persona 4: Golden</b><br />
<i>Réalisé par Atlus</i><br />
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<div style="text-align: justify;">
<b>Persona</b> est une série dérivée de la saga <b>Shin Megami Tensei</b>, des jeux de rôles mâtinés d'apocalypse, d'occultisme et de démonologie. Si la série mère aborde plutôt la frontière qui existe entre l'ordre et le chaos, Persona s'attarde sur la psychologie et la psyché humaine. <b>Golden</b> est une version améliorée du quatrième épisode, un épisode qui reprend avec malice un système de jeu hérité du troisième opus. Le jeu met en scène une enquête, menée avec ferveur par de jeunes lycéens, durant toute une année. Bien entendu, les tenants et aboutissants ne seront pas évidents, et le scénario entreprend rapidement un virage mystique. Il incombe au joueur de mener son enquête, sans jamais délaisser sa vie privée, c'est-à-dire sa réussite scolaire, les liens qu'il tisse avec ses camarades de classe et ami, ainsi que ses activités extra-scolaires. En ce sens, chacun abordera sa partie de manière différente, soit en mettant l'accent sur l'enquête, l'exploration et les combat, soit en se penchant sur ses études, ou bien encore en tentant de devenir le plus populaire possible. De la forme, très moderne et esthétisante, au fond (étude des comportements sociaux, mais aussi de la découverte de soi), <b>Persona 4: Golden</b> est un véritable dévore-temps, via une durée de vie exceptionnelle, et des possibilités quasi infinies.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipk63uRrcLFnf3tiLzPISMMBigUBgDFZlcu91AbdYJEpKnS9LanbG05XTUZu7cxtBBoiI666Fl9zctZTo7lYliOXIwSA42RvLrR3YI2HQczuJI57thgcoVh4-6huvsjKKz-X56ANM60OlI/s1600/Sans+titre-2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="276" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipk63uRrcLFnf3tiLzPISMMBigUBgDFZlcu91AbdYJEpKnS9LanbG05XTUZu7cxtBBoiI666Fl9zctZTo7lYliOXIwSA42RvLrR3YI2HQczuJI57thgcoVh4-6huvsjKKz-X56ANM60OlI/s1600/Sans+titre-2.jpg" width="640" /></a></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<b>2) The Legend of Zelda: Link's Awakening DX</b><br />
<i>Réalisé par Nintendo</i><br />
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<b>EarthBound (Mother 2)</b><br />
<i>Réalisé par APE et Hal Laboratory</i><br />
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<div style="text-align: justify;">
<div style="text-align: center;">
<b>Kingdom Hearts II</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Réalisé par Square Enix</i></div>
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Trois ex aequo pour la seconde place. <b>Link's Awakening</b> est un épisode totalement atypique dans la série <b>The Legend of Zelda</b>, un épisode qui propose une ambiance éloignée de que la série utilise d'habitude. Le jeu nous propose de visiter un monde mélancolique et surréaliste, dont on ne sait pas vraiment s'il est bien réel ou pas. Les idées de gameplay fourmillent, tandis que les personnages rencontrés sont totalement incroyables. La conclusion douce amère du jeu enfonce le clou, en proposant un épilogue fort, servi par une musique inoubliable.</div>
<div style="text-align: justify;">
De son côté, <b>EarthBound</b> est un jeu de rôle qui ose et se moque de lui-même. Les développeurs portent un regard amusé sur les codes propres au genre, sans oublier de réaliser un vrai jeu vidéo, nourri par un système de gestion et de combat désarmant d'efficacité. Le soft propose une aventure initiatique riche en situations marquantes, sans jamais oublier d'aller toujours plus loin dans la réflexion concernant le média.<br />
Enfin, <b>Kingdom Hearts II</b>, second opus de la saga qui croise les univers de <b>Final Fantasy</b> à ceux de <b>Walt Disney</b>, s'approche dangereusement de la perfection. Le jeu ne propose rien de moins que de revivre, voire de participer, aux grands classiques d'animation qui ont bercé notre enfance, tout en développant une mythologie passionnante à découvrir. Les phases de jeu, diverses, proposent un peu d'évasion entre les joutes démentes qui parsèment l'aventure. Ajoutons à ceci une animation irréprochable, un gameplay poussé et complet, ainsi qu'une bande-son mythique, et nous obtenons un action-RPG absolument incroyable.</div>
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<div style="text-align: center;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh48Gb06jXmGuAR-cN9tedYRN6fVUNl2ge5wJsEA0V22C-d2l5vbcsPzeBMHumwYLt6IEy0LvWwrWDJSjS93hXyDtpbIIyjLLs74Kea1fwGuuxFCUbToXfi9dPFKI44mS-8honfFhxBuew/s1600/000.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="448" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh48Gb06jXmGuAR-cN9tedYRN6fVUNl2ge5wJsEA0V22C-d2l5vbcsPzeBMHumwYLt6IEy0LvWwrWDJSjS93hXyDtpbIIyjLLs74Kea1fwGuuxFCUbToXfi9dPFKI44mS-8honfFhxBuew/s640/000.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<b>1) Final Fantasy VIII</b><br />
<i>Réalisé par Squaresoft</i><br />
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<div style="text-align: justify;">
Aucune objectivité dans les lignes qui vont suivre. <b>Final Fantasy VIII</b>, outre être un excellent jeu de rôle, est aussi une oeuvre d'une profondeur insondable, un jeu vidéo en avance sur son temps. Bénéficiant d'une direction artistique éblouissante, mélange de science-fiction et de fantasy, chaque détail visuel du jeu bénéficie d'un souci du détail épatant. L'architecture, par exemple, emprunte des directions surprenantes, chaque ville, chaque continent possédant son propre style. Un travail colossal a aussi été effectué sur le character design, donnant vie à des personnages originaux et travaillés. Si le couple principal de l'histoire est clairement mis en avant, tout le développement narratif suit une logique imperturbable, qui s'alimente d'une pléthore de thématiques universelles. L'orientation du scénario, habile croisement entre dérives scientifiques et envolées mystiques, n'oublie jamais de mettre les personnages en avant. L'ensemble est transcendé par une bande sonore fabuleuse, qui délivre avec une rigueur exceptionnelle des compositions sidérantes de beauté. Véritable fable sur le passage de l'enfance à l'âge adulte, sublimée par un système de jeu d'une richesse absolue, <b>Final Fantasy VIII</b> incarne l'aboutissement du jeu vidéo, profitant avec aisance de tout ce que ce média a à nous offrir.<br />
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<div style="text-align: center;">
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<b><span style="color: #a64d79; font-size: x-large;">Séries</span></b></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMLqVIj7YqE7Ij0TImf-1hVi6YrR9qk30JocxdQwvJ756tcoN_gnGBx1We0QThY3SxxIufP-tQvlmkfnuiRx0SjYVMj2GLREuAjgKTKHq7urr30jQiRJAhd77wJoMoZhY__deKoJNppGE/s1600/01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMLqVIj7YqE7Ij0TImf-1hVi6YrR9qk30JocxdQwvJ756tcoN_gnGBx1We0QThY3SxxIufP-tQvlmkfnuiRx0SjYVMj2GLREuAjgKTKHq7urr30jQiRJAhd77wJoMoZhY__deKoJNppGE/s640/01.jpg" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>5) How I met your Mother</b><br />
<i>Créé par Carter Bays et Craig Thomas</i><br />
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<div style="text-align: justify;">
On dit qu'il est plus facile de faire pleurer que de faire rire. C'est certainement vrai, et c'est d'ailleurs tout autant difficile d'écrire au sujet d'une oeuvre humoristique. <b>How I met your Mother</b> est souvent décrit comme le <b>Friends</b> des années 2000. C'est en partie vrai, en partie seulement. A la série suscitée, <b>How I met</b> emprunte un groupe d'amis hétéroclite qui a pour habitude de se réunir au bar local, tandis que le spectateur suit les mésaventures qui rythment leur quotidien. Seulement, un peu à la manière de <b>Grey's Anatomy</b>, chaque épisode se présente comme une fable contemporaine et se conclue par une sorte de bilan ou de recommandation. Ces conclusions concernent la plupart du temps les aléas de la vie et, même si elles restent plutôt basiques, ces lignes de dialogue sonnent toujours juste. La série ne s'articule pas seulement autour d'un humour affûté, elle sait se montrer touchante voire tragique, tandis que les relations entre les personnages ne sont jamais figées. Au sujet de l'humour, il joue beaucoup sur le comique de situation, mais aussi sur l'absurde, avec quelques événements complètements surréalistes. Le défilé de personnages permet aussi un renouvellement salvateur. Cependant, et contrairement à ce que suggère le titre, la série ne raconte pas vraiment comment le personnage principal rencontre la mère de ses enfants, il s'agit plutôt d'un fil diffus qui s'étale sur neuf saisons, ce qui laisse le temps au spectateur de découvrir le parcours de quatre personnages écrits avec justesse, un parcours agrémenté de tendresse et de fous rires.</div>
<div style="text-align: justify;">
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<div style="text-align: justify;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLRqg7Ug_lOmZpBIRgJIHZ3X3tcLHmAw4GYxtHLifM62rlSB7MgSpDp-IVAbuoDNVJLkSNnj2f04XchK1txZmnHaYicWhHnFNQiThc4jGhtJstnbi8j2HzpFfzp4h5zS6sBDVWfa8Vg_g/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLRqg7Ug_lOmZpBIRgJIHZ3X3tcLHmAw4GYxtHLifM62rlSB7MgSpDp-IVAbuoDNVJLkSNnj2f04XchK1txZmnHaYicWhHnFNQiThc4jGhtJstnbi8j2HzpFfzp4h5zS6sBDVWfa8Vg_g/s640/03.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>4) The Shield</b><br />
<i>Créé par Shawn Ryan</i><br />
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<div style="text-align: justify;">
Cette série, en sept saisons, dynamite littéralement les codes de la série policière traditionnelle dont nos écrans sont abreuvés depuis des années. <b>The Shield</b> renverse les codes établis avec une aisance folle, afin de proposer un show unique et à l'efficacité redoutable. Ici, pas d'enquêteur surdoué à l'oeuvre, seulement la Strike Team, une équipe de policiers qui ne recule devant rien pour faire tomber les pourris. Coups bas et coups de poings sont le quotidien de cette bande, une attitude qui va leur permettre des résultats exceptionnels, mais aussi les exposer à un danger permanent. Une fois l'intrigue générale et les personnages installés, chaque épisode ne fera qu'illustrer un peu plus la descente aux enfers des protagonistes, qui ne règlent leurs problèmes qu'en s'en créant de nouveaux, pires encore. Pour illustrer cette spirale infernale, la réalisation adopte des airs de documentaire, via sa caméra portée à l'épaule, comme si chaque scène était prise sur le vif. La série s'emploie de plus à décrire le quotidien des personnages principaux du commissariat, ainsi que leurs enquêtes plus traditionnelles. Bien sûr, conflits, alliances et trahisons seront au rendez-vous. Enfin, <b>The Shield</b> dépeint un univers réaliste et aborde de nombreux problèmes actuels, qu'ils soient sociaux, criminels ou politiques, sous un angle toujours direct et cru.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRigNov6V6gel-dsfumTWB_pXcXlcMne8ogWBhlzh_8OX5d_COEVrVYnfQdL_KNGjg-f0jSyhJB4wLYq7PUdhk4Rphlbt-lsUETBLUnhZtH3-2egmXdl23GDw18dgKtZcHS3faFQ7AjRU/s1600/02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="548" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRigNov6V6gel-dsfumTWB_pXcXlcMne8ogWBhlzh_8OX5d_COEVrVYnfQdL_KNGjg-f0jSyhJB4wLYq7PUdhk4Rphlbt-lsUETBLUnhZtH3-2egmXdl23GDw18dgKtZcHS3faFQ7AjRU/s640/02.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>3) The X-Files</b><br />
<i>Créé par Chris Carter</i><br />
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<b>The X-Files</b>, ce n'est pas seulement une histoire de chasses aux extra-terrestres, de conspirations et de monstre de la semaine, non, c'est bien plus que ça. Cette série est le mètre étalon de toutes celles qui ont suivi, la construction même de <b>The X-Files</b> a complètement changé la façon de penser des créateurs et scénaristes. Chaque saison s'engage à développer une intrigue générale et à détailler les règles qui régissent cet univers, via des épisodes dits mythologiques, tandis que des enquêtes sans lien avec la trame principale viennent investir le quotidien des deux personnages principaux: Fox Mulder et Dana Scully, agents du FBI affectés à un service bien particulier, le bureau des affaires classées X, c'est-à-dire non résolues. Véritable fresque déstructurée, où le spectateur doit assembler les pièces lui-même, <b>The X-Files</b> dessine un univers noir au coeur duquel règne la paranoïa. Les acquis sont sans cesse remis en questions, les évidences volent en éclats, les vestes se retournent et les coups de théâtre viennent rythmer une intrigue déjà loin d'être chiche en mystères. Nourrie par des personnages attachants, et confrontant sans cesse le rationnel à l'irrationnel, <b>The X-Files</b> exploite avec brio les possibilités offertes par le média afin de proposer une intrigue haletante bercée par des thématiques fascinantes.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggWfGOV8BgHpJaVCoM1cP8ATtN94e_rfz4sX6D-c-oQmdPXhfAuehh53vnMDs_TLeGyuCV8dpuWtTVbUZG2tVj3_KWH5nij9sXTc3tGqwmcoDfB8XlGjcr4IoiTN0sOHMUCxtRU3Yb5UM/s1600/04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggWfGOV8BgHpJaVCoM1cP8ATtN94e_rfz4sX6D-c-oQmdPXhfAuehh53vnMDs_TLeGyuCV8dpuWtTVbUZG2tVj3_KWH5nij9sXTc3tGqwmcoDfB8XlGjcr4IoiTN0sOHMUCxtRU3Yb5UM/s640/04.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>2) Buffy, the vampire slayer</b><br />
<i>Créé par Joss Whedon</i><br />
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<b>Buffy contre les Vampires</b>, c'est sept saisons cohérentes, maîtrisées de bout en bout, d'un ludisme et d'une profondeur incroyables. Joss Whedon a créé un univers bouillonnant, qui délivre de nouvelles clés à chaque vision. La série aborde des sujets humains sous l'angle du fantastique, et sans jamais porter de regard moralisateur sur les personnages qui peuplent la ville de Sunnydale. Chacun des épisode a un sens, et tous sont construits de manière à illustrer les interrogations qui animent les protagonistes. De manière plus large, les saisons développent des thèmes face auxquels nous sommes tous confrontés au cours de notre vie, et en apportant toujours plusieurs variations aux développements de ces thématiques. Enfin, la série possède une ambiance unique, grâce à un humour qui fait toujours mouche et des scripts qui se permettent quelques facéties rafraîchissantes au cours de ces sept saisons qui versent peu à peu dans le glauque et le désespoir. Certains épisodes sont d'ailleurs cultes, et étudiés au sein de plusieurs universités américaines (comme par exemple l'épisode consacré au deuil, sans musique ni accompagnement sonore, ou encore l'épisode sous forme de comédie musicale). <b>Buffy contre les Vampires</b>, ou comment sonder notre âme au travers d'un univers hanté par la magie et le fantastique.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFItIYABTNNmuyG6C7hzXAAAljFujPg0FLs0JqxLBoHwhn931WKnlR5xig1DQcVILky7_W5uBruIo5868Re2GKlbnUP1PD17AY2BE1PsvhuKJALfg5t5hH8uot9jwpuK2gb0P8SDmnOxs/s1600/05.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="416" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFItIYABTNNmuyG6C7hzXAAAljFujPg0FLs0JqxLBoHwhn931WKnlR5xig1DQcVILky7_W5uBruIo5868Re2GKlbnUP1PD17AY2BE1PsvhuKJALfg5t5hH8uot9jwpuK2gb0P8SDmnOxs/s640/05.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>1) Doctor Who</b><br />
<i>Créé par Sydney Newman et Donald Wilson (1963)</i><br />
<i>Créé par Russell T. Davies (2005)</i><br />
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Ou ce qui est arrivé de mieux à la télévision. Depuis plus de cinquante ans, <b>Doctor Who</b> s'amuse à repousser les limites de l'imagination, en proposant des aventures variées et réfléchies, au cours desquelles les limites de l'espace et du temps volent en éclats. Des dinosaures dans un vaisseau spatial, des paradoxes temporels, des créatures sous forme de statues angéliques qui ne peuvent se mouvoir que lorsque personne ne les observe, voilà ce que vous croiserez si vous voyagez aux côtés du Docteur. Grâce à une base scénaristique intelligente, la série peut se permettre une renaissance permanente sans jamais risquer de lasser son public. Le personnage principal lui-même est sujet à l'évolution, via sa nature de Seigneur du Temps, ce qui justifie le changement d'acteurs et d'intrigues. De plus, <b>Doctor Who</b> propose des scripts ingénieux mêlant avec brio science-fiction, exotisme et humour britannique improbable. Cette base scénaristique permet d'aborder des périodes historiques variées ou d'explorer des mondes imaginaires atypiques, tout en tissant peu à peu la fresque d'un univers immense, peuplé de créatures récurrentes, qui font désormais partie de la mythologie propre à la série. Le renouvellement, la surprise et l'aventure sont les maîtres mots de <b>Doctor Who</b>, une ligne directrice qui permet de repousser infiniment les limites de la narration.<br />
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<b><span style="color: #a64d79; font-size: x-large;">Romans</span></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFthTiqqacUfVGgdYZlgvdtrpbJ8l1pvs8sh_ycDFQshgtY45M_c4GoznB2MOktj8z4C8xgDDoshCpr4Wdaud_G5NRoiDJxo06eyPI1prFE_yrY1fWrSis9D9cs0mc-wUDz6qxhhskGBA/s1600/01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFthTiqqacUfVGgdYZlgvdtrpbJ8l1pvs8sh_ycDFQshgtY45M_c4GoznB2MOktj8z4C8xgDDoshCpr4Wdaud_G5NRoiDJxo06eyPI1prFE_yrY1fWrSis9D9cs0mc-wUDz6qxhhskGBA/s1600/01.jpg" width="250" /></a></div>
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<b>5) Harry Potter</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Ecrit par J.K. Rowling</i></div>
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Je n'ai pas échappé au raz-de-marée <b>Harry Potter</b>. Les films, très agréables hormis le sixième opus, m'ont très vite convaincu d'attaquer les romans, que je croyais naïvement destinés au seul jeune public. La saga <b>Harry Potter</b>, c'est une histoire solide, pensée pour sept tomes foisonnants de détails et donc de crédibilité. L'épopée ne se contente pas de mêler une imagination débordante à des péripéties palpitantes, elle raconte aussi les doutes liés à l'enfance, puis à l'adolescence et enfin au monde des adultes. C'est une aventure bourrée à ras-bord de symbolisme, une histoire qui se construit autour de l'Histoire. La narration, d'une fluidité exemplaire, révèle un monde d'une rigueur et d'une cohérence extrême, un monde habité par des personnages marquants, qui ont quelque chose à raconter. Du choix des animaux totems auxquels s'identifieront les protagonistes, jusqu'au bois utilisé pour la conception des différentes baguettes magiques ou encore l'enchevêtrement des événements, tout fait sens dans <b>Harry Potter</b>. L'auteur ne prend jamais son lectorat pour ce qu'il n'est pas, derrière l'évidence du déroulement de la saga se dissimulent des messages et des métaphores d'une pertinence effrayante. Je plains seulement ceux qui, par préjugé ou que sais-je d'autre, passeront à côté de ce diamant littéraire.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2vIthxl5Nj_dKYyuGX23qEeW5_9njXdtP5lUqzAdlRVpUfRK5FvyTpBuvXpGjHtM7966PJrX9LK59iXRt0vbxbFlMy9hdkRkcJn62S6dgcf3vMBAEB40bdAtqz9LlWRAwiN1lgPi8zus/s1600/02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="420" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2vIthxl5Nj_dKYyuGX23qEeW5_9njXdtP5lUqzAdlRVpUfRK5FvyTpBuvXpGjHtM7966PJrX9LK59iXRt0vbxbFlMy9hdkRkcJn62S6dgcf3vMBAEB40bdAtqz9LlWRAwiN1lgPi8zus/s640/02.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>4) L'Échiquier du Mal</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Ecrit par Dan Simmons</i></div>
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Dan Simmons a de grandes réussites à son actif. Parmi ses pièces maîtresses, il y a <b>Terreur</b>, un roman historique tétanisant, <b>Le Chant de Kali</b>, une enquête morbide et malsaine ou encore <b>Hypérion</b>, véritable space-opera grandiloquent et apocalyptique. Loin au dessus de ces écrits d'une qualité déjà immense, il y a <b>L'Échiquier du Mal</b>. Dans le creux des pages de ce récit maléfique, il est question de génocide, de conspiration et de souffrances. Il y a ceux qui ont le Talent, qui peuvent contrôler l'humanité à leur guise, s'immiscer dans les moindres recoins de l'esprit humain. Ces abominations sont responsables des plus grandes tragédies historiques. Mais quelqu'un va s'opposer à eux, Saul Laski, psychiatre juif et polonais. De manipulations en révélations, Saul et ses amis vont défier le cancer de ce monde, le Mal de cette planète. L'écriture de Dan Simmons est incroyable de réalisme, l'auteur ne prenant aucune pince lorsqu'il s'agit de décrire la cruauté de l'ennemi. Bien que ces moments soient rares, ils marquent durablement le lecteur, qui ne peut alors s'empêcher de stresser aux côtés de Saul. L'enquête mènera les protagonistes des États-Unis au Mexique, en passant par Israël, tandis que les différentes intrigues s'emboîtent à mesure que les chapitres s'écoulent. Mystère, retournements de situations et réflexions sont dosés à la perfection, avant d'aboutir à un dernier acte passionnant et terrifiant. Les mots n'ont jamais aussi bien défini le Mal qu'au cours de cette épouvantable partie d'échecs.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8c9l8Lxhx7una0zy2vLKxPhJjF6ozvJNXBLbZb51tw1woWJBLn8nw4Z1xXq8HWWQPRRFeHDgQSfkcJB3nk5x66lRP4epzDbvcJyFHmD_LzCi5GsOSBXY_2-AwmKpd4sK43MdHA6NBAWs/s1600/03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8c9l8Lxhx7una0zy2vLKxPhJjF6ozvJNXBLbZb51tw1woWJBLn8nw4Z1xXq8HWWQPRRFeHDgQSfkcJB3nk5x66lRP4epzDbvcJyFHmD_LzCi5GsOSBXY_2-AwmKpd4sK43MdHA6NBAWs/s640/03.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>3) Kafka sur le Rivage</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Ecrit par Haruki Murakami</i></div>
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Il est difficile de parler de l'oeuvre de Haruki Murakami à quelqu'un qui n'a jamais lu l'un de ses travaux. Aussi, je vais m'adresser aux chanceux qui ont déjà voyagé aux côtés de l'écrivain, tandis que ceux qui sont restés à quai devront faire travailler leur imagination pour tenter de ressentir ce que je vais évoquer. Murakami a cette faculté incroyable de perturber le contemporain de manière imperceptible, à l'aide d'une phrase, voire d'un simple mot qui, employé au moment adéquat, parvient à séparer le banal de l'étrange. Il érige ce voile cotonneux qui absorbe la réalité et déploie le rêve avec une aisance irrévérencieuse. Son phrasé est d'une simplicité extraordinaire, celle qui arrive à toucher au bon endroit, quand il faut. C'est cette maîtrise de l'évidence des mots qui permet à l'auteur de mieux chambouler le classique, de faire voler le réel en éclats, et de peu à peu explorer les méandres d'un monde dont l'existence même relève de l'incertitude. Il y a de la philosophie zen dans <b>Kafka sur le Rivage</b>, il y a de l'étrange et du magique, il y a une rupture entre le palpable et l'indicible. C'est pour toutes ces raisons, et bien d'autres encore, des raisons pour lesquelles les mots ne signifient rien, que ce roman est une merveille absolue.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsDgTzNAeACVDitcKTaisw40t4YRcepj7z9AWLCgxnwm-WZsNstBwn-N4d-BwUF3YpFdcp9PPDbUIEas_F35g0ITlBE6tw4-L4KixyLQwTyRx_3-Koqkp_KPLd5RhjtOORTmK57TsJDuI/s1600/04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="380" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsDgTzNAeACVDitcKTaisw40t4YRcepj7z9AWLCgxnwm-WZsNstBwn-N4d-BwUF3YpFdcp9PPDbUIEas_F35g0ITlBE6tw4-L4KixyLQwTyRx_3-Koqkp_KPLd5RhjtOORTmK57TsJDuI/s640/04.jpg" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>2) La Tour Sombre</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Ecrit par Stephen King</i></div>
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Le King a, au fil des ans, réussi à créé son propre univers cauchemardesque, son système solaire de l'horreur, son cosmos terrifiant. Si les oeuvres du maître peuvent se lire indépendamment les unes des autres, Stephen King a injecté un mal absolu au sein de ses pages. C'est le même mal qui arpente une Terre désolée dans <b>The Stand</b> (<b>Le Fléau </b>sur nos terres), qui foule les pages de <b>Simetierre</b> et que le lecteur croisera dans la saga de <b>La Tour Sombre</b>, fantastique épopée étalée sur huit tomes, et trente ans de rédaction. Tandis que le premier volume prend place dans un monde dévasté, sorte de western post-apocalyptique, l'auteur va bien vite orienter son récit vers des envolées métaphysiques passionnantes, sans oublier de lier intimement la narration et l'imaginaire, au monde réel. Les personnages de <b>La Tour Sombre</b> brisent les barrières, naviguent de dimension en dimension, et rencontrent l'auteur lui-même. Mettant en place un mythologie qui lui est propre, sans atteindre la précision maniaque d'un Tolkien sur <b>Le Seigneur des Anneaux</b>, Stephen King érige ici un monde au bord du désespoir, dont le lecteur reste l'acteur central. En ce sens, le final de la saga reste l'un des plus marquants de la littérature contemporaine, étant donné que c'est sur les épaules du lecteur que repose le destin du personnage principal. Incroyable.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs1D-j0AMdimBf7CrXvTXf6d-1fkPqBMZ6KGWcMADSeMjCJs_8V9aN6wILjMHicFBIRYyevzaNQMl3bpCbvHat8mRmdx_Jr6p9LXBO23PEK6kY-LmACJiZVFtTKJl0Nw0DILQpOa7iO0Y/s1600/05.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="472" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs1D-j0AMdimBf7CrXvTXf6d-1fkPqBMZ6KGWcMADSeMjCJs_8V9aN6wILjMHicFBIRYyevzaNQMl3bpCbvHat8mRmdx_Jr6p9LXBO23PEK6kY-LmACJiZVFtTKJl0Nw0DILQpOa7iO0Y/s640/05.jpg" width="640" /></a></div>
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<b>1) La Horde du Contrevent</b></div>
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<i>Ecrit par Alain Damasio</i></div>
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Il m'arrive de relire <b>La Horde du Contrevent</b>, lorsque je commence à oublier l'univers qui vit entre ses pages. Livre-Monde éblouissant de maîtrise, servi par une narration virtuose, animé par des personnages aussi réels qu'ils puissent l'être, le chef-d'oeuvre d'Alain Damasio reste inégalé à mes yeux. Ludique, il l'est assurément, via la multitude de protagonistes qui s'expriment à tour de rôle, représentés par divers symboles placés en début de paragraphes. Exotique, il l'est aussi, à travers un monde régi par des règles que le lecteur apprend à découvrir au fil des mots, un monde peuplé d'une faune et d'une flore enchanteresses, mais cruelles. En plus d'être un exceptionnel roman d'aventure, <b>La Horde du Contrevent</b> incarne les prodiges d'un maître des phrases. Certains chapitres s'articulent autour de la maestria avec laquelle les mots peuvent vivre et danser ensemble. Pourtant, derrière cette leçon littéraire, se dissimule une immensité de variations: humour, conte philosophique, suspense, autant de genres qui se rencontrent, se chevauchent mais jamais ne s'affrontent. <b>La Horde du Contrevent</b>, un voyage au-delà des mots.<br />
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<b><span style="color: #a64d79; font-size: x-large;">Comics</span></b></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilhWnhTXhlsP0TGl4GcnBOm4LdPVWKomesHy_gqaTXRENlIxNbwTP-u5qO4H49OwT4QwJk2gonBzcwDQAG8ZLbtl2wH8RM9an1AY22me4xTYBWi1-w_TJS4_fO36t-LnkOQqbTk6_emUk/s1600/the-snowflake.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="624" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilhWnhTXhlsP0TGl4GcnBOm4LdPVWKomesHy_gqaTXRENlIxNbwTP-u5qO4H49OwT4QwJk2gonBzcwDQAG8ZLbtl2wH8RM9an1AY22me4xTYBWi1-w_TJS4_fO36t-LnkOQqbTk6_emUk/s640/the-snowflake.jpg" width="640" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<b>5) Planetary</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Créé par Warren Ellis et John Cassaday</i></div>
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Loin des comics de super-héros dont nous abreuvent les éditeurs, <b>Planetary</b> s'impose comme une véritable bouffée d'air frais. Mystères et aventures rythment les pages de ce récit original, porté par trois personnages charismatiques. <b>Planetary</b>, c'est un groupe d'archéologues d'un nouveau genre, confrontés à toutes sortes d'étrangetés. Fantômes policiers, mondes lointains, dinosaures, voici quelques exemples des bizarreries que vont devoir démêler les trois héros de la série. Elijah Snow, gaillard amnésique tout de blanc vêtu, est le personnage principal de cette saga épique. Si les premiers chapitres sont indépendants, la narration mettre en place une intrigue prenante ayant pour but de découvrir les secrets de <b>Planetary</b>. Une histoire très solide à lire et relire.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEip-sBw7tnOIYqUZ_5we0DyhkLbdeSL4PIDUs19Cd60aokZTkXOcpf8QRTMhfgqrnOIS3GpbdnvfHNTHOGEnaB_10Y4WJj8HzHVtp1tTl4VabQ7mkTjX3IRz7e-8FiGEjAeURA349NfA00/s1600/01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="358" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEip-sBw7tnOIYqUZ_5we0DyhkLbdeSL4PIDUs19Cd60aokZTkXOcpf8QRTMhfgqrnOIS3GpbdnvfHNTHOGEnaB_10Y4WJj8HzHVtp1tTl4VabQ7mkTjX3IRz7e-8FiGEjAeURA349NfA00/s640/01.jpg" width="640" /></a></div>
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<div style="text-align: center;">
<b>4) Fear Agent</b></div>
<div style="text-align: center;">
<i>Écrit par Rick Remender</i></div>
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Rick Remender est issu de cette nouvelle génération de scénariste, aptes à chambouler les attentes du lecteur, de manière à faire en sorte que ce dernier participe activement à la lecture d'une histoire. <b>Fear Agent</b> s'inscrit comme un hommage pulp à l'aventure, avec toutes les déviances scénaristiques possibles que cela implique, la seule limite étant l'esprit bouillonnant de l'auteur. Voyages temporels, fantômes, cyborgs, western, humour et tragédie, autant d'éléments qui se mêlent et s'entremêlent, et font de <b>Fear Agent</b> l'Aventure, avec un A majuscule, la plus palpitante jamais proposée dans un comic book américain.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKEwTGirOiBuRZvqrTtSRMLlOsf5uL4r7ugSXnoZo3JrqjvmEHO80vz3zlWE8KpB4pxg46xEGXFwDk9UQpAm5vXXBB_HfcC0LxjHlM3FS1xIZsRlAMHpuKBAjMWQBc__xNLW-2mj99wcQ/s1600/00.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="508" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKEwTGirOiBuRZvqrTtSRMLlOsf5uL4r7ugSXnoZo3JrqjvmEHO80vz3zlWE8KpB4pxg46xEGXFwDk9UQpAm5vXXBB_HfcC0LxjHlM3FS1xIZsRlAMHpuKBAjMWQBc__xNLW-2mj99wcQ/s640/00.jpeg" width="640" /></a></div>
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<b>3) Promethea</b></div>
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<i>Écrit par Alan Moore</i></div>
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<b>Promethea </b>est un livre plutôt méconnu, surtout en France, effacé par d'autres mastodontes de son auteur tels que <b>Watchmen</b> ou <b>La Ligue des Gentlemen Extraordinaires</b>. Et pourtant, <b>Promethea</b> est à mes yeux bien plus profond que les autres travaux du scénariste. Véritable ode à l'imagination, multipliant les intrigues, les personnages, les mondes et les époques, le récit est de plus illustré par le dessinateur le plus doué de l'industrie du comics: J.H. Williams III. L'artiste adapte son style selon les chapitres et les histoires d'Alan Moore, il en résulte des planches absolument magnifiques, au service d'une histoire particulièrement prenante et intéressante. Le tout dernier numéro de <b>Promethea</b> est d'ailleurs composé de plusieurs peintures qui, une fois découpées et assemblées les unes aux autres, forment une immense toile réellement splendide. Mise en abyme conceptuelle, aventure intense aux ramifications surprenantes, <b>Promethea</b> incarne le chef-d'oeuvre absolu de son auteur.<br />
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<b>2) Doom Patrol</b></div>
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<i>Écrit par Grant Morrison</i></div>
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Tromper le lecteur, user du symbolisme, briser le quatrième mur, voici les obsessions du scénariste Grant Morrison. Depuis son travail sur <b>Animal Man</b>, et sa conclusion dantesque durant laquelle le personnage principal pouvait voir et parler au lecteur, le scénariste n'a de cesse d'explorer les possibilités offertes par le média. Si nous attendons son prochain travail, mûri depuis plusieurs années, à paraître durant l'été 2014 (intitulé <b>The Multiversity</b>), les projets précédents de l'auteur font encore l'objet d'études approfondies au sein de plusieurs cercles d'initiés. Grant Morrison a étudié les limites d'un personnage comme <b>Batman</b> et ses 75 ans d'existence, il a écrit un pamphlet anarchique et punk incontournable, <b>Les Invisibles</b>, et s'est amusé avec le système d'édition du comics américain à travers son incroyable série <b>Seven Soldiers of Victory</b>. Mais ce qui nous intéresse ici, c'est l'incroyable saga consacrée à la <b>Doom Patrol</b>, une équipe de freaks aussi étrange qu'attachante, confrontée à des menaces surréalistes et omnipotentes capables de remodeler la réalité elle-même. Mille idées par chapitre, développements inattendus et thématiques multiples sont le coeur de <b>Doom Patrol</b>, 1200 pages qui se redécouvrent totalement à chaque lecture. Et puis, comment résister à Danny la Rue, un personnage atypique: une rue vivante, voyageant de ville en ville et s'intercalant entre les différentes artères urbaines ? <b>Doom Patrol</b>, c'est des idées comme celles-ci à chaque page.<br />
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<b>1) Sandman</b></div>
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<i>Écrit par Neil Gaiman</i></div>
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Imaginez que la totalité des personnages de mythologies, de contes et légendes, existe bel et bien, et qu'elle soit réunie sous la plume éthérée de Neil Gaiman. Imaginez des êtres éternels, qui ne sont pas des dieux, mais des incarnations personnifiées de concepts et sentiments, tels que le rêve, le désir ou la folie. Imaginez, enfin, que tous ces personnages vivent et se côtoient, au coeur d'un maelstrom d'intrigues étalées dans le temps et l'espace. C'est ce que nous propose Gaiman, en écrivant l'histoire de Dream, un Infini en proie au doute concernant sa propre nature, son but, son existence même. Et avec lui, la découverte du monde, d'une humanité qui se cherche elle-aussi. Dans l'ombre, les fils d'un complot se tissent, mais l'auteur distille son intrigue avec parcimonie, préférant s'accorder des envolées narratives d'une réussite totale. A ses côtés, nous explorons les légendes du monde entier, la folie des hommes, ou encore les songes de nos amis félins. Le récit se délie comme un big-bang, s'étirant de tous les côtés, pour finalement créer un univers fragile, dont l'épicentre restent les errances mélancoliques de Dream.<br />
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